miércoles, enero 31, 2007

Milka Duno, la piloto venezolana llega al podio de 24 horas de Daytona

En 45 años de historia la primera mujer que sube al podio de las 24 horas de Daytona es venezolana y se llama Milka Duno.


Octava en la anterior edición de la competencia, la venezolana con su actuación de esta oportunidad supera el quinto puesto obtenido por la suiza Lilian Bryner en 1995.
La piloto, integrante del team Samax en compañía del canadiense Patrick Carpentier, el escocés Ryan Dalziel y el británico Darren Manning, ocuparon el segundo lugar en la prestigiosa carrera de resistencia, primera válida de la serie Rolex Grand American en la categoría Daytona Prototipos, que celebró su edición número 45.
Resumen de su Carrera
Primera mujer en la historia que corre en los autos deportivos más veloces del mundo, en la clase LMP 900 en el Campeonato ALMS 2002.
Más de diez finales en el Podio en sólo tres años.
Única mujer entre 150 pilotos que compite en las 24 Horas de Le Mans en el 2001.
Cuatro carreras ganadas y segunda en total en el Campeonato de Pilotos Clase 676 ALMS-LMP en el 2001.
Primera mujer en lograr una final de podio en la categoría 2000 ALMS-GTS.
Primera y única mujer que gana el Desafío Ferrari en los Estados Unidos
Cuarta en el Campeonato Super Copa Porsche 1998 en Venezuela

Fuentes:
El Universal
CITGO, RACING

lunes, enero 29, 2007

Pedro Rojas, compositor venezolano que convirtió en canción su afición por el Magallanes


¿Quién no ha escuchado los pegajosos temas "Magallanes será Campeón" y "No hay quien le gane" popularizados por la Orquesta Billo's Caracas Boys hace más de treinta años?




Estas canciones adoradas por los seguidores de la nave turca y odiadas por los contrarios fueron escritas por Pedro Rafael Rojas Castillo, un conversador y dicharachero compositor oriundo de Yagua, población del municipio Guacara, quien convirtió en un "merengüito" su fanatismo por el equipo Navegantes del Magallanes.

Miriam Alejandra Bracho A.
Foto: Jorge Cera


Su carrera como compositor se inició en el año 1962 cuando ingresó al Grupo Escolar "Diego Ibarra" de Guacara para realizar una suplencia docente, allí compuso el himno de esa institución. Luego escribió "Ya vienen los carnavales" que grabó con la Orquesta "Los Caribes de Víctor Piñero", seguidamente cedió la plena "Una de la tarde" y "Los pachangueros" a la agrupación "Los Megatones de Lucho". Sin embargo, Rojas incursionó en el mundo musical a temprana edad como trompetista y cursó estudios en la Escuela de Bandas Militares en Los Teques y La Victoria.
Inicialmente el popular tema fue dedicado al Valencia Industriales, pero luego Rojas Castillo lo modificó y adaptó la letra para dirigirla a los bucaneros, lo grabó con una agrupación de Caracas para la temporada 65-66 del beisbol profesional venezolano sin conseguir éxito alguno y fue durante las Ferias de Valencia, en un baile organizado por él en el Centro Amigos de Yagua, que el recordado maestro Billo Frómeta se acercó al músico yagüense para pedirle permiso y así poder incluir en su siguiente producción discográfica el "Magallanes será Campeón". Lo demás es historia, quizás una de las canciones más conocidas por los venezolanos amantes o no del béisbol.
"Esa canción fue tremendo éxito y Billo estaba muy contento, es que se oía en todo el país sobre todo en Oriente porque Magallanes había sido de allá, como será que por los derechos de la letra y música me dieron en principio un cheque por 25 mil bolívares", recordó Rojas.
Poco tiempo después le llevó al director dominicano dos piezas: una que se llamaba "Beisbol Venezolano" y otra denominada "Aguinaldo Venezolano", "se las dejé al maestro Billo y las grabó, les cambió el nombre a una le puso "No hay quien le gane" y "Aguinaldo con Billo" y resultaron tremendos éxitos, no me molestó que la modificaran porque a fin de cuentas los arreglistas son los que le ponen el sabor a la canción", aclaró el músico y risueño recordó "ahí llegó otra ruma de billetes".
Pedro Rojas también recuerda haber escrito el tema "Caracas campeón" -hizo la salvedad de que su gusto por Magallanes nunca mermará-, en el cual el "Sonero del Mundo", Oscar D'León, estuvo muy interesado, pero nunca se decidió a entregárselo.
Precisamente esa fue una de sus últimas creaciones ya que ahora no le entusiasma escribir debido al problema de la piratería con los CD's, "ya no escribo porque no vale la pena, después queman los discos y yo no percibo ninguna ganancia".

DE MAGALLANES NI EL SALUDO
Se siente un magallanero a carta cabal, aunque con tristeza confiesa que en todos estos años de las directivas del club no ha recibido "ni un botón, ni un saludo", a pesar que en nueve ocasiones organizó el certamen de la Reina del Magallanes con invitados especiales como la Billo's, Los Melódicos y Porfi Jiménez.
La indiferencia de la gerencia naviera no le hace mella en su sentir y sigue detalladamente las actuaciones de su conjunto predilecto, además tiene como vecinos a los peloteros Carlos Hernández -lanzador zurdo-, Frank Díaz y Oswald Mujica, de quienes habla con mucho orgullo. Destaca que la gorra que usa se la regaló una de sus hijas y la camisa que tiene se la obsequió el expelotero Oswaldo Olivares.

"MANDINGA"
Pedro Rojas, quien también es conocido como "Mandinga" -apodo ganado por sus travesuras y peleas de niño-, no se separa de su Yagua natal y a sus 72 años disfruta de la compañía de su esposa Teresa de Jesús Tarache, sus seis hijos (Douglas José, Ana Teresa, Nelbys Griselda, Iris Soledad, Pedro Rafael y Luis Antonio) y sus doce nietos. Siempre pendiente de la actividad que se genera en el Club América, recordando los tiempos cuando los mejores espectáculos eran los que él organizaba y por supuesto atento a la final de la pelota venezolana que en su opinión "Magallanes será Campeón", sencillamente porque "No hay quien le gane".

Fuente: Noti Tarde - Nuestra Gente

Charlie Godell, pionero del Smooth Jazz

En un territorio “casi” inexplorado como lo es el Smooth Jazz, Charlie Godell se siente precursor. Este músico venezolano cuya carrera se inició de niño con el estudio del saxofón, mantiene ese mismo instrumento como su espada para defenderse en el ámbito musical.
En el Smooth, Godell irrumpe con lo que es su primer material, lleno de “jazz suave” al más puro estilo de Kenny G. “Se trata de una producción independiente, en la cual corrí con la virtud de poder hacer a mi gusto cada cosa”, dice.

Teresa Broggi
El viento a mi favor es el nombre de este primer álbum, en el cual Godell se da a conocer como solista. Fue realizado entre 2005 y 2006 y contiene cuatro standards de jazz con 11 temas entre los que se destacan un tema venezolano, uno cantado por Goyo Reyna y cuatro inéditos, todos dentro del género Smooth Jazz.
También cuenta con la participación de grandes músicos como Eddy Pérez, Leandro García, Gregory Antonetti, Kiko González, Mortadelo, José Ramoncini, David González y una esmerada mezcla con el músico/cantante Lino Paz y la masterización de Jesús Jiménez.
El álbum que por ahora se encuentra a la venta en discotiendas capitalinas específicas, contó con el apadrinamiento de la cantante Mirna Ríos y del maestro Andy Durán.

¿Por qué El viento a mi favor?
Porque 2004 fue duro, y luego sentí que a partir de ese año las cosas han salido chévere; el viento ha estado a mi favor.
¿Cree que el Smooth Jazz tendrá aceptación en Venezuela?
Creo que sí, porque es un terreno virgen y casi nadie hace este tipo de música. Es una oportunidad diferente para escuchar algo agradable, algo que seguramente le va a gustar a todo el mundo.
El Smooth Jazz está muy vinculado con el pop y por eso es fusionable, de hecho lo asocian con muchos ritmos y queda con varios géneros.
¿Ve posible una internacionalización cercana?
En abril voy a España a presentar el disco y el 14 de febrero celebraré el día de los enamorados con un concierto.

Reseña Biogáfica
Charlie Godell nace en Maturín el 29 de octubre de 1967. Comienza sus estudios de saxofón a los 14 años de edad en Wisconsin, USA, con el Prof. Paul Harper y luego, en Venezuela, con los profesores José Gay, Javier Anguera y Ramón Carranza.
Participó en numerosos festivales de jazz, jazz latino, rock, salsa y de música académica, entre otros estilos. Cursó 9 semestres de música en la Escuela de Artes en la UCV.
Ha acompañado a innumerables artistas venezolanos como Yordano, e internacionales, en el caso de Armando Manzanero. Fundó varios proyectos de jazz y la Escuela Colombiana de Jazz con el Prof. Mario Baracaldo en 1996, participando activamente en grabaciones desde hace 18 años y pedagógicamente desde hace 15 años, sin mencionar su labor en todas las orquestas clásicas de Venezuela.

Fuente: Revista Paréntesis - Diario El Carabobeno

viernes, enero 26, 2007

Nina Crespo cumple 101 de vida: un prodigio libre de vanidad

Hoy, Nina Crespo o Ninón, sigue habitando sus espacios íntimos con escasos recuerdos de su periplo existencial; pero espera puntualmente, y sin prisa, cumplir sus ciento un años de vida.
Ana Jacinta Crespo Báez, Nina para sus seres queridos y Ninón en el ámbito artístico, nació en El Paraíso, como Adán y Eva, y se crió entre el Palacio de Miraflores y la Villa Santa Inés, en Caño Amarillo, Caracas, el 24 de enero de 1906. Nieta del General Joaquín Crespo e hija del coronel Estatio Crespo y Elvira Báez de Crespo, quienes tuvieron siete hijos. Cercana a cumplir ciento un años de vida, sabe que todo ha quedado en el camino de la socialización amorosa con gente que ya no recuerda y su tiempo vital transcurre, con ciertos chispazos lucidos de su “penthouse”, así llama a su cerebro, con su hermana María Cristina (Pimpa). Ésta, de 88 años de edad, ex bailarina de flamenco, funge en breves ráfagas como la “voz” y la “memoria” de Ninón.

El primer trazo conocido por Ninón fue “una vaquita, según mi madre, porque yo no me acuerdo de ello. Copié la vaquita de una lata de mantequilla danesa Brunn. Así descubrieron mi vocación artística”. Ninón publica en 1923 la primera caricatura del doctor Luis Razetti (“Era sólo una calva, una nariz y una mandíbula prominente”), en la revista Billiken, estimulada por su padre y Lucas Manzano, y la última, en 1990, aunque realizada en el 86, del ex Presidente Jaime Lusinchi. Su trazo, inteligencia y encanto tuvieron cabida en Elite, desde el primer número, donde cristalizó su inquietud por la palabra y el arte pictórico. “Tristeza me da no haber sido escritora”.
La exposición de caricaturas, realizada en 1927 en el Ateneo de Caracas, le permitió a Ninón ser loada por su talento artístico hasta finales de los años cincuenta. De autodidacta pasó a estudiar pintura en España por recomendación de Tito Salas a comienzo de los años treinta y a finales de la década regresó al país. Allá tuvo como maestros iniciales a Ignacio Zuloaga y Zabaleta y Enrique Martínez Cubels. Salvador Dalí fue, entre otros, su condiscípulo. Según sus susurros: “Me retiré de la actividad artística pública porque no estaba a la altura de lo que se estaba haciendo. Yo era muy académica”. En esos años emergía con fuerza el abstraccionismo geométrico.


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María Angélica Correa, peridista venezolana premiada

La periodista venezolana María Angélica Correa se declaró "emocionada" y "muy agradecida" al conocer la noticia de que había recibido ayer una mención honorífica en la categoría de Televisión de los premios de periodismo Rey de España.

"Puedes decir que me he tenido que sentar. Pensé primero que era una broma", dijo la periodista en conversación telefónica.
"Es una llamada emocionante y estoy muy agradecida", manifestó María Angélica Correa, quien quiso "dar las gracias a la organización de los premios Rey de España". "Esos premios estimulan a los profesionales del periodismo y especialmente a la gente joven" para que trabajen "de forma responsable", comentó.
María Angélica Correa, nacida en Valencia, subrayó que inició por su cuenta la serie de reportajes en los que desveló las falsedades de las declaraciones del principal testigo del caso del asesinato del fiscal Danilo Anderson, trabajo por el que ha recibido ahora la mención honorífica. "Lo hice porque te corre por las venas el periodismo", dijo la periodista, de 36 años, quien también agradeció a todos los medios que posteriormente emitieron su reportaje. Profesionales de Argentina, Brasil, Colombia y España fueron distinguidos con los premios mención televisión, radio, fotografía y prensa.

Fuente: El Universal

jueves, enero 25, 2007

Patricia Ortega estrena estrenará el documental Brillan Dos soles, dos mundos

Alayde Feifel, protagonista, las nostalgias de Chejendé
Alaydé Feifel baila, danza y vende bisutería, mientras promueve distintas actividades de intercambio e interacción cultural, conciente de la necesidad de abrir puertas a quienes, como ella, llegan a Alemania soñando con un cambio radical en sus vidas. Ella lo logró y parte de esa historia está en la película.


“Fue un tema muy interesante. Le conté a Patricia mis vivencias. Vivo entre dos mundos, dos mentalidades diferentes. Nací en Caracas y me crié en un pueblo de Trujillo, llamado Chejendé. Mi familia paterna los Pargas (con p), vivían allá. Me vine en 1995. Había estudiando derecho, en la universidad Santa María. Pero aquí trabajo como vendedora en una tienda de bisutería...

(...) En el documental hablé de muchas cosas. Narro lo difícil que resulta salir de un país y entrar en otro donde las relaciones entre las personas resultan tan diferentes. Hay quienes pasan tanto trabajo. Llegan soñando que aquí cambiará sus vidas y lo duro resulta sentir que son tus mismos compañeros llegados de Latinoamérica, antes que los mismos alemanes, quienes tratan de hacerte la vida imposible...”.

“Luego apareció Patricia Ortega y nos hicimos muy amigas y la respeto como cineasta. Una mujer trabajadora. Tendría usted que verla corriendo para resolver, ella solita, todos los problemas que competen a la realización de un proyecto como el que decidió realizar aquí...
(...) Tengo mi página en internet, de mi compañía, se llama Alayde.ve; también aparezco en orinocoev.de y allí aparece mis datos y los del grupo de danza al que yo pertenezco”.



Elizabeth Sandoval , una de las protagonistas de “La película nos ayudará”
Elizabeth Sandoval sufre y llora cuando cuenta su historia. A través del filme, los espectadores podrán constatar la humildad, a la vez que la templanza de carácter que tiene esta caraqueña, quien contó que, en 1995, decidió partir para la tierra de los teutones.
“Espero ver la película aquí. Grabé con Patricia porque me dijo que necesitaba alguien para que le contara sus vicisitudes en Alemania. Yo trabajo aquí para el Ministerio de Hacienda. Laboro en la cocina, en una cantina”.

En Caracas trabajaba como peluquera. Previo a ello, realizó experiencia como actriz de relleno en la película Disparen a matar. Allí compartió con Amalia Pérez Díaz y conoció detalles acerca de los secretos del arte de la actuación.
“Conté mi experiencia. Llevo una vida un poco dura. No me puedo desenvolver bien con los niños. Trabajo fuerte, pero no gano lo suficiente. Libro esta batalla diaria para mantenerme. Mi profesión real es la de peluquera y manicurista. Brego por obtener una certificación oficial, que me permita desenvolverme en eso, en lo que verdaderamente sé hacer.
(...) Trabajo por un euro con cincuenta, aquí, en la cocina. Nada fácil. Cocino especialidades de todos los países. Muchas veces he sentido en carne viva los desmanes de elementos xenófobos e intolerantes, pero gracias a Dios, son muy pocos.
(...) Yo perdí un hijo allá en Venezuela. Aquí hay otros quienes están en la misma situación. Hubo un problema con unos visitadores sociales, que me dijeron que no podía regresar allá. No veo a mi hijo desde el 2004. Espero volver a verlo muy pronto. Patricia tal vez me ayude. Confío en Dios que así será”.


La beca que ganó Patricia Ortega, para irse a estudiar cine en Alemania, no fue sino su asunción de un reto espléndido, cuyo resultado, en forma de documental se estrenará, bajo el título de Dos soles, dos mundos.





La película narra los desencuentros culturales de tres mujeres que decidieron radicarse en Europa, dos venezolanas Alaydé Feifel, Elizabeth Sandoval y la chilena Antonia Moreno.
“Las tres protagonistas las conseguí a partir de una convocatoria por internet y concretada en el Eva, el Grupo latinoamericano de Mujeres, que funciona en Stuttgart. Una de esas muchachas, llamada Arline Morillo, me presentó a Alaydé, quien me presentó a Elizabeth y, en el mismo grupo, conocí a Antonia”, confesaba Patricia.
Desde allí partió el guión, dividido en tres partes: El sueño que la indujo llegar; el choque cultural, sus problemas y, al final, la decisión que la proyecta. Antonia regresó a Chile; Elizabeth se siente presa en Alemania y Alaydé, quien se declara alemanizada. Una obra para reflexionar sobre la inmigración.

Fuente: Diario Panorama


martes, enero 23, 2007

La radio venezolana quedó sin la imagen de Sergio Gómez



La radio venezolana perdió a uno de sus hombres más activos. Sergio Gómez, quien fue artífice y presidente del Circuito Unión Radio, desapareció físicamente pero su legado quedará en sintonía con las nuevas generaciones del medio.
Ciro García, presidente de la Cámara Venezolana de la Radiodifusión, conoció a Gómez hace 30 años. García formaba parte del equipo de producción del programa El Show de Richard que transmitía Venevisión. Sergio Gómez padre era el vicepresidente de administración del canal de La Colina y a través de éste, entraron en contacto.
Recientemente, en la Cámara, compitieron en elecciones por el cargo de la presidencia que ganó García.
En lo personal, el presidente de la Cámara no titubeó en decir: "Era afable, echador de broma, un buen hombre... Era aficionado al beisbol. En diciembre lo fui a visitar a la clínica y andaba con su gorra de los Tiburones de La Guaira", recordó García, quien expresó: "Se pierde un gran hombre de la radio venezolana".
Otro que compartió desde joven con el artífice de Unión Radio y Frecuencia Mágica, entre otros proyectos, fue Oswaldo Yepes, presidente de Kys FM y del Museo de la Radio.
"Es una pérdida lamentable", fue uno de los primeros comentarios de Yepes, quien recordó que cuando él trabajaba en Radio Capital, hace más de 30 años, surgió Éxitos 1090 cuyo principal logro fue crear el primer circuito de emisoras juveniles en el interior del país.
"Fue un hombre incansable y muy talentoso, todo el mundo lo quería", comentó Yepes.
Antonio Serfati, vicepresidente ejecutivo y director general de Unión Radio, trabajó muy cerca de Sergio Gómez y lo catalogó como "el hombre que más sabía de radio en este país".
Desde hace casi 20 años, Serfati compartió con Gómez y lo recuerda como un personaje "brillante, extraordinario, carismático y de buen humor".
Hace tres años, Gómez se separó de Unión Radio para crear la Frecuencia Mágica junto a Amalia Héller, quien ha confesado que de no haber sido por el primero, no se hubiese lanzado a la empresa de aliarse con otras señales. Fue Gómez quien dio el impulso necesario para captar clientes, rediseñar la programación y establecer las conexiones con el resto del país.
Héller considera a Gómez la persona que más conocía de radiodifusión en Venezuela, y uno de los creadores de los llamados circuitos.
Para la periodista Idania Chirinos, vicepresidente de Unión Radio y directora del Centro Nacional de Noticias de este circuito, Sergio Gómez era un "apasionado de la radio y de la noticia". "Él hizo de la noticia algo exitoso en la radio", comentó Chirinos, quien mantiene en su mente la imagen de un hombre "vital, inquieto y siempre productivo".

lunes, enero 22, 2007

La obra de Soto, Gego y Cruz Diez es internacional

Algunas de las obras de los maestros venezolanos, docentes universales de el arte abstracto, participarón en la Feria Internacional "Basel", celebrada en Miami Beach
Artistas internacionales participan la feria a través de las galerías que los representan. En los espacios de la "Galería Sicardi" se pudo admirar la obra plástica de los venezolanos Carlos Cruz Diez y Jesús Rafael Soto. La Galería Sicardi está ubicada en la Richmond Avenue de la ciudad de Houston, en Estados Unidos y esta dirigida por María Inés Sicardi y Allison Ayes.
La "Galería Sicardi" se dedica a trabajar desde hace décadas con el arte abstracto, en donde los venezolanos Gego, Cruz Diez y Soto son docentes universales.

Fuente: Diario El Argaueño- Cultura

sábado, enero 20, 2007

Luis Julio Toro, el flautista en solitario

El poderoso y hermoso sonido que es capaz de extraerle Luis Julio Toro a su apreciado instrumento, la flauta, se siente en los diez temas que conformansu más reciente producción Toro Solo. Su pasión porla música y el continuo afán por descubrir nuevas formas y técnicas interpretativas, han sido las razones para que este brillante flautista caraqueño haya podido realizar adaptaciones de obras musicales que originalmente no han sido concebidas para la flauta.

Considerado uno de los mejores flautistas de la actualidad, Luis Julio Toro ha sido aclamado por la crítica por su poderoso y hermoso sonido, mereciendo importantes reconocimientos y ubicándose en un sitial destacado en el exigente escenario musical internacional.

Su trayectoria profesional, plena de experimentaciones, le ha permitido explorar y extraer reveladoras sonoridades de su flauta, bien sea como parte de proyectos colectivos o como solista.

“Vientos Alisios”, “Cantos y Tonadas”, “Miranda: su flauta y la música”, “Bach” y toda la rica discografía de Ensamble Gurrufío y Camerata Criolla hablan de un artista interesado en la indagación de las múltiples posibilidades técnicas y expresivas de su instrumento, con el cual intenta trascender cualquier rigidez de género.

Su más reciente producción discográfica, Toro Solo, resume este estilo y refleja la íntima y personal búsqueda que ha ocupado la vida profesional de este flautista en los últimos tres años, tiempo en el que se dedicó a adaptar a su propio lenguaje y voz un variado repertorio, no necesariamente escrito para flauta sola.

“Afortunadamente, siempre desarrollo proyectos musicales con música que, simplemente, me gusta mucho. Y como se trata de ‘música’, muchas de esas piezas que me interesan no han sido ni escritas ni pensadas para flauta; pero eso no ha sido impedimento para que de una u otra forma me las arregle o ‘las arregle’ para tocarlas”, afirma el fundador de Ensamble Gurrufío, grupo con el que ha recorrido el mundo llevando lo mejor de la música venezolana.

Del disco destacan su versión de La Chacona de Bach y Las variaciones imposibles de Paul Desenne, sin dejar de mencionar los cuatro valses de Antonio Lauro y El Bachiano de Raimundo Pineda. En este momento el músico se prepara para presentar en España un disco del concierto para flauta Gran Danzón (The Bel Air Concerto), composición escrita por el cubano Paquito D’Rivera, quien tras presenciar el estreno de esta pieza en Miami, expresó que consideraba que esta era la mejor interpretación de su obra.

Igualmente, la crítica no ha escatimado elogios para el fundador de Ensamble Gurrufío: “Impecables y brillantes líneas melódicas...”, reseñó el Washington Post. “... Un concierto que nunca se volverá a escuchar”, se pudo leer en El Periódico de Barcelona, España.

En enero, luego de la presentación deToro Solo, viajará a España donde lanzará al mercado un disco que recoge el “Gran Danzón. The Bel Air Concerto”, obra para flauta y orquesta escrita por el reconocido compositor e instrumentista cubano Paquito D’Rivera y que Luis Julio Toro grabó en febrero pasado con la reconocida Orquesta Sinfónica de Córdoba, España, bajo la batuta del Maestro Manuel Hernández-Silva. Esta versión es, según D’Rivera, músico que este año celebra cinco décadas de trayectoria artística, la mejor interpretación que se ha hecho del “Gran Danzón” pieza que, representa para muchos, la consagración de este artista como compositor.

Toro Solo es un disco de producción independiente que cuenta con el diseño gráfico de Carolina Arnal (ABV Taller) y la fotografía de Rodolfo Benítez. Está a la venta en las principales discotiendas del país.


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Ramón Castillo, fotógrafo venezolano

Ramón Castillo habló sobre sus fotografías y de como captura la belleza del alma. La fotografía empírica y naturalista de Ramón Castillo captura las emociones y busca retratar la pureza de las almas. “Una mirada lo dice todo y eso es lo que me inspira a descubrir los sentimientos ocultos del ser humano”.

Texto: Yanivis Florián Cadena

El ojo empírico del fotógrafo Ramón Castillo se posiciona en el mundo de la fotografía para presentar las emociones y la esencia de las personas capturadas por su lente cazador de rostros y acciones.
El joven zuliano desnudó su alma para ir más allá del simple hecho de tomar una foto y demostrar que la clave de una fotografía es capturar el espíritu.
Exigente y amante de la naturalidad y las expresiones humanas, Ramón Castillo habló en exclusiva con Galería y nos sintetizó la fotografía en una sola palabra: Inspiración. —¿Qué significa para un fotógrafo participar en el Certamen Mayor de las Artes y las Letras?
—Es un logro para cualquier artista porque es una exposición en la que te observan muchos críticos internacionales. Recibí comentarios muy positivos.—¿Qué busca al retratar una persona?
—Sentimientos ocultos, emociones y cualidades que puedan dar que pensar al observador.
—Según su perspectiva, ¿cuál es la mejor puesta fotográfica?
—Una mirada lo dice todo.
—¿Qué es lo más atractivo de tomar fotos?
—Conocer gente, nuevas culturas, eso es lo que me inspira para retratarlas.
—¿Y las fotografías al desnudo?
—Me parece una de las posturas más hermosa porque vinimos al mundo desnudos.
—¿Se puede mirar el alma a través del lente de la cámara?—Claro, de eso se trata, de capturar el alma a través de una sonrisa, un sentimiento y de la mirada.
—¿Cuál es la enseñanza de la fotografía empírica?—La experiencia. Lo más importante de toda mi carrera es que Dios me dio el don para dibujar con la luz, a través de mi cámara, para capturar la pureza del alma, que es la clave de una fotografía.—¿Cómo las calificas?
—Se pueden calificar de grotesca, sensual o romántica, dependiendo de lo que se quiera mostrar en escena.
—Qué diferencia una foto pornográfica y una artística?
—Las diferencias te las da la experiencia. La luz, los colores, la pose, la mirada, la expresión de las personas son elementos que se tienen que utilizar con cuidado para no confundirlas.—¿Qué es para usted una cámara fotográfica?
—Es una máquina de capturar espíritus.


Fuente: Revista Galería - Diario Panorama

Reeditan libro de Arturo Uslar Pietri

"Sumario de economía venezolana para alivio de estudiantes" del escritor venezolano universal Dr. Arturo Uslar Pietri (1906-2001). Este libro es de la colección Memoria de la Economía Venezolana, serie textos pioneros del Banco Central de Venezuela.

En el libro Uslar Pietri nos los explica cuando escribe "... estos apuntes en su primera versión fueron hijos de la necesidad. Cuando, un día del año 1937 tuve que encargarme de la cátedra de Economía Política de la Facultad de Derecho de la Universidad Central de Venezuela, me encontré con que la vida económica de Venezuela no comparecía en el campo de aquel curso...".

Isbelia Sequera Tamayo, escribe el prólogo de "Sumario de economía venezolana, alivio para estudiantes", y lo define, en síntesis, un libro, lúcido, un libro en el que se cuantifica con muy poca emoción, con gran frialdad y objetividad científica, las diferentes situaciones de carácter económico-político que vive Venezuela a lo largo del tiempo, enmarcadas en el medio físico y social. El libro de Don Arturo Uslar Pietri espera por nosotros.

Fuente: Diario El Aragueño - Cultura

miércoles, enero 17, 2007

Vanessa Pérez, pianista venezolana

Vanessa posee un extraordinario talento: un carisma irresistible. Su interpretación es cálida, apasionada, colorida, combinada con una técnica magnífica.

Peter Frankl

La pianista Venezolana Vanessa Pérez, ya ha sido ampliamente reconocida como una "virtuosa" del teclado dotada de un extraordinario poder interpretativo que cautiva a las audiencias.
Comenzó sus estudios a los siete años de edad en Caracas, Venezuela. Desde los ocho años viene presentándose como solista en recitales y también acompañada de orquestas en renombradas salas de concierto alrededor del mundo. El legendario pianista Claudio Arrau la escuchó a los 14 años y la describió como "una pianista cuya técnica, musicalidad e inteligente enfoque de las obras que tocó, me provocaron una gran emoción. No es posible hoy en día encontrar una joven mejor dotada de los elementos que mi escuela pianística exige de un pianista."


A la edad de 11 años dió su debut oficial en Caracas, Venezuela, ejecutando el Concierto para Piano y Orquesta de Edvard Grieg con la Orquesta Sinfónica Municipal dirigida por Carlos Riazuelo ante un público 2500 personas.
Luego de ganar numerosos premios en competencias para jóvenes talentos tanto en Sudamérica, como en los Estados Unidos y Europa, Vanessa continuó tocando en salas de concierto y festivales entre los que están el Festival de Montpellier-Radio, Francia; Schauspielhaus en Berlín; Kammermusiksaal-Beethoven-Haus, Alemania; el Festival Settembre Musica en Turin; la serie de la Societa Dei Concerti, Milan; Schubertiades at Sotheby's en Londres; Keyboard Concerts Series, Fresno; Gothic Halls en Bruselas; Ríos Reina en Caracas; Luís Ángel Arango en Bogotá y en el Palacio del Gobernador en Gibraltar.

También ha sido solista con prestigiosas orquestas como la Berliner Symphoniker, con la cual grabó un CD del Concierto No. 1 para Piano en Do mayor de Beethoven, y en Octubre del 2001 el Concierto para Piano No. 20 en Re menor de Mozart junto al Director Venezolano Eduardo Marturet. También realizó una gira por Latinoamerica con la Berliner Symphoniker presentándose como solista invitada en el Teatro Colón de Buenos Aires, en Montevideo, Uruguay y en Monterrey, México. Otras orquestas con las cuales ha sido solista incluyen L'Orchestra "Pro Arte" Marche en Italia, Orquesta Sinfónica de la Royal Academy of Music, Symphony Orchestra en Londres y las mas importantes orquestas sinfónicas de Venezuela. En colaboraciones en Música de Cámara se ha presentado en el Wigmore Hall, Londres; en el Festival Schnnitke en RAM, Londres; en el Festival de Montpellier, Francia; también ha tocado junto a la renombrada soprano Isabel Rey en el Opernhaus de Zurich; en el Dresdner Musik Festspiele, Dresden; y para la Lirica Privanza's 3er Cicle d'Opera en Barcelona, España. Se presenta en recitales internacionales con la aclamada violinista francesa Virginie Robilliard con quien ha formado el Dúo Robilliard – Pérez.

En Marzo del 2002 recibió una especial invitación del renombrado trompetista, compositor y ganador de premio Grammy, Arturo Sandoval para tocar en el "Blue Note" de New York, evento en el cual fue personalmente presentada por él para ejecutar su composición para piano llamada "Sureña". Activamente comprometida con la música del Siglo XX así como también con la Música nueva, Vanessa Pérez ha interpretado obras y colaborado con compositores tales como Paul Moravec, Suzanne Farrin, Lowell Liebermann y Alfred Schnittke entre otros. En 1998 Vanessa Pérez fue condecorada con la orden " José Félix Ribas" el más alto reconocimiento dado por el Presidente de la República de Venezuela a jóvenes que han contribuído al engrandecimiento del país. En los Estados Unidos ha estudiado con Rosalina Sackstein y Ena Bronstein. En 1992 se traslada a Londres aceptando una beca completa otorgada por el Royal Academy of Music para estudiar con Christopher Elton. Al graduarse continuó sus estudios en Italia, en la Accademia Pianistica "Incontri Col Maestro" en Imola, con los maestros Lazar Berman y Franco Scala. Posteriormente completó estudios de posgrado en la Universidad de Yale con el pianista Húngaro Peter Frankl. Otros músicos que han sido guías y contribuido a su carrera son Richard Goode, Tamas Vasary, Claude Frank, Boris Berman, Lynn Harrell, Zubin Mehta, Lev Naumov y Dimitri Bashkirov. Entre sus últimas presentaciones se incluyen un debut en el Carnegie Hall en la ciudad de New York en Octubre y un recital en el Discovery Series en La Jolla , San Diego, en Carnegie's Weill Recital Hall en la ciudad de New York. Grabaciones de sus presentaciones han sido presentadas en el programa de Robert Sherman's Young Artists' Showcase on WQXR-FM en New York.
El primer disco compacto de una serie de recitales fue lanzado al mercado a finales del 2005 por VAI Records.

Fuentes: Hispania Clasica
http://www.vanessaperez.com/jsp/bio.jsp

Carlos Oteyza abre muestra documental en la ciudad de Praga


La película Caracas, una crónica del siglo XX (1999), dirigida por Carlos Oteyza, inauguró la noche del lunes un ciclo de cine documental venezolano con producciones, en parte inéditas, del Cine Archivo Bolívar Films.
Las proyecciones, que tienen lugar en el Instituto Cervantes de Praga, continuaron luego con Luis Guillermo Villegas, un hombre de película (2002), dedicada a quien es considerado el fundador del valioso archivo dedicado al celuloide venezolano.
Esta memoria fílmica del siglo XX "preserva imágenes que datan de 1918 y posee una colección de documentales, única en Venezuela, de gran valor histórico y educativo", aseguró Luis Jerónimo Sotillo, primer secretario de la embajada venezolana en Praga durante la inauguración.
Un total de 16 piezas audiovisuales componen este ciclo, en el que ayer se proyectaron películas sobre el ex presidente Rómulo Gallegos (1884-1969) y el arquitecto Carlos Raúl Villanueva (1900-1975).
No faltarán trabajos sobre otras destacadas figuras del país antes de que concluya el ciclo el 6 de febrero, con la proyección de trabajos dedicados al médico Arnoldo Gabaldón (1909-1989) y el pintor Carlos Cruz Diez (Caracas, 1923).
Entre las cintas seleccionadas también figuran documentales sobre los judíos venezolanos, los inmigrantes, la encrucijada de Maracay y los orígenes de beisbol, el deporte más popular del país caribeño, reseñó Efe.
Fuente: El Universal

Coro Fé y Alegría 22 años cantando

"Fe y Alegría" nació en sus primeros pasos como agrupación de voces infantiles y hoy está conformada por toda una coral de carácter universal.


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La Coral Fe y Alegría es dirigida por la profesora maracayera Judith Teresa Arteaga Loyo, nacida en Maracay-Estado Aragua. Ella estudió en el Conservatorio de Música de Maracay, en el Pedagógico de Maracay y tiene ámplia experiencia profesional el haber estado al frente de diversos coros del Estado Aragua (Academos, Voces Blancas del Colegio de Abogados, del Instituto Universitario de Tecnología Universitaria y el coro del Instituto El Mácaro). Ha sido preparadora del Kinder Musical del Conservatorio de Música, de la Orquesta Sinfónica Juvenil y del Preescolar Cavin, siendo entre otros los trabajos realizados por esta docente musical a tiempo completo.

"Fe y Alegría" nació en sus primeros pasos como agrupación de voces infantiles y hoy está conformada por toda una coral de carácter universal. Se cumplen conciertos didácticos en diferentes escenarios y montajes de piezas sinfónicas de trayectoria histórica como obras de Mozart, Carmina Burana y la Misa de los trópicos de Juan Carlos Núñez que le han permitido la lucidez y proyección del momento.

Fuente : Diario El Aragueño-Cultura

martes, enero 16, 2007

Cuatros Larenses de Alta Artesania

Es el instrumento Venezolano más querido y más buscado por todos los músicos profesionales y aficionados a lo largo y ancho del pais y del mundo. El Cuatro es el instrumento típico que representa por excelencia a la música deVenezuela en el mundo.


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En Cada estado existen fabricantes que se caracterizan por el estilo y la manera de hacer los cuatros, son muy notables los cuatros cumaneses por su colorido, los larenses por su timbre temperado, por lo general los mejores artesanos viven alejados de las ciudades, sus casas están mas allá del bullicio cotidiano. Hay dos generaciones activas: los viejos que aún están enteros y los jóvenes herederos, innovadores, creativos, inquietos....
... En Carora hay dos Maestros de la excelencia: Antonio Navarro, un hombre humilde pero de profunda condición humana, 32 años fabricando los mejores cuatros, a quien vemos en esta imágen (cortesia de Navarro) en compañia de Alirio Diaz, el insigne Guitarrista académico de reconocida trayectoria internacional artística y cultural , en un ambiente Caroreño, de Venezuela para el mundo.
Sus alumnos fieles a su herencia :
El Catire, El Tumayo, Camacaro y los Chirinos sembrados en este estado, ahora se destacan los Suarez : Mario, Gregorio, Darío, Alberto, ...cada uno es una escuela, Juán Durán, reconocido por su impecable terminación y gusto para escoger las maderas, los hijos y nietos de Pablo Canela y Guillermo Timaure el artista incansable.

Existen dos razones básicas para calificar un cuatro: de producción industrial o de producción artesanal

El cuatro industrial es hecho con fines comerciales, maderas corrientes y componentes económicos que abaratan su costo, como por ejemplo los trastes de aluminio, las cejillas plásticas el puente sin apoyo, la cabeza pegada y barnizados a mano, algunos estan acabados con pintura y se les nota las asperezas de la madera poco curada. Lo importante es que sean atractivos y baratos. Aunque no lo parezca, mucha gente compra estos cuatros para parrandear, algunos suenan bien.

Un cuatro artesanal es "otra cosa"
El cuatro artesanal no se hace en serie,se hace en serio...
..hay un cuidado especial en la escogencia de las maderas, en las medidas de la regla y las distancias tonales, la inclinación de la cabeza, el apoyo del puente, la altura de las cuerdas, el acabado final, y sentir el timbre que sólo obtenemos cuando el cuatro está terminado y afinado para su primera prueba.

Fuente: Le Luthier

Raphael Jaimes-Branger expone en Boston sus obras de ácido sobre plata

El pintor venezolano, y residenciado en Boston, usa pátinas para lograr el óxido en láminas de plata. Este venezolano, egresado de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, cuenta que la técnica que usa le permitió zafarse de la forma en la que pintaba anteriormente.


La ambición por encontrar una técnica que superara en simpleza a la del dibujo guió sus investigaciones. Raphael Jaimes-Branger evocaba las maravillas que habían logrado, apenas con el grafito sobre papel, Miguel Ángel o Rafael. Pero el momento mágico en el que estaba frente a aquello que buscaba ocurrió luego de trabajar pátinas sobre hoja de plata.
La imagen apareció lentamente, como si se tratara de una fotografía que emergiera de una cubeta de ácido. Los tonos sepia se manifestaron en todo su esplendor. La reacción química se convertía en arte.


Este trabajo forma parte de su más reciente exposición: Encontres. Japón et l'occident, que se exhibe en la Alianza Francesa de Boston, Estados Unidos.
Pero Jaimes-Branger prefiere no poner el acento en la técnica: "Es muy importante la técnica pero también lo es olvidarse de ella y reaccionar ante la obra". Este venezolano, egresado de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, cuenta que la técnica que usa le permitió zafarse de la forma en la que pintaba anteriormente: "Mi primer maestro fue Pedro Centeno Vallenilla, que era hermano de mi abuela. Pintaba como él, hacía pinceladas bastante controladas y necesitaba liberarme de eso. Con esta técnica pude liberarme de ese control y dejar ciertas cosas al azar", revela.
Lo dice porque cuando se pinta de esta manera no se puede corregir: las pincelas se hacen de una vez y así quedan. Cinco segundos después aparece la imagen tímidamente; 24 horas más tarde ésta se manifiesta tal como es. Es cuando se revela la sorpresa de lo que hizo.
Y esa manera de trabajar coincide en mucho con la pintura japonesa, además de lo que él llama la "economía de líneas", la técnica impide "volver sobre tus pasos". Es por ello que la muestra está, en parte, inspirada en el arte japonés a la vez que es un homenaje; una deuda que el artista siente por la influencia que ha recibido.
No sólo el arte japonés ha influido su trabajo: "Yo soy todos los artistas que me precedieron, soy parte de una historia de artistas de todo el mundo. Miguel Ángel, Caravallo, Velázquez, eso lo que uno conoce y lo que uno es, quiera o no".
Este pintor ha expuesto en Estados Unidos, Francia y España. Aunque tiene 28 años fuera de Venezuela, no descarta la posibilidad de preparar una muestra en su país.
Antes del año 2000 trabajó con el color. Pero por ahora prefiere el sepia de la plata oxidada. Un sepia que puede variar en intensidad y alcanzar un azul cobalto. Se trata, sin duda, de una paleta restringida. Pero eso no es un obstáculo sino una ventaja para quien le interesa dar ese sentido nostálgico del sepia sobre papel, propio del Renacimiento.

Fuente: El Universal

lunes, enero 15, 2007

Jesús Soto, venezolano universal

El guayanés universal es conocido a nivel internacional entre otras obras por sus penetrables, que hacen al espectador adentrarse en un mundo mágico.

Adriana Rodríguez Filgueira

Hace dos años Venezuela perdió a uno de los grandes maestros del arte internacional, Jesús Soto, quien con su creatividad y talento, logró abrirse espacio entre los artistas más grandes del mundo.
La historia del arte del siglo XX quedó marcada con la obra de Soto quien se basó en la convicción de que había que tomar conciencia de “lo inmaterial”, “es decir, atravesar la última etapa hacia lo absoluto”, según explicaba el maestro.
Este insigne venezolano nació en Ciudad Bolívar el 5 de junio de 1923, cuando tenía 19 años ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de Caracas, y cinco años más tarde fue nombrado profesor en la Escuela de Arte Julio Árraga en Maracaibo. En 1950, abandonó Venezuela para instalarse en París.
Los primeros años en la capital francesa no fueron fáciles, allí se ganó la vida tocando la guitarra y cantando en los bares de Saint-Germain-des-Près, mientras continuaba su inquietud de búsqueda en el campo de las artes plásticas.
Influenciado por Mondrian y Malevitch, Soto sobrepasó rápidamente la abstracción geométrica, convencido de que todo lo estático es falso y que la pintura debe reflejar la vida, en la que no hay nada en reposo.
Su percepción de la movilidad, de lo inestable, lo llevó a trabajar en superposiciones de superficies y colores para lograr efectos de movimiento y vibración.
Soto presentó Espiral, su primera estructura cinética en la exposición Le mouvement, organizada en la Galería Denise René, en el año de 1955. Como su nombre lo indica la pieza está compuesta por dos espirales superpuestas y separadas por unos centímetros. La obra, que pareciera estar en movimiento constante, diluye las formas y se hace y deshace en función del movimiento del espectador.
En 1967 creó la primera obra de la serie Penetrables, la cual consiste en instalaciones de tubos de plástico a través de los cuales el espectador se siente en un espacio mágico. Ambas obras que pudieron admirarse en el Museo de Arte Moderno, en el Grand Palais y el Centro Pompidou de París.
Una de las principales técnicas utilizadas en esa época por Soto, provenía de su descubrimiento del uso del plástico con fondos rayados con lo que lograba inquietar la visión de quien observa con el fin de dinamizarla.
En su nombre En 1973 surgió la idea de construir en Ciudad Bolívar un museo que llevaría su nombre, y en el que desde entonces se exhiben obras particulares del maestro creadas entre las décadas de los años 50 y 60, así como de otros artistas del mundo.
Su grandiosa carrera artística fue reconocida a nivel mundial y fue así como pudo disfrutar de varias exposiciones organizadas por importantes museos del mundo como fue el caso del Guggenheim de Nueva York en 1974, el Palacio de Velásquez en Madrid en 1982 y el Jeu de Paume de París, inaugurada en 1997.
Gracias a su aporte artístico en 1960 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1995 el Gran Premio Nacional de Escultura de Francia. Así mismo, en 1996 fue invitado de honor de la Bienal de Sao Paulo. Tal y como señala, la página web de BBC Mundo, su participación en dicha exposición estuvo dedicada a lo inmaterial en el arte y causó tanto revuelo que el Jornal do Brasil llamó al encuentro artístico de ese año “A Bienal de Jesús Soto”.
Las últimas exposiciones de Jesús Soto estuvieron organizadas por el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 2003 y por el Museo de Bellas Artes de Houston, Estados Unidos, en 2004. Sus obras se encuentran en varios de los museos de arte moderno más importantes del mundo, entre ellos están el Museo Ludwig de Colonia, Alemania, el Centro Georges Pompidou de París, el Tate de Londres, la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Jesús Soto falleció el 14 de enero de 2005 a los 81 años de edad, en su residencia en París.

Fuente: Correo del Caroní

domingo, enero 14, 2007

Aldemaro Romero electrónico, Onda Nueva revitalizada

La Onda Nueva de Aldemaro Romero vuelve 30 años después con una versión electrónica, gracias a una producción de la Fundación Nuevas Bandas.
Un disco de música electrónica permite escuchar con la frescura de la actualidad, los ritmos creados por Aldemaro Romero hace 30 años. Todo empezó con las intenciones de varios Dj de jugar con los sonidos de la Venezuela de los años 70, y un homenaje que se hizo al compositor venezolano en el Festival de Nuevas Bandas 2006.
BORIS FELIPE borisfelipe@hotmail.com]

Cuando el suizo Carl Jung elaboró el concepto del inconsciente colectivo, seguro no pensó que ese sistema de símbolos compartidos que forman un lenguaje más allá de los individuos terminaría incluyendo la música y mucho menos la Onda Nueva. Las tres generaciones más recientes de venezolanos son capaces de reconocer este sonido (deudor de la estructura del joropo) sin descifrar su discurso musical y mucho menos a su autor: Aldemaro Romero.
Partiendo de ese pensamiento, la Fundación Nuevas Bandas, a través de su sello discográfico, editó el disco Nueva Onda Nue va, una lectura actual y electrónica de ese ritmo que se coló en los hogares de los venezolanos a principio de los años 70.

"Es Onda Nueva con un empaque moderno", comenta Félix Allueva, presidente de la Fundación Nuevas Bandas y coproductor ejecutivo del disco. "Hay una memoria musical muy fuerte con la Onda Nueva. Los chamos pueden reconocer esa música sin saber ni su nombre. La estructura de la Onda Nueva se sigue utilizando en muchas canciones e incluso en la publicidad.

Conservamos (para el disco) todos los elementos polirrítmicos y tradicionales venezolanos.
Hay también mucho jazz con filtro electrónico. Se respetaron todas las estructuras originales de cada una de las canciones", asegura.

OND A BENDIT A La primera noticia de músicos contemporáneos buceando dentro de la obra de Aldemaro Romero fue unos tres años atrás cuando, desde Italia, varios Dj "metieron mano" a viejos temas de la Onda Nueva. Sin tener noticia de esa aventura, Allueva incluyó un homenaje al maestro Romero en la edición del Festival Nuevas Bandas del año pasado.

Luego de eso comenzó la historia del disco: "Una día conversando con Gloria Chacón (la otra responsable de la producción ejecutiva del compacto) acordamos ponernos a trabajar en esta recopilación. Ella tenía bastante material adelantado y su colaboración fue invalorable en la convocatoria de los artistas y en la selección final del disco", explica Allueva, quien también destaca el rol de la Fundación Nuevas Bandas como promotora cultural y el respeto a la obra de Aldemaro Romero. "100% del uso de los temas fue autorizado. Incluso él mismo recomendó las canciones con las que trabajamos. Este es un proyecto que contó con la `bendición’de Aldemaro", dice orgulloso.

ALDEMARO INVISIBLE

El contacto con la Onda Nueva para muchos venezolanos fue a través de los elepés de sus padres. Ese fue el caso de los integrantes de Los Amigos Invisibles, quienes quedaron enganchados con ese sonido de tal forma que escribieron y grabaron el tema "Aldemaro en su camaro", incluido en su segundo disco The New Sound of the Ve nezuelan Gozadera. Para Allueva existe,además de la influencia de las composiciones de Aldemaro Romero, una coincidencia entre ese grupo y el creador de la Onda Nueva: "En ambos casos hay una utilización de los códigos del momento. Las letras de Aldemaro,al igual que la de Los Amigos Invisibles,hablan con las palabras de la época, es casi un `calé’. La selección de Nueva Onda Nueva, incluyó un tema, "Carretera", reinterpretado por José Luis Pardo, guitarrista de Los Amigos Invisibles, encarnado con su alias Dj Afro.

Entre los participantes de Nueva Onda Nueva están antiguos miembros del colectivo impulsado por Gloria Chacón, El Sindicato del House; el músico Spyro, quien participó en el Red Bull Music Academy; Sur Carabela acompañado de Apollonia, antigua cantante de La Corte; y el Dj Demetrio de Caracas, actualmente residenciado en Madrid.

Fuente: Revista Todo en Domingo

Eddy Castro: un pionero del rock nacional con calidad de exportación


Bajo una humilde sonrisa y una añorante mirada nos encontramos con Edgar Luis Castro Ramos, quien en la época de los 70 fuera conocido como "Eddy Castro", uno de los fundadores y líder vocalista del popular "Grupo C", una especie de fenómeno valenciano que fue capaz de traspasar fronteras, revolucionando a todos los jóvenes de esa generación, en una etapa de rebeldía y competencia musical.

Esta agrupación conformada por Joel Bravo en el bajo, José Arévalo en la guitarra, Ezequiel Pérez en las congas, Pino Lagona y Rocco De Frenza en los teclados, Cono Lagona como guitarrista y, por supuesto, el aclamado Eddy Castro, se formó en 1970 en la localidad de Naguanagua y su nombre se debe a que en el primer mundial de fútbol televisado en Venezuela, Brasil pertenecía al grupo C de la clasificación de la ronda eliminatoria y todos los integrantes de la banda eran fanáticos de ese equipo deportivo.

Su incursión en el mundo de la música ocurrió cuando tenía tan sólo 16 años en el conjunto de ingeniería con el maestro Carlos Pinto, siguiendo los pasos de su padre quien era guitarrista del primer "Trío de Venezuela", poco a poco fue creciendo artística y profesionalmente llegando a ser uno de los mejores vocalistas valencianos.

En principio, Edgar Castro no entendía cómo un grupo de muchachos podían tocar instrumentos tan escandalosos y cantar a la vez. Creía que era prácticamente imposible; sin embargo, como venía de un grupo ya profesional, los hermanos Lagona lo invitaron a cantar. A su opinión, la imagen que proyectaban era de inexpertos que "sonaban con unos equipitos de ensayo". Pero la canción que interpretaban "Tu nombre es Amor", sedujo su alma en escenarios de romance y melancolía y, confiando en las habilidades de un conjunto de músicos con alma de poetas y un toque de modernidad, apostó a ganador y se unió al grupo al tiempo que en la televisión estaban haciendo una convocatoria a las nuevas bandas. "Yo sentí que aquello era lo que andábamos buscando; y así fue. Nos presentamos y ganamos el concurso".

Con la voz entrecortada e invadido de recuerdos, comentó que desde niño tuvo muchas influencias musicales que contribuyeron al resultado final del éxito en su carrera "yo quería escuchar al Carrao de Palmarito" pero Radio Carora fue siempre una de esas emisoras eclécticas que le zumban a uno esas mezclas raras donde conviven el rock, la ranchera, la cumbia y la salsa", por lo que asimiló un poco de todos los géneros.

En 1971 Castro se retiró del grupo y debutó como solista con el tema "Nuestro ayer volverá"; sin embargo, más tarde regresó formando parte de giras que incluyeron decenas de presentaciones que agotaban los boletos y provocaban la euforia de miles de fans que anhelaban conocer en persona a los talentos que repetidas veces escuchaban por la radio y que, a través de sus voces, eran cómplices y mudos espectadores presentes en los momentos más cumbres de sus vidas.
En este sentido, agregó el cantante que no se había dado cuenta del "boom" que causaron en Venezuela hasta el día que llegaron a "El Show de Renny", un programa que sólo involucraba a personalidades exclusivas y famosas. "Estaba oscuro y en la penumbra sólo escuchábamos la voz de Renny Ottolina diciéndonos que cambiáramos de ropas y utilizáramos un vestuario que ya tenía preparado para nosotros- y que, curiosamente, nos quedó perfecto. Mientras tanto, yo me pellizcaba y repetidas veces me decía que no lo podía creer, que estaba formando parte de una historia de la cual yo era protagonista".

Los televidentes venezolanos sintonizaban a Renny Ottolina para aprender, entretenerse y divertirse; el solo hecho de estar allí era una gran responsabilidad y un honor que no muchos disfrutaron, agregó.

El vocalista del "Grupo C" comentó que la fama se debió a que, desde el punto de vista de producción, en Venezuela sólo se versionaban temas que ya estaban comprobados como éxitos mundiales, como canciones de los "Beatles" o "Los Supersónicos", mientras que ellos se atrevieron a explotar la creatividad nacional, con canciones de autoría propia.
El grupo se disolvió. Y en 1976, ya en su etapa de solista, formó dúo con la cantante Delia, con quien impuso "Arena Blanca" de Romina Power y Al Bano. Fue en un asueto de Semana Santa cuando, transmitida en una radio que tenía cobertura en las costas de La Guaira, se posicionaron de inmediato en los primeros lugares de preferencia, "el público pedía un disco que ni siquiera estaba grabado. Mi representante me puso a grabar rápidamente para poder cumplir con una gran demanda de copias que fueron distribuidas en todos los rincones de la nación".
Lo que no se esperaba Castro era que traspasaría las fronteras de la tierra que lo vio nacer, inmortalizando su voz con tres "discos y varios sencillos que recorrieron el mundo con recordados temas como: "Tu nombre es Amor", "Busco mi destino", "Quiero escribir tu nombre" y "El sol no brillará nunca más".

En 1990, en Valencia, reunió a una generación para celebrar veinte años de vida musical. Su talento vocal unido al "Grupo C" ofreció un concierto que impuso una nota nostálgica en la memoria de los presentes al escuchar muchas de las melodías que formaban parte de la colección de recuerdos. En principios del año pasado participó en una producción de Vicente Gramcko que lleva por nombre "Techos de Estrellas", donde se recopila un resumen de épocas y cantantes valencianos.

Actualmente, este artista nacional con sello carabobeño pasa sus días sumergido en el despertar de los sentidos en su casa y en las presentaciones que con cierta frecuencia hace en el interior del país, llevando como equipaje su arte y humor característico, los cuales le permiten viajar y situarse en las épocas de viejas escenas de sonrisas plasmadas en su memoria.

Fuente: Notitarde

martes, enero 09, 2007

Porfi Jiménez será homenajeado por las Naciones Unidas en Nueva York

El maestro Porfi Jiménez, cuya orquesta cumplió 43 años el pasado 31 de diciembre, recibirá un tributo de la Organización de las Naciones Unidas, en su sede neoyorkina, el próximo viernes 19 de enero.

Ha sido invitado por el Departamento de Cultura de la ONU y la Latin World Shop Society para ofrecer un concierto de su repertorio de jazz y música latina. La misma noche también será homenajeado Ray Santos, el veterano arreglista de la orquesta de Tito Rodríguez. Tanto Porfi como Ray fueron seleccionados por sus trayectorias. La invitación al tributo está firmada por Tomás Cortijo, director de Relaciones Públicas de la ONU.

El director de la orquesta de Naciones Unidas es el venezolano Rolando Briceño, que en sus comienzos tocó con Jiménez en Caracas. Luego obtuvo una beca para estudiar música en Estados Unidos, donde se graduó con honores.

El repertorio que tocará el maestro Porfi en Nueva York incluye sus composiciones en jazz "Sara", "Samy and Ethan" y "Jealou", dedicados a sus hijos y nietos. Y también los temas latinos "Lamento" de Chico O'Farrill, "Serenata a la luz de la luna" en bossa nova, el bolero "Cómo fue" y su producción "Sammy Sosa", todos con arreglos especiales de Jiménez.

Al respecto dijo Porfi: "Esta es la culminación de mi carrera, siento que he llegado a la cúspide. Siempre soñé con hacer trabajos que en aquel medio fuesen tomados en cuenta. Es demasiado orgullo lo que me produce esto. Estoy henchido de felicidad". Refiere que la música que más le gusta es el jazz y la clásica, especialmente Mahler, Bartok y Ravell.

Porfi es ampliamente conocido como trompetista y director de temas bailables, muy exitosos, como Culucucú, Merequetengue pa'ti, La hierva se movía, Se hunde el barco, Las negra Celina, Ella me vacila, Dolores, Llévame contigo y otros. Le preguntamos qué música popular prefiere, y responde que la buena. "Toda música bien hecha me gusta. La mala... para nada. Si no hay nivel en los músicos, lo que sale es mediocre".

sábado, enero 06, 2007

'La pasión según San Marcos' a ritmo de samba, salsa y tango

“La obra es una pieza de teatro de calle suramericano, donde el coro, cantantes, bailarines orquesta de metales y grupo de percusión logran un ritmo vibrante a lo largo de los 90 minutos de música”
El sábado 06 de enero de 2007 se presentó por primera vez en Miami La pasión según San Marcos, un concierto para coro y orquesta escrito por el afamado compositor Osvaldo Golijov, y conducido por la directora venezolana María Guinand de Grau, que lo estrenó en el Festival de Internacional de Stuttgart en el año 2000, durante las actividades organizadas por el aniversario 250 del fallecimiento de Juan Sebastián Bach.

La Schola Cantorum de Caracas, las cantantes Biella Da Costa y Jessica Rivera, la orquesta La pasión de Boston y los bailarines Reynaldo González y Deraldo Ferreira, junto a la Orquesta de Cámara de South Beach, serán los protagonistas de esta fiesta musical de 87 minutos que subirá al escenario del Knight Concert Hall, en el Carnival Center for the Performing Arts. Un oratorio centralizado en cuatro personajes extraídos del texto sagrado --Jesús, Marcos, Judas y Pedro-- donde se funden la samba, la salsa y el tango con los cantos indígenas y judíos para transmitir el mensaje plasmado en el Evangelio más antiguo de la Biblia.

Golijov inició su colaboración con la Schola de Caracas en el año 1996 cuando le confió la cantata Oceana, un éxito que fue superado por el estreno de La pasión según San Marcos en el renombrado evento de Stuttgart. A partir de entonces, la legendaria agrupación venezolana, que en este año está cumpliendo cuatro décadas, la ha presentado en Inglaterra, Portugal, Australia y en varias ciudades de este país.
Leer mas: El Nuevo Herald

Carlos Villegas, Al borde de la línea

En su primer largometraje, este director venezolano prestado en estos días a la televisión mexicana, le presenta al espectador en tono tragicómico dos preguntas: ¿Será que nuestra vida está guiada por la suerte o por el destino? ¿O acaso por ambas cosas? Busque usted mismo la respuesta en las salas de cine a nivel nacional.
María Elisa Espinosa /Fotos: Cortesía Arcana Producciones

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Esta primera película de Carlos Villegas fue rodada hace cuatro años, aunque la idea nació hace seis: “Yo tenía en la cabeza una historia con una chica que trabajaba enun hotel, que está encerrada y tiene esta aspiración de salir del lugar para poderlograr sus sueños, siempre con la idea de que su destino, lo que ella tiene predeterminado en la vida, no podía ir más allá de lo que soñaba. Quería buscar un personaje que pensara que iba a lograr muchísimas cosas y la verdad es que la vida lo que le ofrece es poquito y con eso tiene que conformarse”, esboza el principal responsable de Al borde de la línea, cuyo guión obtuvo el primer premio en el III Concurso Nacional de Guiones de Largometrajes de Fundavisual Latina.
Carlos Villegas es comunicador social graduado en la Universidad Central de Venezuela con maestría en Escritura de Guiones Cinematográficos, obtenida en Madrid, España. A partir de 1986 comienza a trabajar como asistente de montaje en largometrajes como Señora Bolero de Marilda Vera, Disparen a matar de Carlos Azpúrua, Cuchillos de fuego y La oveja negra de Román Chalbaud y Con el corazón en la mano de Mauricio Wallerstein. También trabajó como asistente de dirección en A la media noche y media de Mariana Rondón y Marité Ugas, Salserín: la primera vez de Luis Alberto Lamata y en Caracas: amor a muerte de Gustavo Balza. Pero su currículum no queda allí. Como director de telenovelas ya lleva sus varios títulos. En Venezuela: Engañada, Guerra de mujeres, Amantes de luna llena y Calipso, entre otras. Mientras que en México, donde reside actualmente, también ha podido engrosar la lista con varias producciones de TV Azteca: Amores Cruzados, Los Sánchez, Dignidad y La heredera. Ha dirigido además tres cortometrajes en 35mm: Remoto, Entre Mentiras y Rosa, un delirio. Actualmente desarrolla el guión de su segundo largometraje llamado Equipajes, “en el cual abordo —junto a la argentina Leticia Castro—tres historias que se entrelazan y tienen que ver un poco con el equipaje que cada uno lleva a cuestas”.

Espacial luminocromático con Juvenal Ravelo

El valle de Aragua se ha visto cubierto por las creaciones plásticas del artista caripitiense y universal Juvenal Ravelo. Se multiplicaron los colores y el prisma se llenó de rojos, anaranjados, amarillos, verdes, azules y violetas permitiendo tramas ópticas luminocromáticas. Posted by Picasa
Juvenal Ravelo es un pintor que por años ha residenciado en Europa y en su ciudad natal de Caripito, estado Monagas. Su obra abstracta geométrica de hoy la hemos compartido a todo lo largo y ancho del país. Líneas y colores son elementos de la composición que nos hablan con vocablo fino del trabajo de este oriental. Las paredes de Maturín, Guanare, Caracas, Caigüire, Cumaná, Guasdualito, Maracay y pare de contar han sido soportes para la creación plástica de "... arte de participación en la calle" de Juvenal Ravelo.
Ravelo nació hace 73 años, en la ciudad de Caripito, en donde la Casa de la Cultura lleva su nombre. En su haber más de un centenar de exposiciones y premios regionales, nacionales e internacionales que lo cubren por todo lo largo y ancho de su corazón. Juvenal amigo de los amigos y trotador cultural como pocos, nos dejó su trabajo en el "Viñedo La Vaquera" de nuestra entidad federal. Se hace historia universal del arte y para muestra nos quedó ese botón, lleno de líneas y colores venidos del este nacional.

El libro de Douglas Monroy, “Alejandro Otero ante la crítica. Voces en el sendero plástico"

La edición especial publicada en diciembre de 2006 y producto del trabajo del investigador venezolano Douglas Monroy, muestra la vida y obra de este artista guayanés, referencia obligada del arte venezolano


Ternium Sidor, la principal siderúrgica de Venezuela, editó el libro “Alejandro Otero ante la crítica. Voces en el sendero plástico”, con el objetivo de promover las manifestaciones plásticas y enaltecer el desarrollo cultural del país. Esta completa e interesante publicación ilustra la vida y obra de quien fuera uno de los grandes maestros del arte contemporáneo nacional.

La propuesta editorial parte de una laboriosa compilación de textos, imágenes y documentos hemerográficos realizada por Douglas Monroy durante más de 10 años. El investigador venezolano reconoció la iniciativa de la productora de acero para incentivar la cultura nacional y destaca que este artista es “una referencia fundamental del arte venezolano y continental”.

“Alejandro Otero ante la crítica. Voces en el sendero plástico” es la continuación del exhaustivo trabajo al que Monroy se ha abocado durante los últimos años y que se vio reflejado en la compilación “Memoria Crítica de Alejandro Otero”. En esta oportunidad, Monroy reúne la visión de aquellos autores venezolanos y extranjeros -pensadores, críticos, cronistas e investigadores del arte local del siglo XX- quienes conocieron la obra de Alejandro Otero.

Alejandro Otero fue pintor, dibujante, escultor y escritor. Traspasó y renovó las vanguardias del arte contemporáneo dejando una huella indeleble que estará siempre en la cotidianidad del venezolano a través de sus obras. El estado Bolívar, territorio que vio nacer a Otero, tiene el privilegio de contar con una de sus piezas artísticas: El Integral Vibrante, que da la bienvenida a quienes acceden por la puerta principal de la siderúrgica Ternium Sidor. La escultura es, además, la inspiración para ilustrar la portada del mencionado libro.
Fuente: Nueva Prensa

jueves, enero 04, 2007

Alfredo Naranjo puso el sabor de Cacao Música en el Bimhuis de Amsterdam

El artista, quien acaba de regresar de Holanda, donde participó en la grabación de un DVD junto a Horacio “el Negro” Hernández, dirigido por el famoso realizador español Fernando Trueba, hizo delirar al público presente en el concierto. Próximamente estará en el mercado el nuevo trabajo discográfico de este destacado vibrafonista y su orquesta, que cuenta con la participación de artistas nacionales e internacionales entre quienes destacan Jimmy Bosch, Luis Julio Toro, David Peña, Pablo Gil, Alí Bello y Luz Mabel Medina


Alfredo Naranjo y El Guajeo es el título del trabajo más reciente del vibrafonista caraqueño que es presentado y producido por Cacao Música, naciente editora discográfica venezolana liderada por el grandeliga Bob Abreu que busca proyectar nacional e internacionalmente el talento de sus artistas exclusivos.
En el marco del lanzamiento de este disco, la disquera llevó al artista a Holanda, donde participó en la grabación un DVD con el baterista Horacio “el Negro” Hernández y su grupo Italuba, bajo la dirección de Fernando Trueba. El público presente en el Bimhuis de Amsterdam, impresionante teatro donde se filmó el video, de Amsterdam deliró con la versatilidad y talento del venezolano. En esta producción, que estará en el mercado a comienzos del 2007, también participó otro grande de la música latina: el percusionista Richie Flores.
Guajeando…
Alfredo Naranjo es un destacado músico, compositor y arreglista venezolano, que desde hace rato ofrece a los amantes del latin jazz y la salsa las mejores notas y composiciones que le extrae a ese complejo instrumento llamado vibráfono, pero que en sus manos resulta un juego de niños. este percusionisra ha descubierto las maneras de sacarle sabor y sonoridad a su instrumento y hoy lo ofrece en el nuevo repertorio que recoge su más reciente trabajo discográfico que muestra una vez más la calidad musical c que derrocha Alfredo.
De acuerdo con el artista, “en este disco participan músicos maduros y de gran nivel, que contribuyen de forma determinante con su conocimiento y su talento a la calidad de éste trabajo, y es un privilegio para mí, contar con el fantástico apoyo y respaldo de ellos”.
Así, además de los integrantes de la orquesta, esta grabación cuenta con la participación del trombonista neoyorquino Jimmy Bosch, la pianista Luz Mabel Medina, el violinista venezolano radicado en Nueva York, Alí Bello, el saxofonista Pablo Gil y de dos de los integrantes de Ensamble Gurrufío: el contrabajista David Peña y el flautista Luis Julio Toro.
Para el vibrafonista, este trabajo destaca también por la mezcla magistral de armonías, melodías, letras y ritmos que ponen a gozar a bailadores y amantes de la música. “Nuestra música vacila con la buena gente, y lidia con equivocados; éste sonido invita al rumbero y trata con altura al intelectual”, dice.
Según los expertos, aquí no se puede decir mezcla ni fusión. En la elaboración de este CD hubo explosión de latin jazz, mambo, montuno, salsa, chachachá, entre otros géneros. Tal vez, las acertadas palabras de César Miguel Rondón, quien prologa este trabajo, sean más explícitas: “… Simplemente distintas formas de expresar la energía y el entusiasmo de Alfredo y El Guajeo, animadores por excelencia de la rumba caraqueña y cómplices de muchos bailadores”.
Notas de vida
Alfredo Naranjo, oriundo de Caracas, inició su formación musical a temprana edad en el Conservatorio de Música de la Orquesta Nacional Juvenil y luego en la Orquesta Gran Mariscal de Ayacucho.
En la década de los noventa viaja a Nueva York becado para estudiar en la Universidad de Long Island. Allí comenzó a tocar junto a músicos de la escena neoyorquina de la talla de Pete Yellin, Daniel Ponce y del venezolano radicado en Estados Unidos, Rolando Briceño.
En sus andanzas por el mundo de la música ha tenido la oportunidad de presentarse en festivales, giras y como invitado de grupos y de otros maestros de la música, entre ellos: Dave Samuels, Guaco, Orlando Poleo, Tito Puente, Ray Charles, Ensamble Gurrufío, la Orquesta Aragón, Alex Acuña y Don Grusin. Con su disco “A través del tiempo”, alcanzó un puesto en el Hit Parade Internacional de la revista Latin Beat.
Con “Vibraciones de mi tierra”, figuró en el Hit Parade de Puerto Rico y merecido positivas críticas de revistas internacionales. Su primer disco con el Guajeo, titulado Tributo a Joe Cuba fue un éxito resonante.En mayo de 2004 presente, junto al legendario pianista neoyorquino, un concierto antológico: “Dos grandes de la salsa y el jazz latino” considerado por la crítica entre los mejores eventos del año. Esta presentación colmó la Concha Acústica de Bello Monte.
En diciembre de ese mismo año, junto a otros cuatro destacados músicos: Luz Mabel Medina, David Peña, Luis Julio Toro y Carlos “Nené” Quintero: presenta el proyecto “Solos y ensamblados”.
Luego de una temporada sometiendo al vibráfono a su antojo, recopiló algunas piezas musicales para presentar su nuevo trabajo que es otro producto con el sello de calidad de Cacao Música.En cuanto a su banda, el Guajeo, está conformada por un grupo de excelentes músicos venezolanos como Miguel Urbina (tumbadora, coros); Frank Márquez (timbal); Nelson Melo (bongó); Luis Pacheco (piano, coros); Gerardo Chacón (bajo, coros); Javier Vivas (trompeta, coros); Domingo Hernández (flauta), y Edgar Quijada (cantante).
Juntos, sus integrantes han alcanzado un impresionante nivel musical impulsado por una dilatada trayectoria nacional e internacional. Alfredo Naranjo y el Guajeo estará a la venta en las principales discotiendas del país desde el 28 de noviembre de 2006.

Contacto: cacaoedit@gmail.com

Medios:
Angel Arráez 0414 3389017
angel_arraez@yahoo.esOmaira
Botello 0414 2491886
omairabotello@gmail.com
Eduardo Chapellín 0416 4289851
eduardochapellin@yahoo.es

Edgar Ramirez es el nuevo villano en The Bourne Ultimatum

El actor venezolano Edgar Ramirez, a quien pudimos ver en 'Domino', junto a Keira Knghtley y Mickey Rourke, será el próximo villano en la película 'The Bourne Ultimatum', protagonizada nuevamente por Matt Damon.

Tras varios candidatos para el papel de villano en 'The Bourne Ultimatum', y no menos rumores que circularon por diversos medios, finalmente parece que el venezolano Edgar Ramirez fue el elegido para el papel. El mejicano Gael García Bernal declinó el ofrecimiento por encontrarse completamente metido en el montaje y últimos detalles de su primer proyecto como realizador.

'The Bourne Ultimatum' es la tercera entrega de la saga del intrépido agente secreto Jason Bourne, al que da vida Matt Damon. Como en la anterior entrega, continuará con la búsqueda de su pasado, escapando siempre de numerosas persecuciones que le llevarán por diversas ciudades de todo el mundo, como Moscú, Roma, París, Londres o Nueva York.El director del filme, al igual que en la anterior entrega titulada 'The Bourne Supremacy' será el inglés Paul Greengrass, de quien pudimos ver recientemente el drama 'United 93'. Las primeras fases del rodaje empezaron hace unos días. El estreno de 'The Bourne Ultimatum' está previsto para mediados de 2007.

Fuente: Multicine

Franco Peña un venezolano haciendo cine en Europa

'Your name is Justine' (Luxemburgo-Polonia), del venezolano afincado en Berlín Franco de Peña gana premio en Sevilla España

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Franco Peña el cineasta venezolano presentó su película en la tercera edición del Sevilla Festival de Cine 100% Europeo.
El premio de la sección Eurimages, otorgado por estudiantes de la Universidad de Sevilla y al que han optado 10 películas cofinanciadas por ese programa de la UE, fue para 'Your name is Justine' (Luxemburgo-Polonia), del venezolano afincado en Berlín Franco de Peña.

Nota de Prensa

"Venezuela Viva" triunfó en los Países Bajos

VENEZUELA VIVA, fastuosa producción que conjuga música, danza, poesía y video en una explosiva muestra de ritmos y bailes venezolanos, realizó un intensa gira por 35 ciudades de Holanda, contratada por Ruud de Graaf Impresariaat, importante productora de los Países Bajos que conoció su trabajo durante sus presentaciones en el Fringe de Edimburgo, Escocia.


Bajo la dirección artística de Carolina Lizarraga y la dirección musical del tecladista de origen cuibano César Orozco; este espectáculo reúne en escena a la Compañía de Baile Flamenco Las Lizarraga, encabezada por la reconocida bailaora y coreógrafa Daniela Tugues y la primera bailarina Carla Urquiola; y a los nueve talentosos músicos que integran la banda Venezuela Viva, de la que surgió, como solista, el destacado cuatrista y cantante Rafael “el Pollo” Brito.
Según Roque García, Director Ejecutivo de esta agrupación venezolana, las presentaciones en salas de Ámsterdam, Etten-Leur, Leiden, Eindhoven, Breda, Goes, Helmond, Ijmuiden y Beverwijk, fueron las más exitosas. “A petición del público tuvimos que hacer funciones adicionales. También se dio el fenómeno de que gracias al boca a boca, gente que no pudo vernos en una ciudad viajó a otra cercana para disfrutar el espectáculo”.
Es de resaltar que VENEZUELA VIVA ha sido el primer espectáculo venezolano en participar en el Fringe de Edimburgo, el encuentro artístico más grande del planeta, según el libro Guinness de Récords, donde en agosto de 2005 ofreció 23 funciones y 15 conciertos a sala llena, en el teatro Grand Pleasance, una de las salas más grandes y cotizadas de esa ciudad.
Al referirse al éxito obtenido fuera del país, Carolina Lizarraga resalta, entre otros aspectos, el gran sentido de promoción turística que transmite, al crear una magnífica combinación entre impactantes videos que muestran la geografía venezolana y su sincronización con la música y el baile. “Este es un montaje que está en constante evolución, fortaleciéndose cada vez más en su propuesta técnica y artística”, afirman.
En esta gira, que se inició el 28 de octubre y culminó el 12 de diciembre en el Schouwburg Het Park de la ciudad de Hoorn, VENEZUELA VIVA contó con el patrocinio de Inatur y la asesoría general de Universal Arts, reconocida agencia británica radicada en Escocia que los representa desde hace tres años. Para finales del primer semestre del 2007 está pautada su presentación en la Sala Ríos Reyna del Teresa Carreño.

Fuente: Analítica