Talento Venezolano

Venezuela Viva, estrena Doña Bárbara

2012-01-19T14:29:00.000+01:00

Como a muchos otros venezolanos, a Carolina Lizarraga le tocó el clásico paseo obligado por la obra de Rómulo Gallegos. Cosas del sistema educativo que transforma en tediosa tarea lo que debería ser un disfrute. Así anduvo por las páginas de Doña Bárbara, la emblemática novela del escritor venezolano en la que habita ese personaje femenino devenido en ícono universal.

Por Oscar Medina
Revista Sala de Espera

Ya en la edad adulta experimentó su reencuentro con ese texto: “Siempre tuve la sensación de que Doña Bárbara es una novela que te obligan a leer pero no te enseñan a amarla”. Lizarraga, coreógrafa, bailaora y creadora del musical Venezuela Viva, recuerda claramente el momento en el que decidió explorarla con otra mirada: “Mi tía Marisabel nos mostró la película mexicana y me impactó la actuación de María Félix. Y el poder de la historia. También el hecho de que hay momentos de la película que no están relacionados con la cultura venezolana. Así que me planteé buscarla y leerla otra vez, pero pensando en un proyecto futuro”.

Impulsada entonces por el gran éxito de su primer gran montaje, Venezuela Viva (con más de 120 funciones en escenarios internacionales), Lizarraga abordó la narración de Gallegos con la idea puesta en el show. “Esa es una historia que dice mucho y sentía que faltaba un gran homenaje a esa obra, a Gallegos. Faltaba algo que plasmara la conexión con la tierra, que reflejara la fuerza del joropo llanero. Tenía que haber una creación hecha por venezolanos a partir de Doña Bárbara. Así que la redescubrimos —creo que eso nos pasó a todos- y nos estamos sacando una espinita”.

Esa “espinita” se la sacan ahora, luego de tres años de trabajo, a través de un ambicioso musical que involucra a 40 artistas y que es —valga la aclaratoria- una versión libre de Doña Bárbara, que tiene como eje simbólico al Orinoco —“es la vida, donde todo nace y renace”- y como personajes centrales a Santos Luzardo (Alejandro Zabala); a Marisela (Carla Urquiola); a Pajarote (Juan Carlos Páez) y, por supuesto, a la doña, encarnada por la reconocida bailarina Daniela Tugues.

Vicente Albarracín tiene a su cargo la dirección de los actores. Conocido por su trabajo en televisión y teatro, Orinoco supone para él la experiencia de lo novedoso: “Hay una gran mezcla de talentos en diferentes planteamientos escénicos. Tenemos bailadores de flamenco, joroperos de Barinas, hay actuación, canto y la música es en vivo, algo que es valioso, arriesgado y difícil. Lo grandioso no sólo es el súper esfuerzo que implica el montaje, sino la naturalidad con la que se ha hecho toda esa mezcla de elementos tan disímiles”.

Y más allá de lo técnico, destaca un elemento emotivo: “Una de las cosas más bellas de Orinoco es que te recuerda la maravilla de país que tenemos, lo que somos. Hay una poética especial en la manera de contar la historia que yo no había visto nunca. Ojalá todas las lecturas de Doña Bárbara, y de Gallegos en general, fueran así. Aquí se logra un tipo de lenguaje totalmente diferente. Y si la gente va a verla desprejuiciada, a disfrutarla, van a pasar la mejor noche de sus vidas”.

Orinoco se divide en dos actos, con una veintena de escenas. La primera parte, en esencia, narra la decisión de Santos Luzardo de regresar al llano a recuperar sus tierras, su encuentro con el llano después de tantos años y su choque con la influencia y el poder de esa mujer que se enseñorea en esos parajes. El segundo bloque, es el enfrentamiento, el arquetípico momento en el que se contraponen la civilización y la barbarie, el intento de domar y someter al otro, el desarrollo de las pasiones.

Y es una historia que se cuenta con los cuerpos. Daniela Tugues no sólo presta el suyo -forjado en el flamenco y la danza- al personaje de Doña Bárbara, sino que es además la directora de baile. “Se da una fusión completa”, señala al explicar la madeja que une al flamenco con la música tradicional venezolana. “Aquí van a encontrar a Venezuela, verán por primera vez bailes de joropo al compás del flamenco. Van a encontrar joropo de verdad y también la expresión del flamenco con la danza. Orinoco viene a decir que todos los sueños pueden hacerse realidad si tenemos el valor de ir tras ellos. Todas las personas que estamos en Orinoco vinimos a realizar sueños. No estamos copiando nada, estamos formulando un lenguaje, estamos creyendo en nuestros valores, en nuestra raza”, cuenta.

Tugues promete una suerte de experiencia total: “La gran emoción cuando vean a esos 40 jóvenes —porque yo también me siento muy joven- diciéndole al mundo que sí podemos, con alegría, con disciplina, con trabajo. Diciendo que es el momento de tomar lo que es nuestro y de tomarlo con amor”.

Abordar un personaje tan poderoso como Doña Bárbara fue algo que la bailarina asumió como algo muy personal: “Mi vida ha sido muy intensa, muy dura desde el punto de vista emocional. No me ha sido difícil interpretar a esa mujer dolida e iracunda contra el mundo, porque eso ha sido parte de mi historia. Y utilizo mis vivencias para hacerlo. Este personaje es casi una terapia”.

Lizarraga aporta una visión desde afuera: “Daniela es una artista muy arriesgada, muy auténtica. No sé cómo puede pararse y caminar después de hacer el show. Tiene una energía, una cosa como salvaje que da miedo muchas veces y que, sobre todo, impone respeto”.

En la conversación con Lizarraga, Tugues y Albarracín, surge una y otra vez el orgullo y la admiración que profesan al elenco. “Todos hemos ido a espacios que no son nuestros lugares habituales” dice Albarracín: “Por ejemplo, Carla Urquiola (quien encarna a Marisela) baila joropo, baila flamenco, actúa y aquí está cantando por primera vez. Y todo lo hace maravillosamente bien. Y además es hermosa. Es una actriz que, como director, te genera el atractivo de querer seguir explorando con ella”.

Destacan igualmente la importante participación del grupo de bailarines de joropo formados en la Fundación Daniel Cabrera, de Barinas: “Tienen un enorme poder, son todos bailadores natos”, celebra Lizarraga: “El joropo, en parte, nació del flamenco, pero ambos evolucionaron por caminos distintos. Y es un gusto encontrar que ellos sienten esa conexión con el flamenco que a su vez se conecta con la fuerza que tienen. El poder de los dos juntos genera un lenguaje nuevo”.

Si los aspectos coreográficos y visuales —aseguran- están planteados a tan exigente nivel, la música —que es el otro gran soporte del espectáculo- augura momentos de sublime maestría. Se escucharán al menos 15 golpes de joropo en los que la tradición se explora hasta sus raíces primigenias, pero también se encuentra con géneros universales como el jazz.

La banda que forma parte del show incluye arpa, cuatro, maracas y bandolina. Pero también batería, flautas, teclados y violín. La composición de las piezas —aunque se incluyen temas tradicionales- estuvo a cargo de César Orozco, con la participación de ese maestro del arpa que es Carlos “metralleta” Orozco.

Pero, ¿entre tantos elementos no existe la posibilidad de la dispersión, del extravío? “Nos metimos en un enorme riesgo artístico y profesional”, apunta Lizarraga: “Pero lo hicimos con mucho respeto y siempre con la base de la novela y con el cuidado de no perder la esencia de los artistas para que cada uno trabaje en función de contar la historia. Cada vez que nos topamos con algún problema, simplemente acudimos a la novela y a nuestros corazones”.

El resultado de este experimento se verá los días 17, 18 y 19 de junio en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, con cuya Dirección de Cultura hicieron alianza para sacar adelante esta empresa cobijada por la Fundación Venezuela Viva. A partir de ahí, esperan que, como toda criatura, se desarrolle y alce vuelo a otros escenarios nacionales y foráneos.

De momento, el proyecto parte con una bendición muy especial: la de Sonia Gallegos, hija del novelista. “Estuvo en uno de los ensayos generales”, cuenta Lizarraga: “Se le veía muy seria, pero nos dimos cuenta de que estaba conteniendo el llanto. Al final, llorando emocionada nos dijo que sentía que el espíritu de la novela de su padre estaba allí presente en todo momento. Eso era algo que todos necesitábamos saber”.

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Petra Machado, la centenaria del Titanic

2012-01-05T13:31:00.000+01:00

Un vecino de Petra Machado escuchó en la radio que una fundación en Barcelona, España, estaba buscando personas nacidas el 15 de abril de 1912, el mismo día en que se hundió el Titanic. ¿El motivo? Llevar a la mayor cantidad de personas nacidas aquel día trágico a la capital de Cataluña, para que celebren su centenario en una cena con la misma vajilla, el mismo menú y la misma música que sonaba en el Titanic el día que se hundió en el océano Atlántico.

Por Georgely Morín
Sala de Espera

El vecino de Petra fue rápidamente a contárselo a ella y a su familia, a su casa en Carrizal, en Los Altos Mirandinos. Después de varios correos electrónicos con propuestas y copias de la partida de nacimiento de Petra, la Fundación y la familia Machado están ajustando los detalles para que esta venezolana nacida en Guatire vaya a Europa por primera vez en su vida. “Si Dios me lo permite, iré”, dice Petra, que celebrará su propio centenario de una manera única por el azar de haber nacido en una fecha mundialmente famosa.

“Estoy contenta desde el primer día que lo supe”, cuenta Petra mientras habla de su próxima aventura, acompañada por la hija y la nieta con la que vive junto con otros familiares. En total, Petra tiene cinco hijos, 14 nietos, 11 bisnietos y 2 tataranietos. En la familia todos están contentos con los planes de celebración de la integrante más longeva de la familia.

Será un evento “muy entrañable”, según las aspiraciones de Jesús Ferreiro, presidente de la Fundación Titanic. El plan es que el 12 de abril de 2012 zarpe un barco desde el puerto de Barcelona a las ocho de la noche con, al menos, mil invitados entre los que estarán incluidos todos aquellos que, como Petra, cumplan cien años ese día y se hayan puesto en contacto con la Fundación. También participarán en la cena las personas que quieran acudir y que compren una entrada para hacerlo. Además, los organizadores invitarán a los embajadores de Estados Unidos (el país a donde se dirigía el Titanic), de Inglaterra (el país de donde zarpó) y de los países de donde provengan los centenarios invitados.

Ya en el mar, está previsto que a las 11.40 pm se lancen unas bengalas de socorro a doce millas de la costa, como sucedió el día del hundimiento. Después se continuará la cena hasta las 2.20 de la madrugada, cuando se lanzarán 1.503 rosas al mar por cada uno de los fallecidos y se soltarán al aire 705 globos blancos, para recordar a los que se salvaron.

El problema es que aún no han conseguido un barco suficientemente grande dispuesto a albergar este evento, porque para algunos marineros recrear el escenario donde ocurrió una tragedia es de mal agüero. “Yo no diría que trae mala suerte, mira a Leonardo Di Caprio y a James Cameron, hicieron una película sobre el hundimiento y eso les ha traído cosas buenas”, opina Ferreiro.

Buena salud para muchos eventos

Petra Machado aterrizará en Barcelona con su hija el 12 de abril y estarán hasta el 15 de ese mes, con todos los gastos pagos. No sólo asistirán a la cena formal, sino también a otros eventos que la Fundación ha programado para conmemorar el centenario del hundimiento. Uno de los más importantes es Titanic, The Exhibition, una exposición en el Museo Marítimo de Barcelona donde se podrán encontrar objetos originales del Titanic, imágenes y recreaciones de estancias interiores y una recopilación de la historia del buque.

Se trata de información nueva para Petra, porque ella sólo sabe que el barco se hundió el día de su nacimiento y nada más. “Siempre bromeamos y decimos que ella tiene una personalidad tan activa, tan participativa, porque el día que ella vino al mundo estaba ocurriendo algo grande”, cuenta su hija Mercedes, de 72 años, al hablar de su madre y de lo mucho que ha trabajado en su vida. Por muchos años Petra fue obrera en varios centros de salud de Caracas y en su tiempo libre planchaba ropa y hacía dulces criollos y hallacas.

La única vez que salió de Venezuela fue hace diez años, cuando estuvo en un crucero en el Caribe, en Navidad. Esta vez, el viaje a Europa será posible por la Fundación y por sus buenas condiciones de salud en general. “Para estar tan bien a mi edad hay que tener una buena vida, irse para los “bonches” que salgan a cada momento” dice Petra, en medio de las risas de sus familiares, quienes aclaran que la abuela de la casa come poca carne y muchos vegetales y se chequea regularmente con su cardiólogo.

Petra también podrá ver otras actividades preparadas en el marco del centenario, como una concentración de coches antiguos construídos alrededor de 1912 y un desfile a la moda de aquellos años. Ferreiro anunció que se construirá una maqueta de 12 metros de largo, que según la Fundación será “la más grande del mundo” que haya recreado al famoso buque. Además realizarán un concurso de escaparatismo en toda Cataluña con motivos relacionados al Titanic y otro de dibujo infantil en Europa y expondrán el cuadro “El sueño del Titanic”, del pintor Enrique Gran.

Petra, en la medida de sus posibilidades, podrá formar parte de todo este movimiento que ocurrirá en abril de 2012 en Barcelona. Mónica, una de sus nietas, resume la emoción que siente la familia Machado: “Estamos muy contentos, la familia, los vecinos, los amigos. Le pedimos a Dios que le dé muchos años de vida y que siga disfrutando como lo está haciendo ahora, como lo hará en su centenario”.

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La exitosa precocidad de Daniel Durán

2011-10-09T15:16:00.000+02:00

A los 17 años, siendo todavía un estudiante de bachillerato, comenzó a trabajar como operador master en el extinto canal Puma TV y al poco tiempo ya dirigía y producía su propio programa. Su experiencia en el mundo audiovisual, combinada con su pasión por la música, lo ayudaron a descubrir tempranamente que su destino profesional estaba en la dirección de videos musicales.

Ricky Martin, Chino y Nacho, Gilberto Santa Rosa, Oscar D’León y Franco y Oscarcito son sólo algunos de los artistas para los que ha trabajado

Isbel Delgado idelgado@el-nacional.com
Fotografías Julio Lozano comounelefante@gmail.com

Mil dólares y la orden de una madre que se convirtió en sentencia: "Haz rendir ese dinero y cómete el mundo".

En enero de 2003 en pleno paro petrolero, Daniel Durán decidió irse a Miami en busca de un nuevo destino profesional. Pero no era ningún novato. No había alcanzado la mayoría de edad cuando una amiga le propuso trabajar en el entonces naciente Puma TV. Y allí, viendo videos musicales durante toda su jornada laboral, supo lo que quería hacer. Fue editor, productor y director de programas en lo que prometía ser el canal musical de Venezuela. Se graduó como técnico de cine, estudió Comunicación Social en la Universidad Santa María y trabajó como asistente de dirección de comerciales. Había llegado a un buen punto.

La necesidad de buscar nuevos horizontes y un panorama laboral no muy claro lo llevaron a tomar una decisión que estuvo impulsada, fundamentalmente, por su madre, Hercilia Lloreda: "Ese proceso fue decisión mía. Yo había trabajado en una empresa privada y estaba parada. Y él ya había salido de Puma TV. A él le costó mucho, fue algo que decidimos de un mes para otro. Se fue sin contactos y dispuesto a hacer cualquier cosa. Cuando venía para acá le volvía la alegría, hasta que llegó un momento en el que me di cuenta de que mi hijo no era de aquí, era del mundo".

Si eso significa hacer videos musicales para grandes estrellas de la música y grabar en locaciones tan disímiles como Canaima, Miami, Madrid o Shanghai, entonces sí, el hijo hizo caso y se comió el mundo.
Nunca mil dólares habían rendido tanto.

De Choroní pa’ Shanghai. En sus tiempos de estudiante en el Colegio Francia, Daniel Durán imaginaba qué quería ser: jugador de básquet profesional. Era el capitán del equipo y además sentía inclinación por los idiomas y la literatura. Y aunque no llegó a cumplir su meta deportiva, había otra cosa que ejercía una atracción tan poderosa como el básquet: la música. Durán pasó de tener una "bandita de rock" en el colegio a involucrarse en un género tan disímil como el hip-hop cuando se convirtió con apenas 18 años en el director y productor del espacio Rap & Jam, de Puma TV.

Su corta edad no le impidió aprovechar la oportunidad de aprender, aunque él mismo reconoce que no tenía idea de lo que implicaba su responsabilidad: "Cuando entré en Puma era como un juego, no estás muy consciente de lo que estás haciendo. Vi que en Venezuela había un movimiento muy fuerte de hip hop y sentía que hacía falta un espacio. Hice la propuesta para hacer un programa y me convertí en el productor de Rap & Jam. El programa tuvo mucha aceptación de las discográficas", cuenta Durán, como si se tratara de una anécdota de bachillerato.

Trabajar en un canal musical fue determinante para que el precoz productor, director y editor supiera a qué quería dedicarse por completo. Todavía estaba muy lejos la idea de trabajar con Ricky Martin o de hacer el videoclip de los ganadores del Grammy Latino, Chino y Nacho. Pero la dirección de videos musicales era ahora el nuevo reto de este caraqueño que también se ha dedicado a la dirección de comerciales.

Su precocidad también se puso de manifiesto en Miami. En 2004, un año después de su llegada y de trabajar como asistente de producción y dirección, asumiría su primer proyecto como director para un video musical del cantante puertorriqueño Big Boy.

Tres años después dirigiría un documental de la gira Black and White de Ricky Martin y, al mes siguiente, haría lo propio con Conteo regresivo, de Gilberto Santa Rosa, que fue número uno en varias carteleras de canales especializados.

Lo que vendría luego sería una seguidilla de proyectos exitosos con artistas como Oscar D’León, el desaparecido dueto de Franco y Oscarcito, Servando y Florentino, Chino y Nacho, Víctor Drija y Los Cadillac’s, entre otros artistas. Llama la atención la cantidad de proyectos realizados con talentos probados en el género de la música urbana, algo difícil de predecir en el niño que a los 11 años empezó a tocar la guitarra eléctrica mientras escuchaba Aerosmith y Guns and Roses. ¿Para hacer el video de un artista necesariamente tiene que gustarle la canción? Parece que no siempre es así, pero Durán reconoce el papel que este nuevo género tiene en su trayectoria profesional: "Para involucrarme en un proyecto me gusta que el artista quiera trabajar conmigo, eso para mí es vital. Ha habido temas que no van conmigo, pero que he aprendido a respetar. Respeto mucho la música urbana. Mis mejores videos han sido con ese género".

Su nombre ha sonado en los últimos meses debido a las producciones que ha realizado para artistas nacionales, que han tenido repercusión en canales especializados, como "Pa’ que lo tengas claro", del desparecido dueto Franco y Oscarcito, "1,2,3" de Víctor Drija, que llegó al top ten de HTV y se mantuvo durante 35 días consecutivos para ser desplazado por "To el mundo ta’ loco", de Los Cadillac’s, video que también realizó Durán.

Pero más allá de los números, el despliegue técnico y de recursos de los videos "Lo que no sabes tú", de Chino y Nacho, o "Bla, bla, bla", de El Potro Álvarez han dado de qué hablar en la escena local: se dice que este último es uno de los videos más costosos en la historia de la producción nacional. En ambos pueden verse imponentes paisajes venezolanos, como las playas de Choroní, el archipiélago de Los Roques o los médanos de Coro. "Con `Lo que no sabes tú’, el Chino puso sobre la mesa la idea de hacer algo que nos representara afuera. Al final hicimos viñetas de cómo somos los venezolanos: somos un raspadero, un peñero pescando, un juego de dominó en la calle, mujeres, béisbol. Eso somos y decidimos ponerlo en un video".

Aunque la pieza ya no puede verse en Youtube por cuestiones de derecho de autor, al momento de ser removido del popular portal ya contaba con 10 millones de visitas. Con la canción del Potro Álvarez la fórmula se maximiza, y es posible ver a una ex Miss Universo Dayana Mendoza recorriendo el país en una historia que incluye un helicóptero y carros deportivos.

"Si `Lo que no sabes tú’ fue una fiestecita, este video fue un rumbón", resume el director, quien luego viajó hasta Shanghai, en China, para hacer el video de Los Cadillac’s, llevando a cabo una idea que en principio parecía una locura: "Me mandaron la canción y la idea era que llegaran a un pueblo desconocido para ellos y que con su música invitaran a la gente a disfrutar. Uno de los chicos dijo en broma que nos fuéramos para China, y terminamos tomándolo en serio. Fue una gran experiencia. Cuando llegamos sólo una persona del equipo hablaba inglés. ¡Los demás sólo hablaban chino!", cuenta Durán divertido.

Vocación temprana. Su experiencia como editor y productor lo ha llevado a involucrarse en casi todas las etapas del proceso, aunque confiesa que el tiempo y la agenda le impiden dedicarse a la edición de sus proyectos como lo hacía en el pasado. Sin embargo, ve difícil alejarse de la producción, porque es su manera de garantizar un buen resultado. Casi todas sus piezas tienen que ver con una historia que va desarrollándose a lo largo de la canción, los videos conceptuales no son lo suyo. Pero, ¿qué pasa cuando la visión de los artistas no concuerda con la idea que tiene en mente? Al parecer, su trayectoria le ha evitado pasar por malos ratos: "He tenido suerte de que a todos les gusta lo que les propongo. Cuando tienen ideas hacemos un mix y sale algo genial, pero cuando les tengo que decir que no, me han escuchado. He logrado que los artistas crean en lo que hago".

Trabajar con famosos, vivir viajando de un lugar a otro y tener contacto con los medios de comunicación convierte a Daniel Durán en una celebridad. En Facebook existe un perfil con su nombre que fue creado por un admirador de su trabajo, tiene más de 22.000 seguidores en Twitter y hasta un modesto pero laborioso club de fans oficial. Es curioso que quien está detrás de la cámara tenga, al mismo tiempo, tanta exposición: "A veces no lo entiendo, pero por otro lado me divierte. Esas cosas se valoran y agradecen. Últimamente me he puesto a pensar en qué es lo que la gente quiere ver y esa transición es difícil porque uno como artista quiere plasmar su visión, pero mi labor es hacer cosas que la gente disfrute, que vean el video y se olviden de todo".

Con apenas 31 años y una carrera fructífera que apenas despunta, es fácil predecir lo que vendrá.

Su madre ve lo oportuno que fue para su hijo haber descubierto lo que quería hacer en la vida con la precocidad de los visionarios. Y hasta lo sitúa logrando méritos insospechados: "Siempre le digo que agradezca a Dios porque descubrió desde temprano lo que quería. Yo lo veo como director de cine, haciendo grandes películas y con un Óscar en la mano". ¿Y él le ha contado que quiere hacer eso? "No. Pero yo me he adelantado a cosas que le han sucedido". Si es así, quizá no habrá que esperar mucho.

Fuente:
Revista Todo en Domingo

Los artesanos de la música

2011-10-02T14:46:00.000+02:00

Son maestros en el delicado oficio de elaborar instrumentos. En un país pleno de orquestas, los luthiers veteranos y una amplia generación de relevo se encargan de suplir a la creciente avanzada de músicos locales.

En sus manos está el delicado oficio de elaborar y restaurar los instrumentos que luego mostrarán su sonoridad. El oficio que llegó de Cremona, Italia, tiene en el país varios maestros veteranos que lo representan y una amplia generación de relevo en formación. En el Sistema existe un semillero de luthiers que ya ha creado y reparado los instrumentos que luego están en manos de las orquestas. Su sede principal está en Caricuao y sus pupilos se reproducen en toda Venezuela .

Ellos son "Los Apóstoles de las Cuerdas"

Jonathan Reverón elreveron@gmail.com / @elreveron

Fotografías Marcel Cifuentes marcelcifuentes@gmail.com

A principios de los años 60, con la fundación Fe y Alegría, el padre José María Vélaz se impulso el sueño de construir una taller de lutería en el país.

El sacerdote mandó a sembrar árboles de fresno en Mérida, esperó con paciencia a que crecieran y con el hallazgo de artesanos de distintas partes del mundo, se comenzaron a construir los primeros violines. Al mismo tiempo, varios inmigrantes europeos, artesanos y músicos, se instalaron en sus nuevos talleres para servir a los entonces emergentes movimientos orquestales de Venezuela.

El maestro José Antonio Abreu se unió al esfuerzo y El Sistema abrió el primer taller de lutería, el Centro Académico de Lutería (CAL), hace casi 30 años. El semillero de artesanos tiene su sede principal en Caricuao y su director, Henry Parra, define brevemente la misión del proyecto encomendado. "Actualmente estamos en 15 estados a nivel nacional con luthiers que tienen como función restaurar los instrumentos de cada núcleo. La idea es cubrir la geografía nacional".

Hoy en día el centro de Caricuao sirve como piloto para el resto de las regiones. Allí se preparan jóvenes artesanos que regresan a sus ciudades de origen a satisfacer la demanda en la construcción y reparación de instrumentos.

Todavía vive acá parte de aquella misión de artesanos recomendados por la Unesco para formar a las nuevas generaciones de luthiers. En uno de los talleres, lijando un cuatro con sus manos y cubierto de canas está un tótem: Rómulo Alaluna, artesano peruano que muestra con orgullo su foto con el maestro Alirio Díaz. "Ahorita estamos preparando unos cuatros, pero nosotros en este taller nos dedicamos a la construcción de guitarras. En el oficio llevo toda mi vida. Creo que desde que nací. Esto es algo de tradición, mi abuelo lo hacía, mi padre también".

Ahora una de sus hijas se dedica a la construcción de arcos para instrumentos de cuerdas.

Todas las mañanas del mundo.

Matías Herrera, venezolano, hijo de inmigrantes italianos, es uno de los tantos herederos de la tradición milenaria.

Conversa todo el tiempo de pie y con un violín en la mano frente al foco que ilumina su mesa de trabajo repleta de herramientas. "Yo venía de estudiar distintas cosas relacionadas con el arte. Había estudiado música, tocado distintos instrumentos, investigado sobre su historia. No pensaba que iba a ser constructor de instrumentos porque le tenía miedo a la madera. Trabajé el metal, el cuero, había hecho hasta joyería, pintura, pero la madera era un tabú, era un material que no entendía". Y por esas cosas que llaman razones de la vida, cuenta que llegó a Caracas un luthier portugués de Angola al Emil Friedman. Aquí el maestro y fundador del colegio caraqueño le brindó la posibilidad de vivir e instalar un taller. Herrera lo conoció y se convirtió en su aprendiz. "En septiembre de 1978 me fui a tomar clases a la Academia de Cremona. En la época en que yo llegué había mucha gente bohemia. Del 75 en adelante empezó un boom: la ciudad estaba llena de hippies que querían aprender lutería: franceses, alemanes, ingleses, japoneses, y latinos. Era muy interesante porque todo el mundo armaba un taller en su propia casa. Claro, la economía de la época era otra. En Alemania y Francia eso estaba prohibido, no podías hacer nada fuera de la escuela".

En casa de Gisela Bastidas, en Los Teques, no existe una hora muerta. Todas las mañanas, todas las tardes y no sabemos si las noches, el timbre de su puerta suena repetidas veces para que entre un nuevo paciente.

Muchos de los enfermos tienen tuercas y dispositivos para que las caderas retomen sus formas. Son todos contrabajos, que llegan uno detrás del otro. "Mi hija me dice que la boté de la casa, que no le alquilé la habitación en Caracas para que estudiara más cerca de donde vive, dice que preferí los instrumentos en su lugar",se ríe Gisela, sentada sobre una mesa de trabajo que la hace ver más alta de lo que ya es. "Yo tocaba el cello en San Fernando de Apure, y mi beca no me alcanzaba para mandar a reparar mi instrumento.

Cuando llegué a Caracas y vi por primera vez un taller dije: esto es lo que quiero". Bastidas también se fue a Cremona a reforzar lo aprendido con su maestro Matías Herrera.

La talla latina. Al lado de Bastidas, silente y con la vista puesta en un violín, está Marcelo Di Sante, maestro ítalo-venezolano, nacido en Catia pero que acaba de regresarse de Perugia donde vivió hasta hace semanas.

"No son muchos los luthiers venezolanos que conozco, pero por lo poco que he visto, a diferencia de Europa, hay una mayor libertad. El europeo es muy rígido en su tradición. Aquí hay una historia sin prehistoria.

A la hora de trabajar podemos ser más libres, quizás por eso me vine". Lo que el maestro Di Sante quiere decir, lo explica el maestro Marco Antonio Peña en su ensayo sobre la lutería en Venezuela. "En Europa se reglamentaba el estudio y la práctica de la lutería al menos desde principios del siglo XVI a través de gremios que impedían el establecimiento de luthiers que no cumplieran los requisitos de formación, experiencia y sometimiento a exámenes que se estipulaban.

Los gremios llegaban al extremo de especificar qué clases de instrumentos podía construir cada artesano, prohibiendo que elaborara cualquiera otro, e incluso reglamentaba los materiales y estilos de ornato. Hoy día, regulaciones igualmente estrictas, si bien más lógicas y amplias, siguen vigentes en países como Alemania, donde la única vía para llegar a ser luthier supone tres y medio años de estudio académico, tres y medio años más de pasantías bajo la tutela de un maestro luthier ya establecido y finalmente la presentación de un examen de maestría teórico y práctico de una semana de duración ante un jurado experto. Tras la aprobación del examen de maestría se autoriza al nuevo luthier para ejercer por su cuenta.

En Italia debe estudiarse cuatro años, y después se acostumbra a hacer una especialización".

En esa suerte de retiro que es el CAL en Caricuao, Henry Parra explica los avances y la calidad de los instrumentos hechos acá. "Ya en las Orquestas Sinfónica Juvenil Simón Bolívar y la Juvenil de Caracas están tocando con instrumentos construidos por nosotros. Muchos de los artesanos en el proceso de aprendizaje de la lutería se van integrando también al sistema de orquestas. Nuestro ideal es que a futuro todos los artesanos también estudien música. Que salgan de acá como técnicos que puedan presentar un documento que los avale a escala nacional e internacional. Hemos logrado que luthiers de gran calibre mundial vengan a avalar y dar cursos magistrales para estar al día con las escuelas más reconocidas del planeta". Edgar Torres tiene 22 años, vive en Yare y sale de su casa todas las madrugadas a Caricuao, al taller del CAL. Al mismo tiempo, toca la viola en el núcleo de su comunidad. "Uno se relaciona más con el instrumento, vives la forma en que surge.

Mi sueño es interpretar una viola construida por mí".

Torres divide su tiempo entre el taller, la universidad y los ensayos de la orquesta.

Si el oído es la antecámara del alma, Virginia Woolf dixit, el luthier y su taller componen la fábrica que alimenta la sustancia espiritual. El ambiente de un taller es casi místico. Está la madera virgen, instrumentos a la mitad de su construcción, las herramientas, el reposo de piezas que necesitan permanecer inmóviles durante cierto tiempo para que puedan ser ejecutadas. "Se necesita mucha paciencia. Este trabajo implica seguir un proceso metódico y no puedes ir a otro lado si no has superado un paso. Uno de los momentos más difíciles para un luthier es cuando se pregunta en qué momento está terminado un instrumento. Otros ojos lo ven listo, pero ¿está listo? Siempre pudo haber estado mejor", dice Matías Herrera que repara un violín construido por él, y piensa que su barniz es perfectible. "Esto no es sólo sentarte a fabricar un violín por hacerlo. Tienes que ser músico. No sé por qué tengo esta teoría. Yo creo que a uno se le desarrolla un sentido con la música. Implica conocerla, que el músico toque un contrabajo que estamos restaurando y poder identificar cada nota. Yo los afino, los pruebo, ya no toco. Me corté los tendones en un accidente y guindé el cello. Cuando escuchas tu instrumento en una sala de conciertos, esa sensación sólo la conoce la persona que pasó horas, encima de un bloque de madera, haciéndolo".

Fuente:
Revista Todo en Domingo

Christian Vásquez, nuevos retos

2011-09-25T17:56:00.003+02:00

Con apenas 26 años, ya ha sido asistente de Zubin Mehta y ha compartido el podio con Simon Rattle. Nominado al prestigioso Anillo de Beethoven 2011 y convocado para dirigir casi una decena de orquestas este año, prepara su batuta para nuevos retos

La batuta ascendente de Christian Vásquez. El director de orquesta venezolano,conversa con Todo en Domingo sobre su apretada agenda.

Magaly Rodríguez mrodriguez@el-nacional.com
Fotografías Marcel Cifuentes marcelcifuentes@gmail.com

El silencio del encierro antes de salir a escena le crispa los nervios.

Cuando Christian Vásquez se prepara para dirigir, es poco probable que lo encuentren místicamente concentrado en su camerino, pidiéndole protección a las musas o al espíritu del compositor de turno. "No puedo estar ahí metido. Prefiero salir al pasillo y caminarlo de arriba abajo o ponerme a hablar con cualquiera. También tengo que ir al baño antes de salir. Eso de quedarme vestido y solo, esperando, no me gusta". Sin embargo, quienes lo rodean se dirigen a él con la misma reverencia y le dicen "maestro" hasta para ofrecerle un vaso de agua. A sus 26 años, el título está bien merecido cuando se tiene una carrera ascendente que lo ha llevado a dirigir cada vez más orquestas de renombre y un cronograma que su agente inglés no para de actualizar.

El año pasado fue fructífero e implacable. Su momento estelar fue una gira europea entre septiembre y octubre con la Orquesta Sinfónica Juvenil Teresa Carreño.

En la Philharmonie de Berlín sede de la reputadísima Orquesta Filarmónica de Berlín condujo un concierto en conjunto con el director Simon Rattle. "La gente estaba vuelta loca y nos pedían que les lanzáramos las chaquetas. No lo podíamos creer, era como un sueño". Vásquez y su combo también deleitaron audiencias en el Konzerthaus de Viena, el Concertgebouw de Ámsterdam, el Royal Festival Hall de Londres y el Auditorio Nacional de Madrid. Además, fueron invitados a participar en el Festival Beethoven de Bonn, donde obtuvieron cinco minutos de ovación de una audiencia de 1.600 personas.

En el acto, Vásquez fue nominado para recibir el anillo de Beethoven, el mismo premio que Gustavo Dudamel recibiera en su primera edición en 2005. "Todo lo anunciaron en alemán y cuando me lo tradujeron, no podía ni hablar... La sola nominación ya es muy emocionante", dice ansioso sobre el anuncio del ganador, que se dará a conocer este año. Mientras tanto, le espera una agenda intensa.

Es director musical de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Aragua José Félix Ribas y de la Orquesta Sinfónica Juvenil Teresa Carreño. En Suecia, será director invitado por tres años para conducir la Orquesta Sinfónica de Gävle y en mayo tiene planificado visitar Japón por tres semanas en una gira con la Sinfónica de Praga. En junio dirigirá la de Stavanger, en Noruega, y a finales de año trabajará con agrupaciones de Suráfrica e Israel. La Orquesta Nacional de España también lo espera en octubre, donde se hará acompañar por el contrabajista venezolano Edicson Ruiz.

Gloria al bravo Christian.

"Méteme, mamá. Anda, méteme".

Cada vez que Nancy Utrera pasaba con el mayor de sus hijos frente a la aragüeña escuela de música de San Sebastián de los Reyes, sabía que le esperaba el mismo jalón en el brazo y el mismo grillito. "Desde chiquito le gustaba bailar y tocar cosas. Lo inscribí a los 8 años en el coro y flauta dulce, y a los 9 en violín. A los 12 ya estaba en la Sinfónica Nacional Infantil de Venezuela", relata ella. Entre los 14 y los 17 años, Vásquez tocó también en la Orquesta Sinfónica de Guárico, e integró la fila de segundos violines de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar hasta el año pasado. Sin embargo, sus coqueteos con la batuta comenzaron a los 16, cuando un director le pidió conducir el Himno nacional. "Cuando me subí al podio me sentí grande de una forma bonita", recuerda Vásquez. Su romance con la batuta se enserió en marzo de 2006, cuando José Antonio Abreu lo vio conducir y le ofreció darle clases particulares de dirección. ¿No cayó en pánico? "¡Claro! Pero le dije que sí", sonríe. "Es un gran privilegio. Como maestro es muy estricto, pero brillante. Todavía me da clases y me corrige cosas. Baja los hombros, sube los codos".

En 2008, Vásquez debutó como director en la sala Ríos Reyna con la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar. Entre sus manos estaban los matices de la 2da Sinfonía de Mahler. "En ese momento, la orquesta tenía 300 personas y el coro, 600. Estaba muy asustado", concede. "Pero si no hubiera sido por ese concierto, no me habrían salido varias invitaciones para dirigir fuera". Desde entonces, su carrera se convirtió en una seguidilla de momentos en los que su talento lo ha llevado al lugar indicado. Ese año Gustavo Dudamel le pidió que fuera su asistente para unos conciertos con la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, la cual ha vuelto a dirigir en varias ocasiones más. También asistió a Zubin Mehta, quien luego lo recomendó como director invitado para un par de conciertos con la Orquesta Filarmónica de Israel en Tel Aviv y Haifa.

Ha llevado la batuta de la Filarmónica de Turkus, en Finlandia, y de la Sinfónica de Bruselas, entre otras. "Sueño con dirigir la Orquesta Filarmónica de Berlín y la de Viena", confiesa. ¿Qué ocurre cada vez que le toca subirse a un podio nuevo? "Si es la primera vez, los músicos primero lo investigan a uno en Internet. Que les avisen que los va a dirigir un venezolano les llama la atención; también tiene que ver el hecho de que uno todavía es muy joven y está dirigiendo orquestas con músicos que tienen de 30 a 60 años, y cuando ven que uno trabaja con alegría y les inyecta entusiasmo, les encanta".

Sin embargo, reconoce que su secreto es estudiar el repertorio una y otra vez. "Si no llegas preparado, la orquesta se da cuenta enseguida y ya no hay mucha de esa química que es imprescindible para que el director pueda hacer bien su trabajo. También es importante saber ensayar, porque si no los músicos se fastidian. Saber cuándo echar un chistecito ayuda bastante".

Ni más, ni menos.

"Como director, Christian es detallista. Sabe muy bien lo que quiere, pero no se siente más que el resto. No es un director al que no puedas llegarle y sugerirle algo", dice el violinista William González, quien reconoce que las comparaciones con Dudamel nunca faltan.

Vásquez no se acompleja con el tema. "Gustavo ha sido un boom en todo el mundo y nos ha abierto a Diego Matheuz y a mí muchas puertas. Sí me han dicho en otras orquestas de afuera que dirigimos parecido, pero tiene sentido porque venimos del mismo profesor. Que me comparen con él es un lujo. Triste sería que me compararan con alguien malo, ¿no? (risas). Siempre es un honor, aunque cada quien tiene su estilo". Lo de ganarse indulgencias con escapulario ajeno no es lo suyo. "Una vez le preguntaron eso en una entrevista, si se sentía un segundo Gustavo Dudamel", recuerda William González. "Y el contestó: No sé. Yo me siento el primer Christian".

Con una vida cada vez más agitada, Vásquez cuenta que en los últimos dos años se ha hecho más difícil que pase un mes corrido en Venezuela. Novia no tiene, aunque se sonroja un poco al confesar que está saliendo con alguien. "Es complicado pasar tiempo juntos, pero si hay buena comunicación y uno se quiere, se trata de compartir lo más que se pueda. Cuando pasas tiempo sin esa persona tienes más oportunidad de extrañarla y cuando la vuelves a ver es más emocionante porque hay más cosas que compartir". Su mamá, cuenta, es quien no supera del todo despedirse de él. "Cada vez que me voy, llora. Está orgullosísima de mí, pero a eso no se acostumbra". Ella lo admite. "Christian se fue de la casa a estudiar para Caracas cuando tenía 17 años y vivió con unos compañeros músicos en Parque Central. A veces me llamaba por teléfono para preguntarme cómo se hacía el arroz", se ríe. "Yo sí creo que a él le va a ir siempre bien. La música es su vida y estudia muchísimo. Cuando viene a visitarnos, si no está aquí en la casa es porque está dando talleres en la orquesta de San Sebastián".

Hace unos años, cuando se le preguntó para esta revista cuál era su objetivo al dirigir, Vásquez deseaba que el público que oyera a esa orquesta más nunca la olvidara. "Que la música los remueva, los toque bien adentro". Sin remordimientos, Vásquez asegura que no extraña el violín. "Cuando empecé a dirigir me di cuenta de que el violín ya no era igual de personal para expresarme. En cambio en el podio no me da pena sudar, brincar, gesticular, gritar. Ahí me siento más yo, más libre. La batuta no suena, pero me dejo llevar por la música para que los músicos puedan transmitirla también". Desmelenarse hasta el último zarpazo es lo que más lo llena de energía. "Cuando se acaba un concierto termino con ganas de comer, de salir, de bailar. La música me da vida", asegura. "Termino cansado pero eléctrico, no sé cómo explicarlo. Termino feliz".

Fuente: Revista Todo en Domingo

Christian Vásquez es nombrado Director Musical de la Orquesta Sinfónica de Stavanger

22-Sep 03:38 pm|El-Nacional.com

“Estoy muy contento de poder representar a mi país como parte de la obra que el maestro José Antonio Abreu ha realizado durante 37 años”, expresó Vásquez

Christian Vásquez, director musical de la Sinfónica Juvenil Teresa Carreño, realizará una importante gira como director principal invitado de la Sinfónica de Gävle, Suecia y ahora, acaba de ser nombrado director musical de la Orquesta Sinfónica de Stavanger, anuncio que fue realizado este jueves 22 de septiembre en una rueda de prensa que tuvo lugar en la ciudad de Stavanger, Noruega.

“Estoy muy contento de poder representar a mi país como parte de la obra que el maestro José Antonio Abreu ha realizado durante 37 años. Es un privilegio muy grande y agradezco a la directiva de la Sinfónica de Stavanger por esta oportunidad”, expresó emocionado Vásquez, quien tomará el cargo a mediados de 2013.

El director admitió su encanto por trabajar con la Orquesta Sinfónica de Stavanger, la cual considera tiene un nivel “excepcional”.

Vásquez ha sido formado desde niño en el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, perteneciente a la Fundación Musical Simón Bolívar.

Por su parte, la directora ejecutiva de la Orquesta de Stavanger, Trude Marit Risnes, consideró como una “excelente opción” tener a Christian como director.

“Queremos ser una orquesta pionera, constantemente estamos luchando por mantenernos actualizados en todos los niveles, así que tiene mucho sentido escoger a un director que represente una generación naciente”, agregó Risnes en tono entusiasta.

El director artístico de la orquesta escandinava, Arne Almroth, afirmó que “están fascinados de sentirse asociados con uno de los directores musicales más prometedores del mundo”.

Vásquez regresará pronto a Venezuela a celebrar este logro con sus compañeros de El Sistema. Cumplirá importantes compromisos con la Sinfónica Juvenil Teresa Carreño, la Sinfónica Juvenil de Caracas y la Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela.

Internacionalmente también cumplirá compromisos con Orquestas en España, Sudáfrica e Israel en el trimestre final de 2011.

David Deibis, make up artist de talla internacional

2011-09-18T20:13:00.001+02:00

Su arte logra reflejar el alma de las personas en sus rostros. Como si fuesen un lienzo, David Deibis dibuja en ellos la belleza, con unos toques de la propia personalidad de quienes se exponen a sus pinceladas.

María Carolina Sánchez — @marykarols

Fotografía: Marcel Boldú

Revista Sala de Espera

Su humildad y talento, lo han llevado a recorrer el mundo junto a reconocidas personalidades

David llega a Caracas a estudiar Publicidad y Mercadeo, y comienza a desempeñarse como asistente de Luigi Ratino, en la agencia L?Altro Uomo. “Ya yo conocía a modelos como Jacqueline Aguilera, Dayra Lambis, Claudia La Gatta y Daniela Kosán, y sugerí desarrollar el departamento femenino en la agencia, que inicialmente sólo manejaba el masculino”.

Es Ratino quien descubre en él el arte del maquillaje, y quien le regala los primeros implementos. Aunque comenta que no fue sencillo en un principio, desde el primer momento, destacó con su trabajo.

Un giro a la historia

Un buen amigo, un idioma y un poco de suerte, marcaron el debut de Deibis en la firma Versace, nada más y nada menos que en Italia. Cabe destacar que la ciudad favorita del artista desde niño, es Roma. Desde entonces, inició un aprendizaje que lo llevaría a destacarse fuera de nuestras fronteras.

Una vez que regresa, se abren otras puertas. Miguel Herrera, maquillador artístico de Chanel, cuando asciende a trainer le propone asistir a una entrevista, y así comienza a trabajar con ellos. Siete años más tarde, expresa que se siente comprometido de corazón; tiene trabajos freelance fuera del país, paralelamente a su unión con Lancôme, con quienes realiza editoriales y portadas en Venezuela, entre otros proyectos.

Entre reinas y personalidades

David ha trabajado dos veces con la organización Miss Universo, y acompañó por un año entero a Justine Pasek, una panameña que ostentó dicho título. Sin embargo, no ha sido maquillador oficial de la Organización Miss Venezuela, con la excepción de Federica Guzmán y Hannely Quintero, quienes lo exigieron en sus reinados.

Una campaña que lo marcó fue la de Chanel No 5, con Nicole Kidman. “Me di cuenta de que la gente mientras más grande es, es más humilde. Mi mayor enseñanza fue como ser humano”.

Entre las experiencias con venezolanas que destaca se encuentran las de Patricia Velásquez, Daniela Kosán, Camila Canabal, Claudia Moreno y Dayana Mendoza.

Raíces andinas

Boconó es el lugar que lo vio nacer. Afirma que sus raíces trujillanas se ven reflejadas en la humildad que busca mantener en todo momento. De alguna manera se siente valenciano, porque en esa ciudad nacieron sus relaciones públicas y sociales.

Su madre ha sido una inspiración en su carrera artística. “Ella fue una de las primeras mujeres que representó a Venezuela en el concurso Señora del Mundo, y lo ganó en México. Crecí viendo moda y viajes”.

Simplemente David…

Este personaje tiene una sensibilidad especial para dar con el look ideal, y es querido por las famosas por su personalidad y talento. Además de celebridades, también trabaja con todo tipo de clientes y dicta talleres.

-¿A qué maquilladores admiras?

-A Luis Guillermo Duque, me guío por ese camino.

-¿A quiénes podrías agradecer en tu carrera profesional?

-Luigi Ratino, mi papá en el medio; Miguel Herrera, de Chanel y Lionel Ling, alguien que me hizo creer en mí. Y el pilar, la familia. Mi madre es mi ejemplo, y mi hermana mayor, Danniza, es mi centro, cómplice y madre de mis sobrinos, Daniela y Antonio Alejandro.

-¿Tu mayor orgullo?

-Mi hija Andrea Paulina. Vive en Canadá y tiene 16 años. Es el fruto de mi primer amor. Me siento muy identificado con ella.

-¿Creencias?

-Lo que más me ha atrapado ha sido la kabbalah, creo firmemente en la causa y efecto, aunque confío en la Virgen de Guadalupe.

Sueños por cumplir

Crear algo que lleve mi nombre y mi sello profesional.

Revista Sala de Espera

Precoz virtuosismo venezolano

2011-09-11T12:24:00.001+02:00

Recibieron un don, lo descubrieron muy temprano y se han dedicado a cultivarlo, convirtiéndose, en su primera década de vida, en referencias dentro del campo en el que se desempeñan con brillo.
Apenas cruzan los 10 años de edad y ya destacan en las
letras, la múscia y la actuación. Son venezolanos y son niños prodigio

Paula Ortiz Vidal portiz@cadena-capriles.com
Revista Dominical

José Luis Alvaray, purum pum pam

Basta googlear su nombre o, mejor aún, cambiar esta búsqueda por la de “el volcán del Caribe”, como mejor se le conoce, para encontrar un video, entre otros, en el que este pequeño barinés de 9 años de edad aparece en el web show de Daniel Martínez, siendo presentado nada más y nada menos que por el maestro del Guajeo, Alfredo Naranjo.

¿Y de dónde tanto reconocimiento? José Luis entró al Sistema Nacional de las Orquesta y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela a los 5 años. Como a muchos niños de su edad, se le dio un violín para que empezara sus estudios musicales, pero él quería otra cosa. Desde niño, cuenta su mamá, volteaba las ollas para tocarlas como si se tratara de una batería o unos timbales.

Se enamoró en aquel tiempo del sonido de la percusión e inmediatamente pasó a estas filas en la orquesta. Un día, mientras tocaba la marimba alegre y diestramente, un compañero mayor que él lo apodó “El volcán del Caribe”. Así se quedó y cuando le preguntan si le gusta hacer bastante ruido, él, tímidamente, responde que sí.

Ser seleccionado entre 5.000 niños del país para formar una nueva orquesta nacional no es una sorpresa para este niño que se ha acostumbrado a los éxitos. Sin embargo, “él es muy serio con lo que hace”, cuenta su mamá y asegura que dice tajantemente “yo no voy a tocar”, cuando llega a una fiesta y hay un conjunto.

Nathaly Barrios, érase una vez…

Como es normal, a los 5 años Nathaly Barrios ya leía. Pero es a los 8 cuando comenzó un interés irrefrenable por la lectura dramatizada que la ha llevado a cultivar un extenso currículo de estudios y presentaciones (mayor que el de muchos otros niños de su edad e, incluso, que algunos adultos). Nathaly es una yaracuyana de 11 años que ha dedicado casi la mitad de su vida a asistir a clases de locución, protocolo, poesía y oratoria y, habiendo alcanzado niveles avanzados, se ha dedicado a contar cuentos para niños, mayores y menores, sus padres, participando en la pantalla chica como animadora de un segmento que fomenta los valores en una estación regional.

Entre las actividades de una tarde normal, como hacer la tarea, investigar en la computadora o jugar con su hermano, no falta el repaso de cuentos. Un día decidió buscar en Internet cómo se escribe un poema. Luego de leer sobre sus estructuras, se sentó y el resultado fue un verso de amor (para el que se inspiró en un amiguito de un campamento) de 22 estrofas. “Aunque fue puro cariño de amistad, lo hice así como si fuera algo más allá”, aclara rapidito pero sin nada de pena. Ya su blog está ideado. Ahí publicará sus poesías y cuentos que comenzó a escribir el año pasado y diversos ensayos.

Rosmel Bustamante, escena 1, toma 2

Un profesor de inglés se dio cuenta de sus dotes histriónicas cuando éste tenía apenas 4 años. Entonces, decidió llevarlo a él y a una amiguita al taller actoral de Carlos Moreno, en Parque Central. “A ella (su amiguita) no le gustó y se fue, yo sí me quedé”, cuenta a los 11 años Rosmel.

Su debut en las tablas se dio casi inmediatamente y su mamá notó el interés del niño por la actuación. Con mucho nerviosismo, pero mucha emoción, se repetía “no me puedo equivocar, no me puedo equivocar” cuando iniciaba su primera interpretación en la obra “Un regalo de navidad”. Este fue su inicio, el que suelen tener todos los actores, dice él. Ese que se da siempre atrás y al frente de un telón.

Los proyectos no han parado desde entonces. Y, como es normal en Venezuela, donde grandes y pequeños formatos se unen, Rosmel pasó de ser actor de cine y teatro a protagonizar comerciales de Farmatodo, Oreo (versión navideña), Bon Bon Bum y muchos otros. Ahora tiene al aire uno de tiendas Traki.

Su primera participación en una novela se dio a los 6 años –“si no recuerdo mal”, acota-, con un pequeño personaje en “Calle luna, calle sol”. Pero esto fue solo el inicio. Luego vino “Tomasa, te quiero” y ahora es el turno de “Natalia del Mar”. Pero, ¿qué es lo que más le gusta hacer? No se decide. Dice una opción, luego otra y otra. Al final, le gusta actuar y ya.

Ahora se dedica a seguir aprendiendo técnicas mientras trabaja (especialmente cuando tiene que llorar). Y si se le pregunta como quién quiere ser, este hombrecito responde enérgicamente: “¡wow!, hay tanta gente aquí genial, tantos actores reconocidos”. Sin embargo lo piensa y escoge a Víctor Cámara.

Agenda apretada

Tanto Rosmel como el Volcán se han acostumbrado a hacer parte de su vida en el carro y corriendo debido a los compromisos que ajustan su tiempo. Ambos salen del colegio y a veces les toca cambiarse en el vehículo o irse con el uniforme del colegio. Sin embargo, no les preocupa. “Si esto es lo que decidí hacer, ¿por qué me cansaría?”, razona maduramente Rosmel.

El actor, por ejemplo, normalmente graba la novela todas las tardes en el estudio. Pero cuando se trata de exteriores y en la mañana, sus profesores del colegio le dan permiso y lo ayudan a recuperar los temas que pierde. La tarea nunca se la mandan de un día para otro. Así que eso le ayuda y se tranquiliza al respecto.

José Luis, por su parte, sale del colegio a mediodía, su mamá corre para que almuerce y empiece sus clases a las 2. Termina alrededor de las 6 de la tarde (a veces después si tiene ensayo) y llega a casa a hacer la tarea o a clases de ciclismo, actividad que ha decidido fomentar como deporte y distracción.

El futuro

“Cuando crezca voy a ser piloto y director de orquesta”, asegura esté volcán que tiene ya 4 años activo. Habla como un niño, pero suena convencido al decir que quiere ser como Dudamel o el Maestro Abreu, pero que también admira al director Christian Vásquez y a su profesor Acuario Zambrano.

Aunque Nathaly se ha presentado ante más de 900 personas en vivo cuando no había cumplido ni los 10 años, ni ella ni sus padres han dejado de lado la búsqueda de nuevas fortalezas. Es en este descubrimiento que ha decidido estudiar Medicina, Comunicación Social y Diseño.

Rosmel también ha decidido continuar con su vocación. De niño pensaba en otras carreras, cuenta, e imaginaba ser corredor de autos. “Todo lo que piensa un niño chico”, ríe ahora que ha decidido ser actor, director y productor de cine, televisión y por supuesto de teatro, donde comenzó y a lo que agradece el haber tenido todas estas oportunidades que se le han presentado.

Alfredo Naranjo y José Luís Alvaray (Volcán del caribe)

¿Porque a Jose Luis Alvaray le dicen el volcan del Caribe?

Rueda de prensa - Rosmel Bustamante

http://www.youtube.com/watch?v=KuDw5qnosk8

Oswaldo Vigas y sus miradas

2011-09-04T15:17:00.000+02:00

Oswaldo Vigas es uno de los artistas venezolanos de mayor trascendencia y figuración internacional. Nacido en Valencia, Venezuela, en 1926; se inicia tempranamente en las artes plásticas. Vivió de cerca la aparición de varios “ismos” de la pintura como el surrealismo y el cubismo y desarrolló un lenguaje propio. Hoy por hoy, y con motivo de una retrospectiva sobre su trabajo, que es llevada a cabo en La Costa Azul francesa, nos aproximamos a su vivencia y perspectivas.

Por José Antonio Parra — Fotografía Jorge Pineda
Revista Sala de Espera

- Hoy en día, ¿cuál es su perspectiva del fenómeno del arte?

- La función del arte en primer lugar es “trascender”. En el arte pretendemos ir más allá de la muerte, así que el arte tiende a ser eterno. Y ante el arte el tiempo se contrae.

- ¿Qué lo llevó a usted a iniciarse en el arte? ¿Cuál fue su llamado?

- Yo tenía 15 años cuando me inicié como artista. Hacía mi obra sin que me interesara nada más, ni siquiera si la iba a vender o no, pero ocurría que la vendía. Entonces me dije: Caramba, eso quiere decir que yo puedo vivir de esto.

- ¿Usted vivió el fenómeno del cubismo y la aparición del abstraccionismo geométrico?

- Mira, a mí nunca me interesaron las escuelas. Yo no sé a qué escuela pertenezco, ni me interesa. Ninguna de las obras que yo guardo pertenecen a una escuela específica.

- Pero hay un lenguaje que es de Oswaldo Vigas

- Eso es lo que me interesa, porque es mi lenguaje lo que hace que la gente se interese en él.

- ¿Cómo expresaría usted su propio lenguaje?
- Mi lenguaje está basado en la naturaleza. Me interesa el ser humano, me interesa la gente, me interesan las caras de la gente, los cuerpos de la gente, me interesa la forma de la naturaleza y el paisaje, me interesan los pájaros y las flores, me interesa todo lo que existe; los colibríes, los acures, los puercos, todos me interesan. Yo creo en la vida.

- Usted tiene una profunda visión mística y trascendente, recuerdo que hace diez año usted dijo: “Dios habla por la boca de los locos”.

- Así es.

- ¿A qué buenos amigos recuerda?

-Imagínate; allí está uno, Guayasamín, que era mi tocayo (mientras sonríe y señala una pieza de ese artista que forma parte de su colección). Él era un ser muy vital, muy desprendido, y muy querido. Y no creía más que en él mismo. Muy ególatra.

- ¿Y su experiencia con Pablo Picasso?

- Bueno ese era otro ególatra, otro ególatra más grande todavía que Guayasamín.

- ¿Y en relación a Jean Cocteau?

- Jean Cocteau era sobre todo un poeta (…)

- ¿Cuál período de la historia del arte le interesa?

- El actual, porque es muy grande y muy variado. El arte contemporáneo ocupa mucho espacio. Desde las artes decorativas y efímeras hasta las más trascendentes.

- Pero allí está la diferencia entre un artista y un artesano. Es lo que yo veo.

- Bueno, el arte se hace con las manos. Y todo lo que se hace con las manos tiene la experiencia del hombre que lo hace (…)

- ¿Cómo es un día a día de Oswaldo Vigas?

- Es sobretodo pensar lo que estoy haciendo. Me interesan muchas cosas; como la cocina, por ejemplo. Ella fue la primera forma de arte del ser humano, porque su propósito es la alimentación. Cocinar es un arte que me interesa mucho. También me interesa el arte de la literatura y la poesía.

- ¿Qué poeta le gusta?

- En América, Pablo Neruda. También me interesa García Lorca a quien he gozado mucho y leído desde los años 40.

- Pero curioso que usted se identifique con el modernismo y no con el surrealismo

- Me interesó mucho el surrealismo y el dibujo espontáneo; o sin pensar, en el que se deja que la mano trabaje sola, automática. Me interesa porque revela los aspectos más escondidos del ser. Por eso me interesa. Sin embargo, hay una forma de arte que no me interesa, como el arte tecnológico. Yo creo que eso no es arte. Son expresiones del ser humano, pero no son arte.

- ¿Cómo ve el futuro del arte?

- Será siempre eterno. No se acabará nunca.

Oswaldo Vigas ha realizado más de un centenar de exposiciones, entre individuales y colectivas. Ha representado dignamente al país en eventos internacionales y está representado en relevantes colecciones de arte públicas y privadas.

Gonzalo Grau gana el premio de Compositor de Europa 2011

2011-08-24T00:35:00.000+02:00

El Premio de Compositores Europeos 2011 ha sido otorgado al venezolano Gonzalo Grau, por su obra "Aqua", estrenada este fin de semana.

Cada año, el Festival "Young Euro Classic" de la Gobernación de Berlín, entrega el premio "Compositor Europeo" al candidato con mayores méritos. El premio se otorga en reconocimiento a la mejor premier del Festival o a la mejor premier alemana y otorga 5.000 euros al ganador. El jurado está comprendido por 11 miembros de la audiencia quienes determinan el ganador.

EL UNIVERSAL

lunes 22 de agosto de 2011

Esta obra fue encargada por la internacional Academia Bach de Stuttgart para el próximo Festival Musikfest. Extractos de este trabajo se llevaron a cabo ya por la Orquesta Nacional de Jóvenes de Alemania, bajo la batuta de la Maestra María Guinand, el pasado 13 de agosto de 2011 en la ciudad de Berlín.

"El público se sintió hechizado por los bocetos interpretados de 'Aqua'. La pieza estuvo cautivante y misteriosa, representó sonidos desde apenas audibles de la naturaleza hasta encuentros con la muerte cruel", declaró Marc de Mauny, presidente del jurado: "'Aqua' hizo que el jurado olvidara su tarea como jueces, nos convirtió en un público encantado".

Gonzalo Grau, compositor, arreglista e intérprete, nació en una familia musical en Caracas. De hecho, 'Aqua'es una especie de aventura familiar, pues su padre el compositor Alberto Grau, contribuyó en la composición de las partes corales, y su tía, María Fernanda Palacios, escribió los textos.

El magazine de la Salsa
Gonzalo Grau, comienza sus estudios a los 5 años de edad en el Colegio Emil Friedman, bajo la supervisión de sus padres Isabel Palacios y Alberto Grau.
Con tan solo trece años de edad ingresa a la Orquesta Nacional Juvenil de Venezuela como violoncellista y luego de dos años forma parte Camerata Renacentista de Caracas, su talento lo va desarrollando hasta convertirse en "multi-instrumentista" en instrumentos como el piano, cello, viola da gamba, cuatro, percusión y canto, por supuesto que tuvo un acercamiento con la música popular, dice: “En casa de mi abuelos se escuchaba flamenco, Trió Matamoros, Fania, Gaitas; para mí siempre existió una línea divisoria entre lo académico y lo popular”.
Fundaayacucho le otorga una beca en el año de 1995 para estudiar en "Berklee College of Music" en la ciudad de Boston en Estados Unidos, donde tres años más tarde culmina sus estudios con honores "Summa Cum Laude", como Piano Performance.
Allí en Berklee nació su primer proyecto “La Timba Loca”, un proyecto donde se tocaba la timba pero a su forma y concepto, como compositor y arreglista, la Timba abre un espacio, es más abierto a cambios y experimentación.
En diciembre del 2002 se abre la oportunidad de viajar a Sídney, Australia se dan a conocer en otras latitudes, y en 2003 son invitado por Issac Delgado a participar en el Festival de Benny Moré en Santa Isabel de las Lajas y en Cienfuegos. Y Fue la primera vez que un grupo de Timba de los Estados Unidos va a Cuba a tocar Timba cubana!, compartieron escenario con Pupy y los que Son Son, y Los Van Van, toda una experiencia increíble!
Para abril de 2008 cambia el nombre de su orquesta y le coloca “La Clave Secreta”, buscando ampliar, expandir su música, su nueva producción “Frutero Moderno”, su segunda producción con un sello independiente, algo que para muchos artistas están consciente que el camino es más lento y rocoso; pero sin duda mas grafíticamente.
Frutero Moderno, esta nominada a los próximos premios GRAMMYS, en el renglón de mejor Álbum Tropical Latino, compitiendo con:
1. “Cuba: Un Viaje Musical- A Musical Journey”, Albita, Rey Ruíz & Donato Poveda(Apollo Music).
2. “Renacer”, DLG (Machete Music).
3. ”Señor Bachata”, José Feliciano(Universal Music Latino).
4. “Back On The Streets... Taste Of Spanish Harlem Vol. 2”.
5. New Swing Sextet(Cotique/Emusica Records
La producción está compuesta por:
• Frutero Moderno
• Calle Luna, Calle Sol
• Siacara
• Sabor, Swing y Sahoco
• Buchipluma
• Amanecer en Calithea
• A la Griega
• La polémica de la Mandarina
• Fachada o Nada
• Mujer Divina
• Abre que voy
• Alarma

Canal Yotube: http://www.youtube.com/user/gonzograu

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Miguel Ángel Cegarra: No conozco el mundo sin música

2011-07-08T16:58:00.000+02:00

Miguel Ángel Cegarra, quien acaba de cumplir en diciembre de 2010 12 años. Este jovencito sobresale entre sus compañeros porque tiene un enorme talento y una memoria musical extraordinaria, al punto que a su corta edad ya se ha paseado por escenarios importantes de Europa, Norte y Centroamérica, donde ha dado conciertos con su violoncello solista.

Por Germán Alirio Luna / @galunach
Revista Sala de Espera

En Caracas, y en casi todo el país, se repiten por las tardes caminatas apresuradas de niños y adolecentes, quienes junto a sus representantes cargan con sus instrumentos musicales en el transporte público o por las aceras de calles y avenidas. Estos son los estudiantes que se están formando en el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles, fundado y dirigido por el laureado maestro José Antonio Abreu. Uno de estos niños es Miguel Ángel Cegarra, quien acaba de cumplir en diciembre pasado 12 años. Este jovencito sobresale entre sus compañeros porque tiene un enorme talento y una memoria musical extraordinaria, al punto que a su corta edad ya se ha paseado por escenarios importantes de Europa, Norte y Centroamérica, donde ha dado conciertos con su violoncello solista.

Su padre, Rafael Cegarra, aceptó que el pequeño músico contara parte de las experiencias que, día a día, vive Miguel Ángel.

-¿A qué edad empiezas tu contacto con la música?

-Mi mamá era violonchelista. Me cuenta que, cuando estaba embarazada de mí, me tocaba el violoncello y ponía sobre su barriga música de Vivaldi y Mozart. A los tres años de edad, cada vez que ella tocaba le pedía que me prestara su cello -que era muy grande para mí-, pues yo quería hacerlo también. Entonces mis padres decidieron comprarme un violoncello muy pequeño, que parecía más bien un violín grande. Se convirtió en mi juguete preferido y, desde allí, no he parado de tocar. ¡No conozco el mundo sin música!

-¿Quién fue tu primer maestro y dónde empezaste a estudiar música?

-Mi madre, Karla Monsalve, fue mi primera maestra. Ella se formó en el Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles que dirige mi querido maestro José Antonio Abreu. Después, a los cuatro años, comcencé a formarme en el Colegio Emil Friedman con la Maestra Zaida Gómez, y a los siete años entré en la Academia Latinoamericana de Violoncello, dirigida por el maestro William Molina. Desde entonces, he estado bajo la tutela del maestro Valmore Nieves, quien diseñó para mí un programa especial de técnicas y repertorios que me ha llevado a tocar obras muy complejas para mi edad. También tengo el apoyo del maestro Kenny Aponte y de la profesora Olimpia Sorrentino en teoría y solfeo. Somos un gran equipo.

-¿Cuándo y dónde fue tu primera presentación en público?

-Mi primer concierto fue cuando tenía cuatro años en la Sala Mozart del colegio. Recuerdo que estaba en preescolar 1. Allí realicé muchos mini conciertos hasta los siete años. Recuerdo especialmente la primera vez que toque en el Teresa Carreño, a los ocho años. Interpreté un concierto de Vivaldi. También fue significativa una ocasión en la que me dirigió el maestro Gustavo Dudamel, a los 10 años, en el concierto en Do Mayor de Haydn. Han sido grandes experiencias, fueron metas y sueños cumplidos para mí.

-¿De cuál de las audiciones en las que has participado guardas recuerdos emocionantes?

-La de Alemania en septiembre pasado, porque fueron 139 participantes: 99% de Europa y Asia, el promedio de edad era de 21 años y yo, con 11 años, fui el más joven y el único latinoamericano. Participé con los ganadores de premios internacionales como Dai Miyata, de 24 años, ganador del Concurso Internacional de Rostropovich 2009. Era, como se dice, “la crema de la crema” del violoncello. Aprendí mucho, fue súper emocionante para mí escuchar los excelentes y maravillosos comentarios que los participantes y maestros hacían del Sistema de Orquestas de Venezuela. Era increíble y extraordinario ver cómo personas de todas partes del mundo reconocen el estatus musical de Venezuela gracias a la labor de mi querido maestro Abreu. Le doy gracias a él por haber creado este maravilloso sistema, que hizo posible que yo estuviese allí entre los grandes. Eso me motivó y me convenció más de que lo que hay que hacer es, como dice el maestro Abreu, es “tocar y luchar”.

-¿Cuál fue el concierto para chelo y orquesta que pudiste interpretar en forma completa? ¿Dónde y con cuál director?

-Han sido varios. El primero fue el Do Mayor de Vivaldi con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Caracas, bajo la dirección del maestro Dietrich Paredes en la Sala Rivas del Teatro Teresa Careno. Tenía ocho años. También en la Sala Simón Bolívar de la Sede del Sistema de Orquestas y Coros Infantiles y Juveniles de Venezuela.
Tuve la oportunidad de tocar el Do Mayor de Haydn con la Orquesta Sinfónica del Estado Nueva Esparta, bajo la dirección del maestro Alfredo Rúgeles. Fue algo muy especial, ya tenía nueve años y era la primera vez que la interpretaba en público. La pieza, por su estilo clásico, es muy exigente. Muchas personas estaban a la expectativa, pues era la primera vez en Venezuela que un niño de mi edad tocaba ese concierto.

-¿Cuál chelista venezolano admiras más y por qué?

-Admiro y quiero mucho a mi maestro Valmore Nieves por la forma que tiene de darme clases a mí y a los otros niños. Es excelente violonchelista, considero que sabe mucho. Él toca muy bien los solos con la Orquesta Simón Bolívar. También lo admiro porque, con su ejemplo, me ha enseñado disciplina, constancia, valores éticos con los cuales me ha formado para que el violoncello sea para mí una forma de vida. “Valmo”, como yo lo llamo, es también mi competidor en el Wii. Él es del Real Madrid y yo del equipo campeón del Barcelona. Es mi amigo, pero sobre todo, es un ejemplo para mí.

-¿En cuáles ciudades europeas te has presentado y qué recuerdas de esas experiencias?

-Como solista aún no me he presentado. Me gustaría hacerlo pronto. He participado en cursos y clases magistrales en España, Alemania y Francia.

-En tus ratos libres, ¿practicas algún deporte?

-Sí, la natación. La verdad es que me encanta el mar y los deportes acuáticos como el kayak, el snorkel y la pesca. Hago ejercicios todos los días, sobre todo una rutina de abdominales. No quisiera ser un cellista panzón (risas), y trato de jugar fútbol los fines de semana con mis amigos. Eso sí, me cuido mucho los brazos y manos, por lo que nunca soy el portero.

-¿Cuántas horas al día dedicas a los estudios musicales y a los ensayos con el chelo?

-Dedico entre cuatro y cinco horas diarias al violoncello, incluyendo las horas de teoría y solfeo en la semana. Como complemento de mi formación personal, estudio inglés y francés.

-El pasado 3 de diciembre de 2010, fuiste invitado a Canadá para presentarte frente al Primer Ministro, el Gobernador General y altos funcionarios de ese país. ¿Cuál fue la sensación que tuviste esa noche?

-Cuando entré al Rideu Hall para los ensayos y al momento de entregarle al Primer Ministro de Canadá y al Gobernador General la máxima condecoración del Sistema de Orquestas que el maestro Abreu me encomendó entregar, me sentí muy orgulloso y feliz. En ese momento, pensé que mi esfuerzo y horas de estudio siempre tienen una gran recompensa. Era realmente afortunado de estar allí, en esa casa gigante del presidente de Canadá, para tocarle a las altas autoridades. Por un momento, pensé en Gustavo Dudamel, que es para mí el mayor ejemplo de inspiración. Entonces, al sentarme frente al público, di lo mejor de mí. Expresé a través de la música mi pasión y la emoción que yo siento cuando toco.

-¿Por qué utilizas esos lentes de montura de carey tan grandes y de distintos colores?

-Mucha gente me pregunta si son de verdad o son de juguete, pero en verdad tengo miopía. Los colores rojo y azul me gustan mucho porque desde pequeño me ganaba rifas en las piñatas diciendo esos colores. Después, mi querido maestro Abreu me presenta como Spiderman o el hombre araña y muchos en el Sistema así me conocen. Me gustaron estos lentes porque son diferentes y divertidos. Todo el mundo me pregunta sobre ellos. Uso lentes desde los cuatro años y los primeros fueron verdes. Aunque el doctor me dio permiso de usar lentes de contacto, estoy tratando de acostumbrarme a ellos.

Fuente: Revista Sala de Espera

Los defensores del Salto Angel

2011-06-26T17:44:00.000+02:00

Antonio Pestana y Álvaro Álvarez de Lugo se han propuesto lograr que el Salto Ángel figure entre las maravillas del planeta. Aquí cuentan su cruzada.

Los Promotores del Salto

Hace 62 años, una periodista estadounidense confirmó que el Salto Ángel era el más alto del mundo y regó la voz con resonancia planetaria. Con el documental Kerepakupay-Vená: La expedición olvidada y una exposición itinerante de fotografías, ahora un guía turístico y un director de cine toman el relevo y luchan para que esta célebre cascada clasifique entre las siete maravillas naturales del mundo

Todo en Domingo
Magaly Rodríguez mrodriguez@el-nacional.com
Fotografías cortesía Antonio Pestana

Cuando la periodista estadounidense Ruth Robertson se bajó de la curiara en las riberas del río Churún hace 62 años, sabía muy bien lo que estaba buscando. No la detuvo la lluvia. No la atascó el barro. No la aplacó la furia de los ríos ni el enjambre de los puripuri que la acosaban cada noche mientras se iba acercando a uno de los hitos de su carrera. Con 42 años y la reputación de haber sido la primera corresponsal femenina de guerra, Robertson había movido cielo y tierra para que dos expertos internacionales la acompañaran a medir oficialmente la altura de un espectacular salto de agua. El mismo que el aviador Jimmie Angel se había tropezado en 1933 en sus sobrevuelos por el Auyantepui.

"Según el altímetro del avión, debe medir como mil metros", le había sugerido personalmente el propio Angel con su ojo de pájaro.

Ni siquiera la National Geographic Society daba mucho por su proyecto, luego de que cuatro expediciones masculinas hubieran fracasado en el engorroso intento. "Si lo logras, nos avisas", fue la inerte respuesta que recibió la reportera de Illinois cuando fue a pedirles apoyo para su misión. Robertson ya había sobrevolado la zona mientras trabajaba como relacionista pública para la Línea Aeropostal Venezolana. "La primera mirada al Salto Ángel se sintió como un nudo en mi garganta. Una vista impactante, derramándose de nichos de 200 a 300 pies desde la cima en dos partes: una, como una poderosa fuerza de agua, y a su derecha, otro listón en caída.

Era una vista maravillosa, pero definitivamente no desde el ángulo de cámara apropiado. Sin duda, fue ahí cuando se concibió la idea de ir algún día al fondo de la cascada. La majestad de una imagen tan tremenda tendría que ser fotografiada hacia arriba, no condescendientemente hacia abajo", se lee en un sitio web que lleva su nombre.

El 22 de abril de 1949, Robertson llegó, midió y fotografió por primera vez desde tierra la encumbrada cinta de agua que los pemones conocían desde hace siglos. En noviembre del mismo año, el mundo se enteró por las páginas de la revista National Geographic de que el exotiquísimo Salto Ángel, en el sur de Venezuela, medía 979,66 metros y era la caída de agua más alta del mundo. Otras publicaciones como Time y Newsweek hicie- ron eco de su hallazgo. Desde entonces, la catarata ha maravillado a miles de turistas de todo el mundo que quieren salpicarse con el descenso atomizado de su caudal. Antonio Pestana, presidente de Ecoalianza Venezuela y uno de los guías turísticos que lleva años trabajando en la zona, asegura que tampoco olvidará la primera vez que lo vio. "Es una sensación inexplicable, mágica.

Me quedé parado viéndolo y me puse a llorar", recuerda. "Hay turistas que se ríen, que lloran, que se quedan paralizados. Es tan imponente que no sabes qué hacer".

Borrón y salto nuevo.

Hijo de comerciantes portugueses, Antonio Pestana nació en Curazao y desde los 15 años vivió en Venezuela, trabajando como comerciante. "En un momento muy difícil de mi vida quise romper con todo y decidí mudarme.

Dejé Maracay y me fui a vivir a la selva por dos años con los pemones". Fue entonces cuando comenzó a trabajar como guía turístico y a empaparse de la etnografía indígena. "En realidad, esta cascada no se llama Churún Merú, aunque ése fue el nombre que pegó por error y que la gente más conoce. Entre los mismos indígenas hay disidencia, pero se presume que el verdadero nombre indígena del Salto Ángel es Kerepakupay Vená, que significa en pemón `salto al lugar más profundo", señala.

En su casa, Pestana atesoraba un ejemplar de la National Geo- graphic de 1949. La lectura de "Jungle Journey to the World’s Highest Waterfall" lo dejó inquieto. "A finales de 2009, le comenté a un amigo director de cine, Álvaro Álvarez de Lugo, la historia de esta señora. Ese año se cumplía el 60º aniversario de la medición del Salto Ángel", recuerda.

Ambos descubrieron que tenían entre manos material digno de un documental y comenzaron a levantar financiamiento. Bajo el sello de MonteSacro Films, el resultado es Kerepakupay-Vená: La expedición olvidada, un recorrido por la hazaña de la reportera con entrevistas a expertos en zonas protegidas, ecoturismo y miembros de la comunidad pemona. Su rodaje tomó seis días con un equipo de producción de siete personas.

Sin embargo, ambos señalan que su documental no responde a un mero interés artístico; también tiene un fin práctico. "No lo hicimos para lucrarnos con él, porque su producción y su difusión se han venido haciendo con las uñas. El punto es que actualmente el Salto Ángel es uno de los finalistas en la competencia por las Siete Maravillas Naturales del Mundo", dice Pestana en alusión al concurso público y global de la fundación suiza New Open World. "Lo hicimos para impulsar las votaciones en Venezuela, porque aún no hemos alcanzado la participación interna que se requiere para que el Salto sea uno de los siete ganadores. En principio, la fundación pide que por lo menos uno de cada diez votos provenga del país en el que se encuentra ese atractivo turístico. La gente fuera de Venezuela ha venido votando consecuentemente por el Salto después de que salió como referencia en películas como Ava- tar y Up, y también porque por experiencia sabemos que el 80% o 90% de los turistas que lo visitan son extranjeros. Lo que está costando reunir es ese 10% de votos nacionales que hace falta", explica Pestana. "Uno puede revisar a diario las tendencias de votación en el sitio web y observa que quienes menos están participando son las mujeres y los niños. Por eso estamos haciendo mucho énfasis en exhibir el documental en colegios y universidades".

Cuenta regresiva

. Quedan cuatro meses para participar.

La catarata clasificó entre los 77 candidatos y ahora está entre los 28 finalistas. "Pero todavía somos como un Ferrari nuevo con poca gasolina. Imagínense todo lo que podríamos conseguir si lográramos apoyo gubernamental, si se involucrara la empresa privada y si cada venezolano que usa Twitter y Facebook votara e hiciera campaña. No nos pararía nadie. Si el Salto Ángel llega a ser una de las siete maravillas naturales del mundo, no sólo va a ser un logro increíble para todos, sino que también va a generar unos beneficios tangibles entre los 1.000 y 5.000 millones de dólares en turismo que Venezuela necesita; sobre todo esas comunidades", calcula Pestana.

¿Aparte de votar, qué más se puede hacer? "Regar la voz", dice el productor, quien cita el caso de países que tienen campañas intensivas y a gran escala para promocionar sus lugares postulados. "En los últimos tiempos no hemos recibido apoyo del Ministerio de Turismo para darle proyección al documental antes lo tuvimos y en verdad lo necesitamos mucho. La gente tiene que enterarse de que este concurso existe, que nuestra catarata es finalista y que todos podemos participar", dice Pestana. "Cuando se escogieron las siete nuevas maravillas hechas por el hombre, el presidente Lula invirtió millones de dólares para promocionar al Cristo Redentor; toda Brasil se involucró.

Hay países donde se meten de lleno el presidente, los grandes deportistas, los intelectuales, los artistas, las misses, todos jun- tos haciéndole promoción a su sitio finalista. Lo convierten en una prioridad nacional porque saben que a largo plazo trae beneficios para todos. Aquí, hasta donde sabemos, nuestro proyecto aún es la única iniciativa concreta que se está haciendo en Venezuela para promover el Salto", dice el guía.

"No pretendemos que el Salto sea un símbolo de los azules, de los rojos o de los amarillos, sino un punto de unión entre todos los venezolanos. Que así como la gente se enorgullece del sistema de orquestas y aplaude a Dudamel, quiere que la Miss Venezuela gane el Miss Universo o apoya a la Vinotinto, también pueda sentirse orgullosa de sus tesoros naturales. Queremos que todos ellos nos ayuden y lo que cada uno pueda hacer por su cuenta también vale". No cesa de repetir que cada voto es fundamental.

"Aun si no ganamos, sé que voy a tener mi conciencia tranquila porque hice todo lo que pude", desliza. "Por eso el logo de nuestra campaña es: `vota por el Salto Ángel. Estemos a su altura".

Cómo votar

La recepción de votos para la elección de las siete maravillas naturales del mundo terminará el 11 de noviembre de 2011. Para sufragar, hay que entrar a www.new7wonders.com, seleccionar siete lugares entre los 28 fi nalistas e introducir los datos personales. "Uno recomienda que, además de votar por el Salto Ángel, seleccionen también la Amazonía, de la cual tenemos una parte. En general, sería ideal favorecer lugares latinoamericanos para que esta parte del continente se consolide como destino ecoturístico", sugiere Pestana. Quien ya votó en etapas preliminares tendría que volver a hacerlo, porque en cada fase se empieza de nuevo. Una vez que se completa la información y se hace clic sobre "enviar su voto", el sistema responde con un e-mail que incluye un enlace de confi rmación. Al presionar dicho link es cuando la selección será contabilizada.

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Los sonidos de Andrés Levin

2011-06-20T18:11:00.000+02:00

Este músico y productor caraqueño, radicado en Nueva York, se alzó el año pasado con un Grammy y ha conseguido colar sus melodías en series de televisión como ER, CSI: Miami, Heroes y Entourage
Sedujo a Tina Turner con la lírica de una canción que ella grabó en uno de sus discos. Logró que Caetano Veloso se uniera en una dupla musical junto a David Byrne. Ha producido compactos y escrito temas para Ana Torroja, Paulina Rubio, Miguel Bosé y Aleks Syntek.

 José Roberto Coppola jcoppola@el-nacional.com

Fotografías Lara Alcántara laraalcantara@gmail.com / Nueva York

No sale sin su grabador. Sabe que sentado en el vagón del metro de alguna de las líneas de Nueva York, cenando en algún restaurante o en el asiento del avión de cualquier vuelo, lo puede asaltar una idea, una sonoridad, un ritmo o una frase que necesita registro para que no se pierda en su memoria. "La primera chispa puede llegarme en la ducha, en una fiesta o al momento de despertarme. Por eso siempre ando con un grabador para grabar alguna oración, una melodía o la idea de un título. Muchas canciones comienzan así. Después viene la parte más artesanal, que es la de desarrollar la idea. Para mí es importante documentar lo que se me ocurre, no tiene que ser una grabación muy limpia. A veces estoy en un bar escuchando canciones, montado en un taxi con un chofer que está oyendo música hindú o en el medio del caos de la ciudad, y eso me inspira muchísimo", suelta con esa cadencia fraternal en el verbo Andrés Levin, productor, compositor y músico caraqueño que ha trabajado en proyectos musicales para cantantes como Ana Torroja, Caetano Veloso, Paulina Rubio y Miguel Bosé.

Hay una creencia urbana asociada con los compositores que dice que siempre tienen muchas letras de canciones guardadas en un reservorio sin que alguien las haya cantado jamás. ¿Cuántas tiene usted? "Es verdad, tengo muchas canciones listas y además muchas ideas musicales almacenadas. Yo tendré unas 150 que no se han grabado todavía. Muchas mutan después. Otras las uso tal cual. A veces me pasa que escribo algo no tan interesante que escucho tiempo después y pienso que era mejor de lo que yo creía. También me sucede lo contrario, pero en la mayoría de las ocasiones las canciones que tengo guardadas y escucho luego de un tiempo me sorprenden positivamente. También sucede que esas ideas sólo son trampolines para nuevas ideas. La creación es complicada", explica.

Días largos, días de música. Los días de Levin parecen no acabar.

Se la pasa metido en un estudio de grabación por meses: haciendo arreglos musicales, coescribiendo letras de canciones, postproduciendo temas y ajustando todas las ideas que componen las notas del disco de un artista. Uno de sus últimos trabajos fue Sonrisa, la producción musical más reciente de Ana Torroja. "Fue intenso. Yo allí fui productor, coautor y toco en todos los temas. Queríamos un disco como Ana, una persona con mucho corazón, un disco de muy buenas canciones, con un lado psicodélico, medio retro", hace un balance el productor. ¿Qué tanto desgaste le genera producir un disco? "A veces es un proceso que puede llegar a ser frío. Puedo estar 10 horas editando la guitarra de una canción cuando ya todos se bebieron los vinos y rones. A veces estoy solo frente a una computadora dos semanas. Cuando hago la post producción, paso mucho tiempo en la computadora y el contacto humano se reduce a los dos o tres que están en la sala. Es esa etapa cuando engordo más", resuelve decir a manera de chiste.

En un proceso intimista, el productor caraqueño entiende a los artistas desde su verdad y su estado de ánimo del momento.

"Hay algunos artistas a los que no sólo les escribo las canciones, se las produzco y le hago los arreglos, sino que me toca ser hasta su psicólogo". En esos tiempos dilatados de días que se hacen noches y semanas que se vuelven meses, Levin busca entender al artista en su sencillez, su complejidad y lo aproxima a nuevos riesgos musicales. "Yo soy pragmático y perfeccionista. A mí me resulta más interesante hacer que un artista cante algo que yo quiero que cante.

Hay momentos en los que se me vuela en la cabeza si tengo una idea o estoy con ellos ensayando muchísimo y, más que ser severo, soy muy claro en la dirección. A veces ocurre que aparece una persona inesperada en el estudio". Así llegó Tina Turner, se enamoró de una de sus canciones "The difference between us" y la grabó para su disco Wildest Dreams. Todo un lujo para un productor musical. "Ella vino, quiso esa canción, la grabó y se fue", recuerda como una ráfaga el paso de la cantante.

En esas aventuras musicales ha logrado unir a artistas en duetos de excepción como lo que hizo con dos grandes como el brasilero Caetano Veloso y el escocés David Byrne. Entonces la idea partió de unirlos en un tema que generaría expectativa. "Después de hacer un demo, me reuní con los dos en Brasil y Nueva York para unirlos en una canción", recuerda su osadía.

"He tenido la fortuna de trabajar en proyectos muy distintos". En esa pluralidad musical, Levin ha colaborado en los conceptos melódicos y artísticos que se han traducido en reconocimientos para los cantantes. Con Paulina Rubio coescribió dos canciones y le produjo una de su álbum Gran City Pop. "Y fiestamos muchísimo". Coprodujo el disco Papito de Miguel Bosé. Trabajó en el disco Cuculand de Cucu Diamantes y en Caribe atómico de Aterciopelados.

Con Ana Torroja ya ha trabajado como escritor y productor de los discos Esencial y Pasajes de un sueño. Al mexicano Aleks Syntek le acaba de coproducir el disco Métodos de placer instantáneo y a la neoyorquina Natalie Merchant el compacto Leave your sleep.

El muchacho de Bello Monte.

Cuando vivía en Caracas, se la pasaba por Bello Monte tocando con su guitarra con los panas que hacían música como él o gastaba sus tardes en el pequeño estudio que tenía en su casa componiendo canciones. "Toqué en varias bandas distintas. Tenía una que se llamaba Novotango y otra que llamábamos Los toca gaitos porque era de gaitas. También tocaba en otra de folklore-rock-fusión que se llamaba Siete rayos. Con unos amigos hacíamos cosas más electrónicas. Era la época de la libertad y las drogas", recuerda Levin. "Pero lo que a mí más me gustaba era componer mis propias letras. Me interesaba más investigar y crear una canción e inventar puestas en escenas", desliza sobre el tiempo libre que le dejaban sus días de colegio en el Agustín Codazzi. Hasta que se fue a Estados Unidos y estudió bajo, música electrónica y composición, pero no las terminó porque desde temprano lo ocuparon las labores de producción. "Yo he hecho discos en muchas partes del mundo, pero nunca uno en Venezuela. Sólo trabajé para The new sound of Venezuelan gozadera de Los Amigos Invisibles. Me gustaría ir a mi país para trabajar en un proyecto de música, pero estoy muy desconectado".

Uno de los logros de Levin fue el Grammy que se llevó el año pasado por el soundtrack del musical de Broadway In the highs. Ya era hora para el productor caraqueño que registraba un total de 13 nominaciones anteriores. Y en la lista de conquistas también ha logrado trabajar en la música de series de televisión como ER, Heroes, Entourage y CSI: Miami. Además estuvo a cargo del soundtrack de la película El cantante que protagonizó Marc Anthony con Jennifer López. Los trabajos de Levin le han merecido destacadas reseñas en los diarios más influyentes de Estados Unidos. "A brilliant producer, songwriter and multi intrumentalist", según el Chicago Tribune.

"A musicologist´s dream", en una nota de The New York Times. Para Los Angeles Times, Levin fue nombrado una vez como "The master chef of Urban Fusion". Y entre todos los trabajos y discos en los que ha colaborado, Levin tiene la certeza de que ninguno está listo finalmente. "Yo siento que no he terminado ningún disco. La música puede evolucionar y cambiar.

Lo que pasa es que hay que ponerle límites a los proyectos porque si no, no salen. Los discos no están listos. Los CD son una forma limitante de exhibir la obra. Como productor sé que siempre hay cosas que quedan fuera que a los fans les gustaría escuchar", cuenta Levin sobre ese material que el seguro sabrá aprovechar luego. ¿Cómo sabe entonces cuándo una canción esta "lista"? "Cuando tiene la fuerza para que me conmueva, y cuando la escuche logre emocionarme".

Fuente:
Revista Todo en Domingo

Ana Lucrecía Garcia a la Scala de Milán

2011-06-19T16:09:00.000+02:00

El 22 de junio la venezolana debutó en el papel de “La Odabella” en la Ópera Atilla, de Giuseppe Verdi

Por Milvia Piazza
Revista Sala de Espera

Ana Lucrecia García, oriunda de Coro, estado Falcón, se inició como violinista en el Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, luego pasó a formar parte de las filas de violines de la Orquesta Sinfónica de Venezuela. En 1998, después de descubrir que su verdadera vocación era el canto, se trasladó a España para cursar estudios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con Alfredo Kraus y posteriormente con Teresa Berganza.
Ana Lucrecia posee una voz de soprano “lírico spinto”, de timbre oscuro, puede también cantar roles dramáticos como “La Odabella”

- Tus inicios fueron como violinista ¿cómo te diste cuenta que en realidad tu futuro era el canto lírico?

- Lo descubrí el día que canté en público por primera vez (...) noté en las personas que me escuchaban una reacción calurosa, efusiva, les gustaba. Había tanto entusiasmo que me dí cuenta que debía dedicarme a cantar y es la decisión más acertada que he tomado en mi vida.

- ¿Quién descubrió tus dotes canoras?

- Para mí este ¨descubrimiento¨ de cualidades vocales (por llamarlo de alguna forma) tiene dos etapas: La primera en Caracas con Rosita del Castillo, quien me enseñó a dar forma y vida a las primeras arias - composición musical sobre cierto número de versos para que la cante una sola voz- mi primera maestra. A ella le debo mi incursión total al mundo del canto y de la ópera; fue una gran maestra que supo desde el principio lo que era un soprano “lírico spinto”. Fueron unas clases llenas de alegría y entrega; compartía sus conocimientos, su experiencia, su luz. Siempre le estaré agradecida. La segunda etapa la completa Angelo Pagliuca, fue él quien me dio la oportunidad de cantar en público, en un concierto con la Orquesta Sinfónica de Venezuela que él dirigía y de la que yo formaba parte, además, fue un concierto muy emocionante para mí. Siempre llevo en el corazón la reacción calurosa de mis compañeros de la orquesta y del público asistente (...) fue allí cuando tomé la decisión definitiva.

- ¿Cómo llegaste al maestro Alfredo Kraus, y posteriormente a la maestra Berganza?

- En 1998 me fui a estudiar a la Escuela Reina Sofía de Madrid, en España; llegué allí gracias a la maravillosa gestión de Elizabeth Marichal, de la Fundación Cisneros. Ellos me dieron una beca de estudios durante mi primer curso en la escuela con Alfredo Kraus. Cuando él murió, estudié con Teresa Berganza durante los siguientes tres años.

- ¿Cuántos años te quedaste en España y qué hiciste para mantenerte todo ese tiempo?.

- Me quedé 12 años. Para sobrevivir hice algunos conciertos que me permitían ahorrar y poder pagar los gastos. Cuando la cosa estaba apretaba, cantaba en bodas y funerales. Ha sido una experiencia, en algunas ocasiones, terrorífica, pero prefiero quedarme con las cosas buenas y dar gracias a Dios por haber podido salir adelante.

- Finalmente llegó el golpe de suerte que también hace falta como ingrediente principal junto al talento. ¿ A quién conociste que cambió tu destino?

- Cuando salí de Venezuela rumbo a Madrid, sabía, en cierta forma, que no volvería. Seguramente presentía que mi residencia estaba al lado de mi profesión. Gracias a mi actual maestro de canto, Enzo Spatola, conocí al que es ahora mi agente (Img Artists Italy) Ese hecho significó el cambio absoluto de las cosas porque pasé de proyectos a realidades, ya no era sólo la chica con ganas de cantar, sino que ahora tenía la oportunidad de demostrarlo. Gracias a esto he podido entrar en una plaza tan importante como la Arena de Verona, en la que hice siete funciones de “Aida” con gran éxito; y ahora estoy ilusionadísima con mi debut en La Scala de Milán, con “La Odabella de Attila”. Tengo compromisos en la Ópera de Seattle, también con Attila, el Covent Garden de Londres con Nabucco, la Opera de París con Aida, !una maravilla!

- ¿Qué es para ti la ópera?

- Es el motivo por el cual me he esforzado tanto; es la más completa de las manifestaciones artísticas en la que se unen la palabra y la música para hacer llegar al oyente una historia y sentimientos. Para hacer ópera es necesario reunir a mucha gente, la orquesta, los cantantes, el director musical, el director de escena, el escenógrafo, los figurinistas, maquilladores, peluqueros, técnicos de luces, regidores, tramoyistas, entre otros. Es un trabajo que se hace en equipo, es muy bello todo lo que hay detrás del espectáculo, la preparación concienzuda que se realiza hasta ofrecerlo al público, y echar los lagrimones cuando mueren los protagonistas, como Dios manda (risas).

- Ahora que alternas con tantos colegas importantes, que sientes los aplausos del exigente público europeo.Cómo ha cambiado tu vida?

- Después de doce años en un país que no es el propio, teniendo que aprender de nuevo un oficio, buscando la forma de sobrevivir, no se puede ser la misma persona. Obviamente está la base que te da tu hogar y tu entorno familiar; afortunadamente tengo una familia maravillosa que me ha apoyado siempre, siempre. Unos padres que me han inculcado firmes valores de trabajo y honestidad, de humildad y compasión hacia el prójimo, eso me acompañará toda la vida. Pero con los años y la experiencia uno va soltando tonterías. Me refiero a que las cosas se maduran, que no se pueden cometer los mismos errores siempre. Digamos que sigo siendo la misma Ana Lucrecia, pero ahora sé de donde vienen las cosas y lo que hay que hacer con ellas, que no es poco!

Además de los roles antes mencionados, Ana Lucrecia acaba de debutar en el Palau de las Artes Reina Sofía de Valencia, España, en el rol de Elena de la Opera Mefistófeles de Arrigo Boito, con gran éxito de crítica y público y anteriormente hizo lo propio en la Opera de Frankfurt, encarnando a la Isabel de Valois, princesa de Francia, del Don Carlos de Verdi. En Venezuela es esperado su debut en este rol como también en el de Tosca de Puccini, opera que montará el Teatro Teresa Carreño a finales de este año.

Marielys Molina y George Akram, brillan en Broadway

2011-06-15T19:27:00.000+02:00

En Times Square siempre es de día. Incluso la noche más oscura del invierno se ilumina gracias a los millares de bombillos que enmarcan los sueños del mundo entero. Justo allí, en el corazón de Broadway, dos artistas venezolanos cuelgan sus nombres de las marquesinas y cada noche hacen soñar al público con sus interpretaciones. Marielys Molina y George Akram han logrado una meta que muchos anhelan y pocos alcanzan: protagonizar un musical en La Gran Manzana.

Broadway con V de Venezuela

Eloísa Maturén elomat@gmail.com / @elomat
Fotografías Luis Cobelo / Nueva York

La ascensión de Marielys

Sube el telón y suena la voz aterciopelada de Frank Sinatra. Se esboza una sonrisa en el rostro de la audiencia: la noche será memorable. Tras algunos compases que sirven para presentar a los diferentes personajes que darán vida a la obra, entra al escenario una morena de cabellos revueltos y andar felino. Es la más pequeña en estatura del grupo, pero sin poder evitarlo, los ojos irremediablemente empiezan a seguir su andar. Marielys Molina interpreta el rol de Kate, una mujer sexy, hermosa, chispeante y llena de energía. Es primera figura en el musical Come Fly Away y lo vive con la comodidad de su propia piel.

Molina empezó a estudiar ballet con Xiomara Vasconcellos, quien fue su mentora y maestra.

Siempre supo que su vida sería bailar. A los 16 años conoció el jazz cuando audicionó para el ballet de RCTV y fue amor a primera vista. "Casi al mismo tiempo conocí a Anita Vivas y a Antonio Drija. Con ellos descubrí lo que era Broadway. Justo en ese momento entendí que un musical involucra todos los estilos de danza, además de actuar y cantar, así que dije: esto es lo que yo quiero hacer".

Broadway se convirtió en un anhelo, por lo que empezó a considerar la idea de lanzarse a la aventura y probar suerte. "Recuerdo que lo conversé mucho con Anita Vivas y ella sólo me decía `Nueva York es tu lugar’. Me costó mucho tomar la decisión porque no quería dejar a mi familia, pero finalmente empaqué mis maletas". En el año 2000, aterrizó en la Gran Manzana.

Los comienzos suelen ser adversos. "No tenía mucho dinero y además no hablaba ni una palabra de inglés. Yo ni siquiera sabía que `Hi’ y `Hello’ significaban lo mismo", cuenta, sonríe ampliamente y se detiene un segundo a recordar como si estuviera reviviendo aquellos momentos. "Pero no tuve miedo. Tuve la sensación de que finalmente había llegado al lugar que debía".

Mientras se adaptaba a su nuevo hogar, empezó a trabajar en un show pequeño fuera de Broadway apoyándose en la danza, ese lenguaje universal que no conoce las barreras del idioma. "En esa época empecé a trabajar en un Dunkin Donuts y a veces no entendía lo que pedían los clientes, pero con señas resolvía", agrega entre risas.

Así llegó la primera oportunidad: una beca que obtuvo en el Broadway Dance Center, una de las escuelas más importantes de Teatro Musical de la ciudad.

"Gracias a eso pude tener clases durante seis meses de los más diversos estilos, cosa que no habría podido hacer por mi cuenta porque las clases eran muy costosas.

Así pude entrenarme y conseguí mi primera audición. Era la primera vez y no tenía nada preparado. Creo que el tema que canté fue `Cumpleaños feliz’ en español".

La prueba dio resultado.

"Conseguí mi primer trabajo en Broadway, el espectáculo se llamaba Swing y el estilo era de baile de salón. Luego de una temporada en Nueva York, empezamos una gira que nos llevó por muchas ciudades de Estados Unidos".

Uno de los momentos más difíciles fue afrontar el final de ese primer contrato. "Te empieza a agobiar la incertidumbre.

Sólo puedes pensar en que no tienes trabajo". Para ocupar su tiempo empezó a estudiar hiphop y encontró un nuevo cauce para su talento. "Comenzó una temporada muy enriquecedora en la que tuve la oportunidad de bailar con artistas como Puff Daddy, Beyoncé, Nelly Furtado, los premios MTV, Jay Leno, Saturday Night Live. Después de esa etapa volví a Broadway con un espectáculo llamado Sweet Charity of Broadway, con coreografía de Bob Fosse, otra leyenda del teatro musical".

Antes del musical en el que ahora destaca, tuvo un momento de duda. "Justo antes de empezar, se presentó una disyuntiva en mi vida", cuenta la bailarina venezolana. "A mí me gusta mucho cocinar así que pensé que de pronto era buena idea ponerme a estudiar para ser cocinera".

Sin embargo, Molina decidió dejar los fogones a un lado por el momento y se presentó a una audición tras recibir una llamada de la coreógrafa Twyla Tharp, una de las figuras más reconocidas de la danza a nivel mundial.

"Yo había perdido la oportunidad de trabajar con ella en 2003. En ese momento estaba arreglando los papeles. Desde entonces me quedé con las ganas de bailar sus coreografías y la vida me dio un segundo chance. Me fui a la audición y al principio me sentí un poco fuera de lugar. Todos eran bailarines de las compañías más importantes de Nueva York: American Ballet Theatre, el New York City Ballet. Por un instante pensé: `¿Qué hago yo aquí?’ Pero mi instinto fue seguir adelante. Me llamaron a otra audición y a los pocos días me dieron la noticia de que había quedado en el show". A estas alturas, puede hacer un balance. "He sido muy afortunada. Ahora, después de 10 años, tengo la certeza de que cuando termina una etapa, hay otra nueva oportunidad esperando a la vuelta de la esquina y lo único que hay que hacer es mantenerse trabajando en lo que se ama.

Cada día es una nueva aventura.

Trabajar en Broadway es una experiencia enriquecedora desde todo punto de vista porque te enseña a luchar contra tus miedos, a valorar cada vez que sube el telón el tener la oportunidad de presentarte ante el público. Si tuviera que definir Broadway en una sola palabra diría: magia".

Cuando Dios tiene planes

Antes de entrar en el torbellino que ha significado para su vida protagonizar uno de los musicales más importantes de todos los tiempos, West Side Story en el Palace Theatre, la vida de George Akram tenía esa incertidumbre muy propia de los vientos de cambio. Acababa de cerrar su apartamento en Miami y se disponía a emprender un viaje a la costa Oeste a probar suerte en Hollywood, porque actuar siempre ha sido un anhelo. Ese era el plan hasta que recibió una llamada que cambiaría el curso de la historia. Sonó el teléfono y al otro lado de la comunicación se encontraba Marielys Molina anunciándole que el musical West Side Story volvía a Broadway con una nueva producción y las audiciones estaban andando. "Me habló de las audiciones y recuerdo que me dijo `George, ellos te están buscando, sólo que todavía no lo saben’. Pero justo ese día eran las audiciones en Nueva York y yo estaba en Miami, así que me las perdí".

En ese momento, el plan de viajar a Los Angeles pasó a ser el plan Z y la prioridad fue lograr una audición a como diera lugar. "Este es uno de mis musicales preferidos, me gustaba desde niño y formar parte de él fue siempre mi sueño.

Traté de ponerme en contacto con varios agentes de Broadway para que me apoyaran, pero por supuesto nadie me hacía caso".

Como la vida está llena de paradojas, una de esas agencias que en algún momento no devolvió su llamada, hoy representa la ascendente carrera de Akram.

Una mañana, mientras manejaba, recibió la llamada de una amiga que le anunció que una nueva audición para el musical se llevaría a cabo en Las Vegas al día siguiente. "En ese momento hice literalmente vuelta en U y con lo que tenía puesto, me fui directo al aeropuerto, compré un pasaje a Las Vegas con millas porque no tenía dinero y a la mañana siguiente me presenté en la audición. Después de esa, tuve dos audiciones más en Nueva York y cada vez había menos gente. Tras esa cuarta audición me anunciaron que el papel de Bernardo era mío".

En octubre se cumplieron dos años desde que Akram le presta su cuerpo y su alma a Bernando durante ocho funciones a la semana.

"Este es un trabajo muy exigente porque cada vez que sales al escenario tienes que dar el 200%, como si fuera la primera vez. Creo que la única manera de formar parte de Broadway y ser feliz en el intento es hacerlo con amor. Aunque suene cursi, tienes que estar absolutamente enamorado de lo que estás haciendo".

La película West Side Story, o Amor sin barreras como se conoce en español, protagonizada por Natalie Wood, se alzó con 10 premios Oscar en el año 1961. Y en Broadway ha sido uno de los musicales más exitosos de los que se tenga recuerdo.

La vocación de Akram viene de familia. "Yo crecí bailando en la academia de mi mamá y mi papá (Anita Vivas y Antonio Drija) y por supuesto la danza es algo que aprendí a adorar desde que estaba en el vientre de mi madre. El baile lo llevo en la sangre".

El camino para llegar estuvo empedrado. "Llegué a Estados Unidos cuando tenía 17 años, al día siguiente que terminé el bachillerato, y me fui a vivir a Miami.

En algún momento tuve que trabajar disfrazado de Barney, bajo el sol abrasador de Miami. Pero agradezco enormemente esas experiencias. Tengo una foto con mi disfraz de Barney pegada en la nevera para recordar cada día todo lo que he vivido y así valorar lo afortunado que he sido".

Por ahora, seguirá caminando las calles de esta ciudad como un "new yorker" más, pero no descar- ta volver a Venezuela y participar en algún proyecto. "Sé que el cine venezolano ha tenido un auge importante en los últimos años y sería genial pasar una temporada en Venezuela actuando. Me encantaría hacer una película en mi país".

Fuente:
Todo en Domingo

Reverón, la película de Diego Rizquez

2011-06-10T14:17:00.001+02:00

De Reverón se ha escrito y dicho mucho. Y sin embargo, para una gran cantidad de venezolanos, su nombre sigue siendo poco más que una sonoridad. A la mayoría les suena, pero realmente no saben quién es. Si preguntas en la calle, de seguro te encontrarás con gente que reconoce al pintor, al loquito de Macuto, al tipo de la barba y el sombrero que hace poco cumplió 122 años, pero poco más. Si le preguntas al cineasta Diego Rísquez, te dirá que hay más que ver detrás de la barba.

Por Carlos “Caque” Armas
Revista Sala de Espera

“Nuestra historia formal ha olvidado a personajes como él y creo que mi película ayuda a entender mejor al hombre detrás del mito, siento que la gente lo va a querer investigar más después de verla. Cuando hice Manuela Sáenz (2001), ella era sólo un nombre sin rostro para muchos venezolanos y Beatriz Valdés, luego de mi película, se convirtió en ese rostro para las masas, allí redescubrieron un personaje. Creo que el arquetipo de Reverón se va a desmontar con esta película.”

No es primera vez que Rísquez dedica un filme al pintor venezolano más famoso del mundo, ya en 1978 rodó A Propósito de la Luz Tropical y en 1994, Karibe con Tempo, además de obras plásticas donde se revela como todo un “groupie” del artista.

“Me enamoré de su capacidad de crear un universo propio y aislarse en él, allí en su refugio, El Castillete. De eso y de su relación con Juanita, una relación nada convencional; su formación con los grandes, su período blanco (…) Por primera vez en el continente se pone un artista a la orilla del Caribe y llega a una antítesis de lo que se creía era el colorido caribeño: El blanco domina todos los colores. Es algo que sólo percibe el que ha vivido ahí. Todo es visualmente muy interesante.”

Para Rísquez, plantearse una película biográfica sobre un personaje que realmente existió, implica buscar todo sobre ese personaje. Vio “pa? tras y pa? lante”, en cámara lenta, cámara rápida y cuadro por cuadro los documentales de Margot Benacerraf (1952), Roberto Luca (1945) y Edgar Anzola (1934); detalló las fotografías de Boulton y Razzeti; tripeó con el libro Los Fantasmas y Demonios de Armando Reverón de Calzadilla, leyó la entrevista que le hizo Oscar Yánez antes de su muerte y encima de toda esa investigación, le puso el toque Rísquez.

“Tampoco la película pretende ser una biografía, no soy historiador. Hay libertad creativa pues me interesa que hayan varios niveles de lectura, el primario, para la gran mayoría del público y otro, con un poco más de guiños para el que sabe y ha leído de Reverón.”

- Dices no ser historiador y sin embargo, tus últimas tres películas han sido sobre personajes históricos venezolanos. No eres el único, el biopic y la épica venezolana han gozado de cierta popularidad los últimos años, ¿A qué crees que se debe esto?

- Desde 1999, cuando llega Chávez al poder, hay como una vuelta al siglo XIX. Si hay una constante en mi filmografía, es que en todas mis películas estoy buscando una identidad del país, una inquietud de buscar en nuestro pasado para entender nuestro presente. Quiero que nuestra filmografía hable de nosotros y si alguien ha sido pionero en visitar cinematográficamente el siglo XIX, he sido yo.

Sus próximos proyectos puede que tampoco se distancien mucho del tema. Luego de Reverón, Rísquez planea abarcar el tema de la resistencia indígena pero como una ópera.

Castillete en Todasana

Las películas de Diego Rísquez siempre han estado ligadas a las artes plásticas y él mismo dice haber sustituído el pincel por la cámara. Algunos recordarán aquel cameo que realizó en su Francisco de Miranda, donde pintaba in situ el famoso cuadro de la firma del acta de independencia mientras Luis Chataing y Tareck William Saab hacían cola para firmarla. Tan kistch como suena, es innegable que Rísquez ha sido constante con su estilo cinematográfico, firmemente ligado a su faceta de director de arte. Por eso Reverón le cae como anillo al dedo.

Luego de la tragedia de Vargas en 1999, El Castillete de Reverón quedó totalmente destruído. Diego Rísquez, con dinero de su propio bolsillo, tardó dos años en levantar una réplica en Todasana, que al ser visitado por la cineatsa Margot Benacerraf, que vivió en el Castillete original, dijo: “No es el castillete, pero en atmósfera, se siente como si lo fuera”.

Luigi Sciamanna, El Hombre Detrás de la Barba y el Pumpá

En los setenta y ochenta, era difícil encontrar una cinta donde no estuvieran Miguel Ángel Landa y Orlando Urdaneta. En ese entonces, ellos eran las superestrellas del cine venezolano. Hoy ese título recaería sobre Edgar Ramírez, Erich Wildpret y muy de cerca, repuntando de manera constante, un actor cuyo trabajo no pasa desapercibido. Luigi Sciamanna, quien se ha hecho un nombre a cuenta de una gran cantidad de papeles secundarios que se roban el show y el protagonismo en obras de teatro y el telefilm Sucre, donde interpretó al mismísimo Gran Mariscal.

A pesar del pelero facial que siempre ha caracterizado a Reverón, sonaba extraño imaginarlo siendo interpretado por un actor calvo. Rísquez tenía sus dudas, pero no fue hasta que lo vio actuando con barba en la obra de teatro Los Productores, que quedó convencido de que podía meterse en la chiva de este mítico personaje.

“Luigi es renacentista, es capaz de todo. Canta y escribe obras de teatro. Además ya había hecho un gran papel en mi Francisco de Miranda”, Cuenta Rísquez, “Él tiene unos rasgos físicos tan característicos, que nunca le dan un rol protagónico, pero es un gran actor. No se parece en nada a Reverón, es calvo, nariz aguileña, ojos de otro color, pero conseguimos una gran maquilladora española. Luigi hasta escribió parte del guión, de ahora en adelante tendremos una relación Scoresse/De Niro.”

Para Luigi, la experiencia significó un viaje por vías paralelas entre las demandas físicas y las demandas intelectuales y emocionales del personaje. “Abordas el personaje con la decisión de quien se lanza al mar desde un acantilado. Reverón es un viaje hacia el laberinto, la profundidad, la sombra, la enfermedad, el amor, el dolor, la creatividad, la luz, la religión, el mito, la familia, la naturaleza, la amistad, la locura. Muy intenso, muy intenso. Tanto física como espiritual, emocional y psicológicamente. El intercambio con Diego Rísquez, Sheila Monterola, el equipo técnico, mis colegas actores Diana Volpe, Héctor Manrique, Antonio Delli, Adrian Delgado, Anabela Troconis, MIrtha Borges, Luís Fernández, Prakriti Maduro. Los sonidos de la naturaleza; el mar, el sudor; la disciplina del trabajo; la camaradería; la vegetación; la gente de Todasana (...) Cuando abordas el personaje en el set lo llevas a otra dimensión.”

- Tus aportes a la escritura del guión, ¿Fueron hechos de forma conjunta con el guionista Armando Coll o consistió en aportes posteriores a su entrega final?

-Recibí el personaje en 2009 y no fue sino hasta marzo 2010 cuando por sugerencia de Marialejandra Yépez, asistente de dirección y script, que Diego se decidió a que participara como co-guionista. El trabajo lo hice a solas. La primera etapa de escritura corresponde a Armando Coll y Diego; la segunda me corresponde y Diego siempre supervisando. La mayor parte del trabajo consistió en reestructurar al personaje central, ahondar en su relación con Juanita, los amigos que lo frecuentan y agregar algunos personajes que en la primera versión no existían. La estructura escrita por Coll tiene la virtud de estar basada en las acciones más que en el diálogo, incorporó la radio como referente del “afuera” y esbozaba un Reverón más silente que parlante y ante todo ejecutante. Muy valioso. Cuando entré como guionista el trabajo se hizo bajo enorme presión por el poco tiempo. Llegó un momento en que estaba desesperado por dejar de ser guionista y volver a ser actor porque, aunque parezca una enorme contradicción, para escribir debí distanciarme del personaje, para verlo desde afuera y proyectarlo dentro de su espacio, sus amigos, el entorno. Además de que no me gusta escribir bajo presión; me causó bastante angustia, pero reconozco que fue un ejercicio maravilloso, que me permitió desde la hoja escrita blindar al personaje.

- También Reverón te ha permitido mostrar tus dotes de cantante…

- Cantar el tema de amor de Reverón es algo que ni en mis sueños más delirantes habría podido imaginar. Todo fue producto de la presión. En el lugar donde se escucha ahora la canción Niña Dulce iba otro tema, pero los derechos de la disquera para usarlo no terminaban de salir. Fue entonces cuando aAlejandro Blanco Uribe, compositor de la música de la película, se le ocurre la idea de ponerme a cantar. En una semana agarré unos viejos intentos de poesía que tengo guardados y combinándolos con las imágenes de la película escribí la letra de la canción (…) Me gustaría cantar más. Creo que soy un buen crooner. En efecto mi repertorio es el jazz. Lo creas o no (risas).

- ¿El mayor reto de esta producción para ti?

- Interpretar a Reverón, co escribir, componer, cantar...¿Qué más quieres? Me faltó sólo interpretar a Pancho, el mono de Reverón.

Otras fuentes:
Reveron

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Jose Luís Gómez Rios, Venezuela brilla en Fráncfort

2011-06-08T15:54:00.000+02:00

El director de orquesta de 32 años de edad, nacido en Venezuela es el quinto ganador de la Competencia Internacional de los conductores de ' Sir Georg Solti . José Luis Gómez Ríos se presentó en público en un oncierto en la Antigua Casa de la Opera de Frankfurt contra los otros dos finalistas.

Ana María Hernández G.

EL UNIVERSAL

jueves 16 de septiembre de 2010

Su nombre es José Luis Gómez, tiene 32 años, es director de orquesta, y el pasado 12 de septiembre fue galardonado con el Primer Premio del V Concurso Internacional para Directores de Orquesta Sir Georg Solti, que tuvo lugar en el auditorio Alter Oper de la ciudad alemana de Fráncfort, y ante un aforo de 2.500 personas.

Es la primera vez que un venezolano obtiene el galardón, que, además del monto de 15 mil euros, le brinda a José Luis Gómez la oportunidad de dirigir las orquestas de la radio y de la ópera de Fráncfort.

-¿Cómo llega a la dirección orquestal?
-La dirección fue siempre una inquietud que surgió desde que era muy pequeño, sobre todo porque he tenido la grandísima oportunidad de empezar saboreando lo maravilloso que es tocar en un conjunto orquestal, en mi caso como violinista. Luego empecé a estudiar dirección, afortunadamente bajo la tutela de un gran maestro como Lü Jia, quien me ha inculcado claros fundamentos técnicos, pero además profundizando una grandísima sensibilidad y sobre todo comunicación con la orquesta.

-Dicen que los maracuchos son versátiles en la música, que hacen de todo... ¿Usted cultiva también lo popular?
-Mi amor por la música ciertamente no se queda solo en la música académica, ¡ni mucho menos! Me encanta la música popular venezolana. De hecho, con Alexis Cárdenas, que es un gradísimo amigo, he tenido la ocasión de tocar e improvisar juntos. Y también me encanta el jazz, el pop y... ¡hasta el heavy metal! ¡Soy un fan incondicional de Iron Maiden!

-Va a debutar dirigiendo ópera. ¿Qué le atrae de este género?

-He tenido la suerte de que mi maestro, el director de origen chino Lü Jia, es un experto en la ópera. Y con él he trabajado este género que me atrae muchísimo, ya que es una suma fantástica y sublime del teatro y la música. Es un trabajo muy duro, pero que supone una satisfacción y realización únicas. Pero tengo mucha ilusión, porque es posible que se materialice en enero del próximo año en Italia con Le nozze de Figaro de Mozart.

-Con este premio en sus hombros, ¿cómo vislumbra su futuro? ¿Concursará para un puesto fijo en alguna orquesta?

-Con diferentes oportunidades que me van surgiendo y más aun con el honor que supone haber ganado el concurso Solti, proseguiré ampliando mi experiencia y capacidades en el campo sinfónico, que es afortunadamente un campo que conozco bien desde mi época como instrumentista; así como con la experiencia que me dejó ser miembro de la Orquesta Sinfónica de Tenerife y además de haber sido miembro de la Gustav Mahler Juggend Orchester en la que pude trabajar bajo la batuta de grandísimos maestros como Claudio Abbado, Mariss Jansons, por citar algunos. Ahora todo lo que viene es trabajar duro, aprender, mejorar y, sobre todo, siempre disfrutar de hacer música en conjunto.

-¿Cuánto pesa la figura de Gustavo Dudamel?

-Gustavo Dudamel es una inspiración constante para todos nosotros, es sin duda una clara imagen de la genialidad hecha persona, de la simplicidad y humildad de alguien que siente la música más allá de las fronteras. Para nosotros lo directores jóvenes es un ejemplo a seguir y es garantía de que un arte como la música que ha existido durante siglos seguirá existiendo y acercándose a más y más personas. Creo que todos vamos en su dirección, porque él es sin duda referente e ideal de dedicación y espontaneidad.

amhernandez@eluniversal.com

Gloria y vida

EL UNIVERSAL

jueves 16 de septiembre de 2010
- En esta edición del Premio Solti participaron 576 aspirantes de 75 países. El jurado estuvo formado por sir Roger Norrington y el pianista y director Christian Zacharias.

- José Luis Gómez nació en Maracaibo, Venezuela. Realizó estudios musicales en su ciudad natal y en la Manhattan School of Music de Nueva York. Fue concertino de la Orquesta Sinfónica Juvenil del Zulia y de la Sinfónica de Maracaibo. En 1998 se traslada a España, donde es miembro de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, dirigida por su maestro Lü Jia, de origen chino.

Sin olvidar sus raíces

Noticiero Cultural

José Luis Gómez Ríos se presento en el auditorio “Alter Oper” ante 2.500 personas (Foto: Anna Meuer)

José Luis Gómez Ríos nació en Maracaibo, donde inició sus estudios de violín formando parte del Sistema Nacional de Orquestas. Perteneció a las Orquestas Sinfónicas del Zulia y de Maracaibo y fue concertino de la Orquesta Sinfónica Juvenil de esa región.

Es de familia española, por lo que cuenta también con dicha nacionalidad, pero nunca olvida sus raíces. “Es un verdadero honor poder llevar el nombre de nuestro hermoso país por todo el mundo, y sobre todo el cariño tan especial que representa la tierra que me vio nacer y crecer”, comentó Gómez Ríos, “de momento mi actividad está localizada aquí en Europa, pero me encantaría y enorgullecería poder participar en algún proyecto en mi querido país”.

“Todavía recuerdo mis primeros ensayos con la Orquesta Juvenil del Zulia, recuerdo nuestra primera gira a Caracas en la que yo era el violín concertino y haber tenido el honor de conocer al Maestro José Antonio Abreu, quien es el genio absoluto de este proyecto que es referente mundial y un orgullo para todos nosotros”, afirmó que ha seguido ”con muchísima ilusión y admiración la evolución e impacto mundial” de El Sistema, además de sentirse orgulloso por haber formado parte del mismo.

Para él, el auge de la música clásica gracias a El Sistema venezolano “es el más bello fruto del trabajo, ahínco e ilusión que día tras día demuestra lo maravilloso de la música, lo maravilloso que es crear y compartir un arte que no solo se queda en las grandes y pomposas salas de conciertos del mundo, si no que llega a cada uno de los rincones y corazones de todos los Venezolanos”.

Fuentes:
El Universal
Noticiero Cultural
Deutscher Musikrat

Omar Pereney: El chamo del fogón

2011-05-31T19:52:00.000+02:00

Recién cumplió 16 años y ya es una figura de la gastronomía gracias a su programa “Yo cocinero”, transmitido por Gourmet TV. La casualidad y la curiosidad marcaron el destino de Omar Pereney

Revista Dominical

A los 12 años, Omar mostró su interés por la cocina e hizo lo que cualquier curioso haría: empezar a indagar. ''Entré a trabajar en un restaurante casi que por casualidad. Como mi papá era amigo del dueño, le dije que a mí me gustaba la cocina y que quería trabajar allí, y él me respondió que estaba bien, así como cuando se dice: `Está bonito tu carro´, y te responden, `está a la orden´, pero más como un decir porque sabes que no te van a pedir el carro al día siguiente; pero yo le tomé la palabra, y durante una semana lo llamé todos los días y comencé a trabajar allí jueves, viernes y sábado’’.

Así se inició Omar Pereney en la cocina, de la mano de la casualidad y la curiosidad. Él señala no tener ni siquiera familiares cocineros. “Me encantaría tener una historia fantástica de cómo comencé, algo así como que ‘un día me desperté y había soñado que mi misión en la vida…’, pero no, uno con doce años lo que tiene son curiosidades”. Con su breve edad Omar ha ganado una importante experiencia en varios restaurantes de Caracas, como Sibaris, Mocambo, Antigua, Tragaluz y Siete Mares.

- ¿Cómo comenzaste en la TV?

- Mi papá le escribió un correo a la gente del canal y casualmente ellos estaban buscando una figura joven. Así que fue un poco de suerte y otro de movimiento. A ellos les venía resultando difícil conseguir a un chamo que fuera cocinero, incluso como no conseguían estaban viendo si enseñaban a cocinar a la gente joven, porque querían a un animador que le diera frescura al canal. Me hicieron una prueba de cámara y quedé. Fue todo muy rápido.

- ¿Cuáles son los platos que más te gusta preparar?

- Primero, tienen que ser platos integrales y tener un poco de todo. Yo como cocinero venezolano y joven me parece que lo más interesante y honesto es llevar a todos lados la propuesta de la cocina venezolana, y eso es lo que hago. De hecho todas mis ponencias en Panamá en Perú están asociadas a la cocina venezolana.

- Tus conocimientos de cocina entonces provienen más que todo por trabajar en restaurantes, y no de la academia.

- Vienen en un 70% de formación empírica, propiamente del oficio, porque la cocina es totalmente práctica, y manufacturada, por decirlo de alguna manera; y el 30% restante es de la formación académica. Yo no tengo título de ninguna escuela porque en Venezuela tienes que tener más de 18 años para que te puedan reconocer en una escuela formalmente. He estudiado por mi cuenta, he hecho muchos cursos, pero no tengo títulos y eso hasta me gusta porque soy un cocinero de formación y oficio como casi todos los que dan clases en las escuelas de cocina, porque las escuelas son relativamente nuevas, la cocina siempre se enseñó de otra manera.

- Y cuando pienses estudiar, ¿dónde te gustaría hacerlo?

- En una escuela de Nueva York, en París.

SIN ABURRIRSE

- ¿Qué otra gastronomía del mundo te llama la atención?, tal vez para fusionar con la venezolana…

- El pilar de la gastronomía en gran parte del mundo tiene que ver mucho con nociones francesas porque fue lo que nos enseñaron. Pero me llama la atención que me lo preguntes, porque los venezolanos me dicen “y después que hagas comida venezolana, ¿qué vas a hacer?”, y eso en cierto modo es menospreciar la comida venezolana, yo siempre exaltaré nuestra cocina.

- ¿La gastronomía venezolana te parece que es muy compleja o se te hace más simple?

- Para el argentino se le hace más fácil cocinar lo argentino y para el venezolano cocinar lo venezolano, por eso en cada país es más vital que sus propios ciudadanos proyecten su gastronomía internacionalmente.

- ¿Qué es lo que más te gusta preparar? ¿Tienes un plato favorito que repites mucho?

- No me gusta repetir tanto porque me aburro. Me ha tocado hacer el asado negro muchísimas veces porque es muy representativo de Venezuela. Me resulta muy fácil cocinar para muchas personas; en Perú lo hice para 1.000 personas. Sin embargo, siempre que hago una degustación de comida venezolana recibo muy buenas críticas. Esos sabores agridulces, nuestros estofados, mezclas con chocolate. Nosotros tenemos que explotar eso porque de lo contrario estamos en problemas.

SIN PLAN B

- ¿Qué cocineros admiras?

- Bien que me preguntas así, y no, ¿qué chef quisieras ser? Porque te diría que como yo, quisiera ser una combinación de muchos, pero no como uno en específico. Admiro mucho en Venezuela a Héctor Romero, a Juan Carlos Bruzual, que es el panadero de Venezuela; en pastelería a Wendoly López. De los internacionales es ahora que estoy comenzando a conocerlos. En Panamá conocí a Marcelo Tejedor que trabaja en Galicia y tiene dos estrellas Michelin, a Roger Rodríguez que ha abierto más de 38 restaurantes con su nombre. Me falta mucho por conocer aún.

- ¿Te imaginas a futuro únicamente dedicado a la cocina?

- Nunca me puse a pensar qué otra cosa pudiera dedicarme, es decir, no tengo un plan B, eso podía ser malo, o no; pero la gente no va a dejar de comer nunca. Hay muchos papás que aún tienen el prejuicio cuando los hijos les dicen que quieren estudiar cocina, y les preguntan: ¿por qué no estudias algo serio primero? Puede ser que estudie algo que me sirva y complemente mi carrera, como mercadeo o publicidad.

- Por lo que comentas que en Venezuela no se mira con muy buenos ojos lo de dedicarse a la cocina, cómo ha sido la relación con tu familia.

- En un principio estábamos peleando dos: mi papá y yo. Ahora todo ha cambiado, y creo que tanto yo como muchos cocineros estamos abriendo un espacio diferente para la nueva generación que se quiere dedicar a la cocina, para que lo de ser cocinero no tenga una mala connotación y que esté bien alejado de ser un tabú como lo era antes.

- ¿Y con tus amistades?

- Este año no sé cómo me va a ir, porque tuve desde primer año hasta el cuarto en el mismo colegio, pero este año me tuve que cambiar, y con ellos estaba todo bien porque me conocen desde muy joven incluso antes de comenzar a hacer TV, y ahora con el nuevo colegio veré qué sucede.

- ¿Ya te reconocen en la calle?

- Sí, en Venezuela, y en Buenos Aires aún más.

- Si pudieras definirte con un sabor, o con un ingrediente, ¿cuál sería?

- Papelón.

- ¿Por qué?

- Bueno una vez hice acá en El Palomar en un restaurante de un amigo cocinero una degustación y armé un menú venezolano muy rápido, y cuando armé los platos me di cuenta de que todo tenía papelón, y eso es lo que más me gusta, porque puedes hacer de todo con él. Puedes hacer papelón con limón, arepitas dulces, mandioca, un asado negro que lo quemas con papelón, polvorosas de pollo que el guiso tenga papelón. Siempre gusta porque su sabor es muy adaptable.

- ¿Qué te parece la gastronomía argentina?

- La Argentina tiene algo que tiene Venezuela, porque ha presentado la inmigración de muchísimas culturas. La cocina de este país del sur está más basada en lo que tienen y lo que más fuerte tienen es la carne, y se han desarrollado siempre alrededor de ella, con su producto estrella: el asado. Y si algo influye en la gastronomía argentina es que no tienen raíces aborígenes bien arraigadas, ni tampoco lo africano, bien diferente entonces a lo que somos en Venezuela.

RECETAS

Asado Negro sobre puré de plátano y ajo porro glaseado

Ingredientes:

1 Muchacho redondo de 1,5 kg aproximadamente, 1 taza de aceite vegetal, 1 taza de papelón molido, 2 cebollas, 2 cabezas de ajo, 1 kg de tomate, orégano, ½ taza salsa inglesa, 2 litros de vino tinto, sal, pimienta, 2 plátanos maduros (con la piel amarilla, no negra), 150 gr de mantequilla, 50 gr de crema de leche, nuez moscada, ralladura de limón (opcional), 2 ajo porros (puerros) bebé.

Preparación del asado

- Hacer una marinada con la cebolla, el pimentón, el ajo y el tomate rayados, el vino tinto, la mejorana, salsa inglesa, sal y pimienta.

- Dejar el muchacho dentro de la marinada por 24 horas en la nevera.

- Sacar la pieza y sellar muy bien en un caldero con aceite vegetal, agregar el papelón rayado y dejar caramelizar muy bien.

- Cubrir con la marinada, y dejar cocinar a fuego medio al menos por 3 horas. Agregar, de ser necesario, más agua.

- Retirar el asado de la salsa cuando esté bien suave, y cortar en ruedas.

- Terminar la salsa con sal, pimienta y mantequilla helada.

Preparación del puré de plátano
- Cocinar los plátanos maduros en agua hasta que estén blandos.

- Retirar del agua, cortar transversalmente y retirar las semillas y venas.

- Procesar con mantequilla, nuez moscada, crema de leche si es necesario, sal, pimienta y ralladura de limón (opcional).

Terminación

- Glasear unos ajo porros bebé en mantequilla y sal.

- Servir en un plato llano blanco, el puré de plátano, la rueda de asado negro bañada en su salsa y el ajo porro glaseado.

- Salsear el plato

Pastel de Chucho

Ingredientes:

1,5 kg de cazón fresco o chucho salado, 1 cebolla, 6 ajíes dulces, 2 pimentones, 2 ajo porros (puerros), 2 ramas de cebollín, 2 cabezas de ajo, ½ taza de alcaparras bebé, ½ taza de aceite onotado, 4 plátanos maduros, 1 taza de melado de papelón, 500 gr de queso blanco rayado, 6 claras de huevo, aceite vegetal, sal y pimienta

Preparación del chucho

- Desde la noche anterior, sumerja el pescado seco en agua fría, y cada cierto tiempo cambie el agua. Repita este proceso varias veces.

- Cocinar el chucho en agua por una hora aproximadamente, desprender la piel y separar la carne de los huesos, dejar enfriar para luego desmenuzarlo.

- Aparte en un sartén, realice un sofrito con el aceite onotado, la cebolla, el pimentón, el cebollín, el ají dulce, el ajo porro y el ajo. Sofreír a fuego lento, y cuando se haya cristalizado agregar las alcaparritas bebé.

- Una vez listo el sofrito, se le incorpora el chucho desmenuzado, se cocina un par de minutos más, se rectifica con sal, pimienta y cilantro picado. Enfriar el guiso.

- Para armar el pastel, coloque en una fuente de horno (RK) una capa de plátano, una de queso, una de papelón, una clara y una de pescado. Repetir el procedimiento hasta llegar al tope de la fuente. Debe terminar con una capa de plátano (los cuales ha freído previamente), claras batidas, papelón y queso.

- Llevar al horno a 250ºC por 20 minutos.

Su blog en la red: http://omarpereney.blogspot.com/

Yolanda Mendez, un rostro dificil de olvidar

2011-05-30T12:22:00.000+02:00

La eterna madre, a veces malvada y a veces no tanto. La áctriz venezolana de carácter, elegante y de rasgos marcados. Desde el 22 de diciembre de 2010 será muy recordada entre el público venezolano por sus actuaciones tanto en radionovelas como en numerosas telenovelas de y unitarios de la Televisión.

Toda una Dama de la actuacion.

Yolanda nació en Barquisimeto, estado Lara-Venezuela, e incursionó en la farándula desde muy joven como cantante y bailarina en las principales salas de La Habana, Cuba. Luego tuvo una destacada participación en el cine venezolano y mexicano junto a otras grandes figuras de la actuación.

En Venezuela, la actriz trabajó por muchos años en diversas radionovelas que se hicieron favoritas entre la audiencia del país a través de Radio Rumbos y compartió espacios con Amador Bendayán, en su recordado programa radiofónico “El Bachiller y Bartolo”.

Debutó el primer día que salió RCTV al aire. Fue bailarina, cantante y actriz. Viajó por las Islas del Caribe con el nombre de Yoli Mar.

Pasó por CVTV (canal 8) y Venevisión. trabajó con figuras estelares de la televisión nacional de la talla de Víctor Saume, Amador Bendayán, Héctor Monteverde, Carlos Márquez, Carlos Cámara (padre), Raúl Xiquez y Gustavo Rodriguez con quienes actuó en memorables unitarios -en tono de comedia- "La dulce tía" y "Vuelve La Tía",

Comienza en Venevisión a principios de los años 90.

Se le recordará siempre por sus impecables interpretaciones en telenovelas como "Rafaela", "Dulce enemiga", "Pasionaria" , "Macarena" , "Esa muchacha de ojos cafe", "Cantaré para ti", "Diana Carolina", "Sorangel", "Y la luna también", A"lba Marina", "Virginia", "Ligia Elena", "Nacho", La heredera", "Ligia Sandoval," "Emilia", "la Usurpadora","Raquel," "La Doña", "Sacrificio de mujer", "La Indoable", "Cristina"; "Querida Mama" entre muchas otras y por la eegancia al vestir.

Yolanda Méndez, estuvo los últimos años en la pantalla chica de la mano de Venevision, de donde era actriz jubilada, destaca su trabajo en “Ligia Elena”, donde interpretaba el papel de la madre de Ligia Elena (Alba Robersi) y opuesta a la relación de su hija con Nacho (Guillermo Dávila).

Consagrada como toda una dama de la actuación, triunfó en las radio novelas al lado de actores de renombre como Arquimedes Rivero y Luis López Puente.

Siempre será recordada como la inolvidable Morella Antúnez en Rafaela (1977) junto a Chelo rodríguez y Arnaldo André. Sus actuaciones en de Fiesta con Venevisión junto a luminarias de su talla como Doña René
de Pallas, Chela D´Gar y Esperanza Mágaz.

Yolanda Méndez hoy convertida en leyenda de la actuación.

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Matheus10, El venezolano ganador de Grammys

2011-05-20T18:32:00.000+02:00

Internacionalmente, es reconocido como compositor y productor musical por temas como “Qué precio tiene el cielo”, interpretado con éxito por Marc Anthony; “Lloran las rosas”, escuchado en la voz de Cristian Castro y “Si tú quisieras”, entonada por Luis Fonsi, entre otros éxitos que le han valido el reconocimiento del público. Ahora se promociona como cantautor con su disco Así lo sentí, mientras trabaja en la nueva producción de Kiara

Por Yarlis González
Fotografía: Néstor Valecillos
Revista Sala de Espera

Su pasión por la música desde que era un adolescente lo llevó a Estados Unidos sin imaginar que, años más tarde, sería reconocido internacionalmente como compositor, ingeniero de sonido, productor ganador de cinco Grammys y tres premios ASCAP por temas como “Quien diría”, “Qué precio tiene el cielo”, “Lloran las rosas” y “Si tú quisieras”, entre otros. Se trata de Alfredo Matheus Diez, un artista venezolano que ha trascendido fronteras y ha demostrado tener el don de crear melodías, escribir canciones y cantar.

Actualmente, Alfredo cuenta con un amplio repertorio de composiciones que nacieron producto del deseo de hacer su primer disco, temas que por iniciativas de amigos productores pasaron a ser éxitos en las voces de cantantes ya consolidados como Cristian Castro, Olga Tañón, Marc Anthony, Luis Fonsi, Tamara, Obie Bermúdez y N´Sync, por mencionar sólo a algunos artistas.

Ahora se presenta como Matheus10, un cantautor que debuta con su disco Así lo sentí, el cual incluye grandes aciertos de su carrera y marca el comienzo de una nueva etapa en su vida. Asegura que siempre existió el anhelo de desarrollarse como cantautor y, con ese afán, llega a Venezuela a promover las 12 canciones y un bonus track que incluye en esta producción. De manera simultánea trabaja en el nuevo disco de Kiara, cuyo sencillo promocional “Perdóname” también es de su autoría.

-Muchos anhelan ganar un Grammy. ¿Qué se siente mirar atrás y darte cuenta de que no tienes uno, sino cinco galardones?

-Es maravilloso, mi caso es como el del alpinista que sube sin mirar atrás. Doy gracias a Dios porque jamás me dejó caer.

-¿Cuáles son tus expectativas como cantautor?

-Quisiera poder llegar a estar tan ocupado haciendo shows que no tenga que pensar en escribir para los demás para traer el pan a mi casa. A estas alturas en mi carrera, tengo suficiente repertorio como autor para “colaborar” en muchos discos sin ninguna preocupación. Quiero escribir para mí.

-¿En Así lo sentí mantienes la letra original de las canciones que ya sonaron en voces de grandes artistas?

-En esta producción notarán que quizás alguna palabra cambió o que la melodía no es exactamente igual a la que escucharon en las voces de sus artistas favoritos, pero les encantará. Quise cuidar los detalles que me llevaron a componer estas canciones y presentarlas en su forma original para compartir una versión con vena verdaderamente autoral y llegar a decir “así lo sentí”.

-Estás al frente del disco de Kiara. ¿Por qué te fijas en un talento venezolano?

-Es mi manera de ser agradecido con la vida, por los talentos y dones recibidos, y por las oportunidades que tuve. Veo que hay muchos venezolanos con talento buscando el camino y pienso que puedo ayudar. Además, Kiara tiene una voz encantadora, canta mejor que antes. Imagínate como suena ahora.

-¿Qué debe tener un cantante para interpretar una canción de Matheus10?

-Las canciones son como los hijos: se les defiende y se les busca el mejor partido.

Un presente con futuro

Una guitarra que le regaló su padre cuando tenía apenas 13 años marcó la vida de Alfredo Matheus, quien recuerda ese momento como algo maravilloso. “Fue como entregarme una brújula, porque encontré mi norte”, refiere quien jamás imaginó que, años más tarde, poner sus sentimientos y pensamientos en papel lo llevaría a ganar importantes premios.

Así comenzó su historia en la música. Formó una banda junto a su hermano Alejandro -quien tocaba la batería- y sus amigos Roberto Di Stasi y Ernesto Swemburger —tecladista y bajista, respectivamente-.

“La banda se llamaba Área, pero debió llamarse Escándalo” (risas), pues el cantautor hace alusión a lo escandalosos que eran. “Fue una etapa muy divertida”, recordó.

Poco tiempo después, Matheus se fue a vivir a los EE UU e inició estudios de música a escala profesional. Comenzó a trabajar como ingeniero de sonido al lado de figuras influyentes, dejando lo empírico de lado y apasionándose por la carrera que le ha valido sus sueños de artista.

En 2000 recibió su primer Grammy como ingeniero de sonido por el disco Cien años de Mariachi de Plácido Domingo, producido por Bebu Silvetti con la Filarmónica de Londres. Luego le siguió otro Grammy en 2001 por el álbum Yo por ti de Olga Tañon como Ingeniero/Best Merengue y el Latin Grammy 2002 como Ingeniero/Mejor álbum de Merengue. En 2005 obtuvo otro Grammy como Ingeniero por el disco Valió la pena de Marc Anthony.

Así, sumó otros reconocimientos como resultado de su trabajo con Marc Anthony y su tema “Qué precio tiene el cielo”, con el que obtuvo un premio ASCAP 2007 como Compositor en la categoría Tropical. Dicho tema ocupó el 1er lugar de la cartelera Billboard durante 14 semanas consecutivas.

En todos estos años, Matheus10 no ha parado de producir. También trabajó con agrupaciones americanas como los Backstreet Boys y N´Sync, para quienes fue su traductor de temas al idioma castellano y director vocal. Tiene su propio estudio en Miami donde suele escuchar nuevos talentos y afirma que ahí está la esencia de una producción fresca.

“Nada más cómodo que utilizar mis ‘peroles? (risas)... Siempre trato de conocer talento nuevo. En cualquier parte del mundo, no importa. Soy ‘todo oídos?, no me dejo influenciar por equipos costosos, el talento es esencial”, comenta.

-¿Cómo ha influenciado en tu esencia de artista la experiencia de codearte con figuras que han sido admiradas y ovacionadas en diferentes países?

-De gran manera. Cuando trabajas con artistas como Rocío Durcal, Marco Antonio Solís y Olga Tañón, y sientes que en el estudio se comportan como damas y caballeros, con la humildad por delante, te das cuenta de que su grandeza no son sus millones, sino su corazón.

-¿Para qué artista te gustaría trabajar discográficamente?

-Para John Mayer, Eros Ramazzotti y Laura Pausini.

-¿Recuerdas alguna anécdota en particular con alguno de los artistas que han interpretado tus canciones?

-Con Luis Fonsi entré a producir un dúo con Olga Tañon y, cuando interpretó su parte, fue tan perfecta desde su primera toma que terminamos en 15 minutos. Realmente fue impresionante su entrega.

-¿Lo más terrible que te haya pasado en este medio?

-Haber sido humillado por José Luis Rodríguez “el Puma”. Me debe una excusa y es muy probable que ni se acuerde. Gracias a Dios, el gran Manuel Alejandro lo puso en su lugar en ese momento, y muy por el contrario a mi compatriota, ese sí es un caballero.

-¿Cuáles son tus planes más inmediatos?

-Promover mi disco y asegurarme de que hago lo correcto a través de los ojos de mis hijas.

-¿Regresas pronto a Venezuela?

-Lo antes posible. Pero, aunque suene curioso, nunca me fui. Mi corazón ha estado siempre aquí.

El aporte social de este cantautor también ha sido aplaudido en otros países a través de su propuesta Navidad de color, un tema que nació como canción hace 10 años. Tras la llegada al mundo de su pequeña Michelle, Matheus10 se sensibilizó al punto de visualizarlo como proyecto social. Desde 2007, el artista ha trabajado año tras año en llevar este mensaje navideño que consta de una canción y un video, cuya promoción busca recaudar fondos a favor de una actividad en pro de los niños. Países como España y Panamá ya han sido testigos de esta maravillosa iniciativa. Los videos de estas versiones pueden verse en el siguiente link: http://matheus10.com/gallery-2. En 2009 trajo Navidad de color a Venezuela y FM Center convocó al talento local para promover el tema. Sin embargo, Matheus10 afirma que este año quisiera retomarlo en el país con un carácter más social que produzca frutos para cualquier fundación que ayude a los niños. Como dice esta canción: “Debemos abrir nuestro corazón”.

Fuente:
Revista Sala de Espera

La armonía perfecta de los gemelos Mata

2011-05-15T17:58:00.000+02:00

Son hermanos, músicos y miembros de la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar. Caras generosamente redondas, ojos vivaces, estatura mediana, lentes de pasta, encantadoras y hechizadas narices romas, manos pequeñas y ágiles, pelo corto, talante directo y austero, elegante y franciscanamente severo, si bien gentil y muy abierto, después de todo. Son gemelos, casi idénticos, pero muy distintos, en realidad. Se trata de Aimon Mata y Gregory Mata, violoncelista el primero, violinista el segundo.

Por Alejandro Ramírez Morón
Fotografía: Néstor Valecillos
Revista Sala de Espera

Ambos, orgullosos miembros de la alineación de la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar. Sí, faltaba más, los vistieron igual cuando eran pequeños, pero niegan sentir en paralelo lo que le pasa el otro; salvo —curiosa cosa, singular circunstancia — porque declaran que las ganas de ir al baño les vienen al mismo tiempo. ¡Ja! Aún así, prefieren atribuir la graciosa coincidencia al hábito, más que al predomio de un gen en común. Después de todo, fueron criados al mismo tiempo, bajo los mismos códigos, y eso pesa más que la sangre misma.

Futuro dorado

Nacen en Barcelona (Estado Anzoátegui) el 18 de abril de 1983. Aimon a las 3:00 pm y Gregory a las 3:05 pm. Cuestión de tempo. Descubren la música a los 9 años, cuando sus padres los inscriben en béisbol, pero la experiencia se pasma en unas pocas prácticas a las que el entrenador ni siquiera asiste. Un tío trabajaba en el Ateneo de Carúpano y los puso en contacto con el Sistema de Orquestas Juveniles, timoneado por el maestro José Antonio Abreu.

Gregory sentía una particular fascinación por el corno francés. Aimon también quería ir por el mundo soplando un instrumento dorado. Gregory estudia unos pocos meses el corno, pero para Aimon solamente había un violoncelo. Luego, al poco tiempo, Gregory se pasa al violín. Viven juntos desde hace 27 años. Primero en casa de sus padres, en la misma habitación. Hoy, en su propio apartamento de La Urbina, cada quien en su alcoba, cada quien con su novia, partituras y numerosos discos regados por doquier.

Se desplazan en un automóvil Peugeot 206, pero Aimon sueña con un elegante BMW, al tiempo que Gregory confiesa su fascinación por las camionetas, especialmente por la última camada de Range Rover.

La pasión por el Gabo

No sentirán en paralelo lo que le pasa al otro, pero en estos momentos ambos leen al nobel colombiano Gabriel Gracía Márquez. Aimon —más extrovertido, miembro de un cuarteto de violines, trajeado con una camisa de rayas verdes— devora Memorias de mis Putas Tristes. Gregory —más dado a la introspección, únicamente concentrado en la orquesta, trajeado con sobria camisa negra— se afana con La Mala Hora.

De estallar una guerra en Venezuela, Gregory se iría a Nueva York. Aimon preferiría Londres o París. La aparente timidez de Gregory desemboca en una predilección por las mujeres voluptuosas, como Jennifer López, al tiempo que la extroversión de Aimon encuentra su resulta en una atracción hacia las mujeres flaquitas, como la actriz Helen Hunt.

A veces se consultan el uno al otro sobre sus partes en la orquesta, a ver que piensa el uno sobre lo que está ensayando el otro. Aimon enfatiza sobre el proceso de ensayo que se debe trabajar buscando lo más cercano a la perfección, y jamás ensayar sobre el error. Este par de gemelos tienen una vida de viajeros errantes, pero, cuando están en Venezuela, sus jornadas de prácticas son kilométricas. Disciplina y rigor son las palabras que mejor los caracterizan. Estos chicos tienen claro que no vinieron a esta planeta a perder.

Si uno les dice Gustavo Dudamel, responden “lo mejor de la música académica Venezolana”. Si a Aimon le lanzan la palabra violoncelo en el pecho, riposta tajante: “mi vida”. Cuando a Gregory se le menciona el vocablo violín, no duda en contrapuntear: “mi pasión”.

Juntos pero no revueltos

Creen en Dios, son católicos, y van a misa menos de lo que desearían. No utilizan amuletos, ni se persignan antes de tocar. Quizás una breve oración al salir de casa. De niños jugaban con el Atari, en casa había una mandolina y un violín de fabricación artesanal. Siempre han sido hermanos muy unidos, codo a codo el uno con el otro, con puntos de vista similares, nada que ver con rencillas o malos tratos.

Han vivido juntos durante 27 años, y confiesan que ni se han dado cuenta porque para ellos ha sido la cosa más natural. Saben que algún día llegará la hora de tomar caminos distintos, pero esa perspectiva está lejos de quitarles el sueño: lo ven como un proceso lógico y saludable.

Vienen de la misma placenta, pero están muy claros en que cada quien debe cargar su cruz, y jugarse por su lado su propio pellejo. Están ahí para ayudarse, cómo no, pero distan mucho de aferrarse a falsos apegos. Son dos triunfadores, y trabajar es la única manera de demostrarlo. Así que se paran, agradecen la entrevista, y emprenden el camino hacia su ensayo, con el gesto rítmicamente galante de dos pequeños y carismáticos emperadores. ¡Música maestro!

Fuente:
Revista Sala de Espera

Armando Villalón, busca la cima

2011-05-08T16:17:00.000+02:00

"El pintor de la bruma" ha cambiado su paleta y virado su mirada hacia las Barrancas, su nueva serie, una investigación plástica que le ha valido, entre otros logros, un Doctorado Honoris Causa

por Fabián Soto Rueda
imagen: Marcos Suárez

Revista Estampas Larense, domingo 19/09/2010

Jesús Armando Villalón no puede creer que todas las noticias buenas lleguen juntas. Para el apreciado artista plástico el último año ha sido un logro tras otro, casi por obra y gracia del Espíritu Santo. Pero cuando lo piensa bien admite con la humildad que lo caracteriza que esos méritos, "bendiciones de la Divina Pastora", son el resultado de tomarse con seriedad y respeto su trabajo.

Justamente fue a la patrona espiritual de los católicos barquisimetanos a quien el "pintor de la bruma" le dedicó su primer mural. Una obra monumental ubicada sobre la avenida Venezuela de la capital larense, inaugurada el 14 de enero de este año, durante la procesión de la Virgen.

Desde ese día las dichas no han cesado. Cuatro meses después, el 28 de mayo, la Gobernación de Lara le otorgó el Botón Jacinto Lara en su Primera Clase, la máxima distinción entregada por el Ejecutivo Regional a una persona ilustre de la región.

El próximo 24 de septiembre la Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado (UCLA) le conferirá el Doctorado Honoris Causa por su trayectoria artística y sus aportes a la pintura larense, distinción que recibe junto al también maestro Esteban Castillo. Esta es la primera vez en la historia de esta casa de estudios que artistas plásticos son reconocidos con tan alto galardón.

El maestro Villalón recuerda que cuando se lo notificaron no lo podía creer. Se levantaba en la madrugada y llamaba a su esposa Isabel, a quien considera su escudera, para saber si era verdad.

"Este reconocimiento me compromete a seguir adelante y me veo obligado a ser consecuente con mi trabajo, con mi planteamiento artístico porque se me está reconociendo por eso. Para algunas personas mi propuesta es motivo de inspiración, de estudio y no les puedo fallar. Este es un reinicio de mi carrera", fluyen sus palabras casi atropellando las ideas a causa de la dicha.

Él es un hombre efusivo, alegre y jovial. A sus 65 años es un optimista permanente para quien los retos son su principal combustible de vida. Por eso desde hace un año decidió virar su planteamiento plástico. Manteniendo su amor por el paisaje se animó a reconstruirlo, cambió la paleta y hasta los trazos.

Bajo el título Barrancas, Jesús Armando Villalón grita desde lo alto a quienes habitan en el Valle del Turbio de sus inicios. No es una denuncia, sino una invitación a subir, a cambiar la perspectiva y a transformar la pesadumbre en frenesí.

El viento de sus paisajes de brumas, enmarcados hace tres años en la serie Ventanas, acaricia su rostro y de nuevo lo revitaliza. Ahora, más maduro y más vigente como artista, se para junto a la montaña para reivindicarla con los tonos ocres de su maestro Ramón Díaz Lugo, a quien dedica estas obras, mientras escala entre amarillos, rojos, blancos y negros en busca de la cima, no de la fama o el dinero, sino de la satisfacción personal: "Que mi obra los cautive, ese es el reto".

¿Cómo interpreta su nueva propuesta artística "Barrancas"?

"Representa mis experiencias durante estos 40 años dedicado a la pintura. La grandeza está en la sencillez. Cuando tú logras con pocos colores darle alegría y armonizar una obra, sientes que estás madurando como artista. Me siento muy identificado con este cambio que he dado y por eso creo que es el punto de partida de una nueva etapa dentro de mi trabajo".

¿Cree que sigue siendo paisaje?

"Este es un paisaje, expresionista si se quiere, que busca la abstracción. Quizás los académicos difieran en esto porque el expresionismo tiene otras características como la parte humana, pero yo lo siento así. En síntesis, es un paisaje, pero no una recreación de la obra de Dios, sino una deconstrucción personal".

Las barrancas tienen altura, ¿se siente en la cima?

"Sí, indiscutiblemente. Me siento bien arriba porque desde ahí se ve mejor la vida, el mundo y los sentimientos".

¿Y qué le dice el viento allá arriba?

"'Vas muy bien Villalón' (ríe). Este trabajo me gusta mucho porque siento que reivindico a las barrancas. Ellas siempre han estado en mi obra pero de manera muy tímida, en segundo y tercer plano, ahora las traigo al frente y creo que ellas me lo agradecen".

¿Considera esta nueva serie ecológica?

"Sí. Es un paisaje pero sin árboles, con la montaña erosionada. Es una escena dramática que invita a la reflexión. Afortunadamente tengo una vista hermosa del Valle del Turbio desde mi casa y por muchos años me alimenté de ese paisaje, pero me he apartado un poco de él, ahora estoy buscando la montaña porque el valle se ha convertido en una línea de concreto que perdió su verdor".

¿Se considera un artista famoso?

"No, me considero un artista feliz. Afortunadamente puedo vivir de mi trabajo y eso me place. Siempre he dicho que yo pude haber vivido de otra profesión, pero no sería tan feliz como lo soy ahora y eso se lo debo al apoyo que me ha dado mi esposa".

¿Qué opina del término "maestro"?

"Para ser maestro hacen falta muchas cosas. Cuando llegué a Europa y me paré frente una obra de Goya entendí en verdad el significado de esa palabra. Si algún día merezco ese título quiero que sea por mis logros en las artes y en eso estoy".

La gente lo quiere y sus obras se cotizan bien, ¿cómo maneja el ego?

"Un amigo dice que yo he implementado un estilo 'Villaloniano' y me da gracia. Creo que sí he hecho algo que muchos pueden considerar un aporte, pero no tanto como para considerarme en la cúspide de mi carrera. También me he preocupado por compartir esos conocimientos con otras personas, especialmente artistas jóvenes que vienen a mi casa a pintar. Yo no escondo nada, mi taller está abierto para todos".

Fuente:
Estampas Larense

Fernando Casa, Un venezolano en Bollywood

2011-04-30T09:52:00.000+02:00

Un venezolano ha conseguido penetrar en la industria de cine más poderosa del mundo: Bollywood, la misma que deja a Hollywood como una niña pobre. Un mundo de amor y danza que engancha a miles de millones de personas del otro lado del planeta. Se llama Fernando Casas y se especializa en meterse en todas las salas posibles del show business. También es un sobreviviente de sí mismo: un día supo que tendría una segunda oportunidad y ahora se la devora con pasión. Esta es su historia

El Nacional Todo en Domingo - Domingo 11 de Julio de 2010
Helen López Vásquez circulosdefuego@gmail.com Madrid / España
Fotografías Julio Lozano

Bollywood con acento venezolano

A Fernando Casas Granadino la palabra "cosmopolita" le viene bien. Creció en Caracas, estudió en Nueva York y París. Un día se asentó en Madrid y ahora uno de sus trabajos es producir festivales de flamenco en La India. Es el primer latinoamericano que consigue hacerse con la producción ejecutiva de una película de Bollywood (palabra producto de la fusión entre Bombay y Hollywood) o Indie Cinema como se le conoce dentro de La India a la industria cinematográfica (bastante blindada para extranjeros) que más ingresos genera en el mundo. La misma en la que Occidente fijara sus ojos luego de que el "oscarizado" filme británico Slumdog Millonaire la recreara dentro de su trama.

Running with the bulls es el título de la primera película de este conglomerado que se rueda en España y que ha tenido a Casas como el encargado de la búsqueda de financiamiento en este país. Una producción en formato "road movie" que sigue el argumento clásico de las de su tipo: el amor de pareja aderezado con escenas de canto y baile con una vuelta de tuerca, es decir, algunos "clásicos" de la cultura ibérica como telón de fondo. Es así como tres amigos de la India se juntan para vivir la Tomatina de Bunyol, el encierro de los San Fermines de Pamplona y pasear por Barcelona, Mallorca y Andalucía. Una producción con un presupuesto que ronda los 12 millones de euros, que tendrá como protagonistas a un cuarteto de las estrellas más taquilleras de ese lado del mundo: Hrithik Roshan, calificado como el equivalente en Asia de Sylvester Stallone (por su musculatura) de Brad Pitt (por su atractivo) y de Michael Jackson (por sus habilidades en el canto y el baile). Un nombre que junto a Farhan Akhtar, Abhay Deol y Katrina Kaif le garantizan sólo en La India 80 millones de espectadores en 12 semanas de proyección. Sin contar con el público que se sume en el viaje obligado que hacen estas películas por Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, los países árabes e incluso Latinoamérica, por lo que el alcance real se pierde de vista.

Soy un privilegiado porque pue do decir que me gano la vida en lo que me apasiona

Caracas en La India.

Casas habla con la experiencia que le ha dado una veintena de viajes al segundo país más poblado del mundo. El primero duró seis semanas, hace cuatro años.

Entonces el interés turístico se transformó en fascinación, luego en la promesa de volver y hoy en un compromiso: "No fui, como la mayoría de los occidentales, por una motivación espiritual sino para el cumpleaños de uno de mis amigos con el que estudié en Nueva York, quien había estado en Venezuela y me advirtió que en La India me sentiría como en casa.

Así fue: gente amable, cariñosa, con la cual se entablan vínculos de amistad muy fuertes y rápidos". El vínculo no quedó allí.

"Luego fui por mi trabajo de promotor musical (llevé al grupo venezolano Bacalao Men y al músico de Sierra Leona Seidy de gira por Asia en 2008). Y ya que a través de mi sello disquero, Sonyfolfk, he contribuido al rescate de obras de flamenco, la embajada de España en La India sugirió mi nombre para producir un festival en cuatro ciudades y convertir a Jodhpur en la capital flamenca del país. Mi intención es que sea un acontecimiento anual y crear una escuela". Fue así como un venezolano consiguió llevar el flamenco a su punto de partida y a la estrella gitana "Farruquito" al lugar de donde salieron sus genes hace casi 600 años: "Él estaba impresionado de lo parecido que era a los indios y, especialmente, de las similitudes entre sus músicas". Casas ha descubierto en ese lugar del planeta, virtudes que lo llevan a regresar. "Lo que me hace volver a La India es descubrir un país tan plural, en el que conviven musulmanes, budistas, hinduistas, sijistas, con barreras idiomáticas tan importantes y al mismo tiempo (aunque no siempre) un ejemplo de tolerancia para el mundo occidental".

Si bien plantearse ciudades exóticas es parte del trabajo de Casas, Caracas no se excluye de su periplo: "Yo me siento venezolano, allí están mi padres a quienes les debo el amor por las artes. Desde siempre he apreciado la música, el teatro, la danza (recuerdo que estando en el colegio participé con un grupo de teatro en Jesucristo Superstar) y supongo que eso me hace ideal para este trabajo". También sus estudios: Arte Dramático y Literatura Comparada en la Universidad de Columbia. La vida misma lo ayudó a tejer su actual trayectoria. Con 26 años, dos de sus amigos de la adolescencia, el escritor y showman Boris Izaguirre y la cantante Edith Salazar, le presentaron en Madrid a una de las estrellas más internacionales de España, Miguel Bosé, en uno de sus mejores momentos: el lanzamiento del disco Los chicos no lloran. La manera de entender el mundo de Casas, sus cuatro idiomas, lo mundano y un "nosé-qué" que le inspira confianza a los demás, lo convirtieron en el tour manager del español para Latinoamérica. "Esa fue mi maestría: dos años por el continente con un artista de la talla de Bosé. Recuerdo especialmente el día que llenó el zócalo de Ciudad de México con más de 50.000 personas".

Otro master: su trabajo como productor internacional de Simón Díaz: "Conocí a Bettsimar, su hija, en Caracas. Nos caíamos bien y convenimos una gira porque si bien su música era muy conocida, él no lo era tanto fuera de Venezuela (era de los pocos artistas por los que gente como Joan Manuel Serrat iban a Venezuela a verlo cantar). Se consiguieron cosas maravillosas como que actuara en el Carnegie Hall, que el canal A&E Mundo le dedicara un documental y el cierre con broche de oro del Grammy Honorífico.

No dejo de sentir que con Simón Díaz me faltaron al menos 20 años más de trabajo".

Casas se centra en su trabajo y lo agradece. "Soy un privilegiado porque puedo decir que me gano la vida en lo que me apasiona". Entre sus oficios de productor del Festival de Jazz de Madrid, de llevar al Auditorio Nacional a las grandes estrellas de la música india este mes o de fortalecer su nueva empresa Creactiva Producciones, hay otra ocupación ad honorem en la que también se ocupa permanentemente: Alcohólicos Anónimos. "Desarrollé una enfermedad compleja, que poca gente entiende y que es un gravísimo problema social. Yo, afortunadamente, en gran parte al apoyo de mi familia y amigos, y la invaluable ayuda del psiquiatra venezolano Omar Oramas, pude superarla y creo que contando mi experiencia abiertamente pongo un granito de arena en la conciencia de la gente". Es por eso que sus celebraciones se bañan con infusiones y té. El estreno de Running with the bulls tendrá un brindis caliente.

Fuente: Revista Todo en Domingo

Bandas sonoras nacionales

2011-04-20T16:42:00.000+02:00

Tal vez en Venezuela no haya compositores para cine del renombre internacional , pero sí hay músicos que se han especializado en ponerle emoción a las películas criollas con sus melodías.

En un país donde un género tan particular de composición es incipiente, donde no hay lugares de formación para esta disciplina, donde difícilmente pueda conseguirse una copia en CD o Mp3 en el mercado de una banda sonora venezolana, compositores como Eduardo Marturet, Nascuy Linares, Francisco Cabrujas y Rigel Mitxelena nadan contra corriente y aun así se han convertido en los principales exponentes criollos de una rama del séptimo arte tan importante como la dirección o la fotografía.

Por Carlos “Caque” Armas
Revista Sala de Espera

“Un buen compositor de cine entiende la relación que debe haber entre imagen y música. Entiende cómo acompañar una trama, cuándo la música debe estar en primer plano y cuándo en segundo”, comenta Luis Alberto Lamata, director de la película Taita Boves, quien firma con este trabajo su tercera colaboración con el compositor venezolano Francisco Cabrujas, uno de los profesionales de mayor experiencia en nuestro país a la hora de poner música a las imágenes.

Francisco viene del mundo de la televisión, donde la gente trabaja como loca, la mayoría de las veces sin horario y contra el reloj. No se formó específicamente en la disciplina de lo que llaman film scoring; lo bueno y lo malo que sabe hacer se lo debe a los culebrones venezolanos, a los unitarios, a la televisión en general y a la necesidad que (según él) lleva en la sangre de intervenir en el hecho dramático. En su portafolio cuenta con la música de 8 películas venezolanas, además de novelas y series de televisión para otros países.

Por su parte, Rigel Mitxelena acaba de musicalizar su primera película. Fue adquiriendo experiencia en la composición para audiovisuales, haciendo música para comerciales. Ya ha compuesto música para cortometrajes y otros trabajos más informales de video, pero su gran reto vino de la mano del director Marcel Rasquin, cuando le pidió hacer la música para su ópera prima: Hermano.

Ambos compositores conversaron sobre las particularidades de hacer música para películas en Venezuela.

—¿Cuál es la mejor banda sonora que se ha hecho para una película venezolana?

—Rigel: hay como dos o tres que recuerdo que me gustaron, pero que recuerde recientemente, me gustó la música de Un lugar lejano de Oswaldo Montes.

—Francisco: superando la tentación de decir que son las que yo he hecho… jajaja, tengo que decir que hay muy buenas bandas sonoras en Venezuela. Hay, sobre todo, una generación de jóvenes que se levanta; compositores con propuestas muy personales e interesantes. Creo que la música para cine en Venezuela tiene mucho que decir y me encanta que estos jóvenes no se hayan dejado llevar por la tentación del estándar y que, más bien, impriman a sus trabajos ese sello único y personal, que debe caracterizar toda creación justificando el título de séptimo arte que lleva el cine.

—Si en Venezuela no existen lugares donde aprender formalmente el oficio de componer para cine, ¿de dónde aprendieron ustedes? ¿Hay algún compositor de cine que los haya influenciado?

—Francisco: podría citar a Enio Morricone, Hans Zimmer, James Horner y muchos otros que me parecen excelentes músicos de cine, pero creo que uno hoy en día está tan bombardeado de música, de información y de culturas diversas, que las influencias no se sabe ni de dónde vienen. Uno es un poco de todo y, como latinoamericano, orgullosamente digo “soy mezcla”, y eso tiene también un color musical único que podemos exhibirle al mundo con orgullo.

—Rigel: generalmente los compositores que hacen música para cine suelen ser muy polifacéticos. Deben apegarse a una historia que hoy puede ser en un barrio, mañana en una selva o en otra época. En ese sentido, los que logran ser más polifacéticos son los que más me gustan. Admiro, por encima de todos, el trabajo que ha hecho Gustavo Santaolalla para las películas de Iñarritú. La banda sonora que hizo para Babel es increíble.

—Francisco: sin temor a sonar estereotipado, mi banda sonora favorita es la de Lo que el viento se llevó. Es tan memorable, tan emblemática e intensa, que es imposible pasarla por alto; sin considerar el trabajo titánico de hacer música sin interrupción, para una película tan larga, superando todo límite.

—¿Cómo es el proceso creativo para musicalizar una película?

—Rigel: depende mucho de con quién y cómo trabajes.

—Francisco: el proceso comienza con la comunicación directa con el director, él es el que te comunica lo que quiere; te da, lo que yo llamo, “el perfume de lo que vas a hacer”.

—Rigel: a mí me gusta estar involucrado desde el guión. De hecho, Hermano la conozco desde que era una idea en cuatro fichas en un escritorio. Arma de doble filo, porque te involucras mucho, vas generando ideas y corres el peligro de que el guión mute a medida que la película se va rodando. Te puedes enamorar de alguna etapa en particular, que luego puede cambiar.

— Francisco: en realidad, yo soy de los que piensan que la música de una película está impresa en la misma película, sólo faltas tú para traducir ese código y claro, el director te da una ruta para esa traducción. En realidad, es un trabajo en equipo maravilloso, porque no hay nada más democrático que el cine, una película es de mucha gente y eso es maravilloso.

—¿Qué pasa con esa música luego de la película?

—Francisco: muy buena pregunta, yo también me la hago jajajaja.

—Rigel: en mi caso, es posible que se edite en un CD por mi parte, como que la publique en Internet. No sé si la gente que produjo la película quiera hacer algo. Creo que en Venezuela no sólo hay mercado para la película, sino para discos con su música también.

—Francisco: en otros países existe desde hace mucho tiempo la industria del soundtrack, que es un producto en sí mismo y que tiene un público al que deberíamos llegar.

—Rigel: se tiende a subestimar al público venezolano. Si la gente hace bien su trabajo, el que lo pone en la calle y los hace accesibles, debería considerar que a la gente le guste ese tipo de cosas. Es un rollo más de infraestructura que de público.

—Francisco: deberíamos crear una forma de difundir esa música y eso también me lo digo a mí mismo. Quizá sea hora de ponerle empeño a eso.

Fuente: Revista Sala de Espera

Carolina Riveros, premiada en festival francés de cine

2011-04-15T15:58:00.000+02:00

La joven venezolana Carolina Riveros recibió el premio como mejor actriz de cine latinoamericano por La Clase (2008) de José Antonio Varela, en el 2do. Festival Internacional de Cinema Latin du Pays de Caux, celebrado del 1 al 4 de julio en Saint-Valery-en-Caux (costa francesa).

Con una trama ambientada en 1989, en los días previos al Caracazo, La Clase cuenta la historia de Tita —interpretada por Riveros—, una joven violinista habitante de una barriada popular que se debate entre el amor de dos hombres, pertenecientes a dos mundos opuestos, mientras se esfuerza por conseguir el puesto de primer violín en su orquesta.

Considerada una de las jóvenes promesas de la actuación, Riveros ha recibido reconocimientos como la mención honorífica en el 12 Festival de Cine de Málaga (España) en el 2009 y mejor actriz de reparto en el Festival del Cine Venezolano de Mérida 2008.

Al enterarse del nuevo galardón, la actriz confesó: "Los premios siempre son inesperados… así que sentí sorpresa".

Informó que actualmente está dedicada al teatro experimental y a la espera de propuestas cinematográficas "que me den en las vísceras y me saquen de mí".

Desde niña se ha desempeñado en diversas disciplinas que hoy forman parte importante de su carrera de actriz. Clases de música, ballet, natación, gimnasia rítmica y artística, perteneció a la selección de nado sincronizado del Estado Mérida, fue bailarina estable de las Danzas Afro Latinas.

Es egresada de la Compañía Nacional de Teatro de Caracas.

Debuta en el cine en el papel protagónico en la película “El Infierno Perfecto” dirigida por Leonardo Henríquez (por estrenarse 2007). su personaje Beatriza una especie de “Lolita” de los años cuarenta con un trágico destino.

En la película venezolana “Postales de Leningrado” de Mariana Rondón (por estrenarse 2007) representa a Ana, una guerrillera de la ciudad de Caracas de la decada de los 60. Ana es vanguardista, decidida, intensa.

Al año siguiente sería Natalia, una niña del barrio, bailarina, ingenua pero justa en el largometraje “Cyrano Fernández” de Alberto Arvelo (por estrenarse 2007).

Carolina se caracteriza como actriz por tener una gran fuerza interior, frescura y profesionalismo.

Carolina ha dicho sobre su trabajo: "Le doy mil gracias a Dios y a la vida por permitirme ser y representar en cuerpo y alma cada uno de estos personajes, que a diario van cambiando e ilustrando mi vida. Doy gracias a los directores con que he trabajado, a mi familia, maestros y amores , por creer y confiar en mí, por ser hombres y mujeres extraordinarios que sueñan, vuelan, creen, confían, arriesgan, y promueven el arte en todas sus expresiones en nuestro país. Quiero ser actriz, madre y todos los personajes que necesiten ser representados por este menudo cuerpecito, esta gran cabeza y este profundo corazón”.

Fuente:

Blogacine
El Universal
Blog Dia Naranja

Siudy Garrido, en Broadway

2011-04-10T20:03:00.002+02:00

Es la primera vez que una compañía venezolana logra colocarse en Nueva York para ofrecer tres meses de temporada con 7 funciones semanales.

El show de Siudy Garrido se estrenó el 4 de marzo en el New World Stages

La obra musical hasta ahora conocida en Venezuela como “Entremundos 2011” que fusiona el baile flamenco con géneros urbanos arrancó como “Siudy Between Worlds” con los previos de temporada Off Broadway el 4 de marzo en el New World Stages. Con nueva escenografía, diseño de iluminación, proyección de imágenes, vestuario y diseño de maquillaje, este performance se exhibirá en cartelera durante 3 meses con 7 funciones semanales.

Creado por productor y director venezolano nominado al Premio Grammy y ganador del MTV Awards Pablo Croce y la coreógrafa internacional y reconocida bailaora venezolana de flamenco Siudy Garrido “Siudy Betwwen Worlds”estrenará oficialmente su temporada regular el próximo 20 de marzo, la cual se extenderá hasta el 22 de mayo en World Stages, Stage 1 at 340West 50th street.

La obra atemporal inspirada en el surrealismo, muestra un mundo orgánico regido por el flamenco contemporáneo y otro mundo regido por los ritmos y danzas urbanas, ambos mundos se enfrentan y se seducen mutuamente hasta que al final logran integrarse. “Siudy Between Worlds” es una obra en danza de mucho impacto visual y percusivo que se convierte en toda una experiencia multisensorial para jóvenes, adultos y la familia en general.

La obra de flamenco teatral “Siudy Between Worlds” con un 75% de talento venezolano ha incorporado en su staff artistas pertenecientes a otras nacionalidades, debido al proceso evolutivo que ha experimentado. La música original es de Diego Franco, Ernesto Briceño y Roberto Castillo, con acordes adicionales de Pepe Pérez y el DJ Leo Castillo.

Sus creadores, Siudy Garrido y Pablo Croce encargados de la producción y dirección general del espectáculo le han dado un carácter internacional al show –sobre todo a lo que se refiere al genero urbano- “Siudy Between Worlds” abrirá fuegos en un teatro con capacidad para 490 puestos. Cabe destacar que es la primera vez en la historia que una compañía venezolana logra colocarse en Nueva York con un show sin precedentes que sin duda seducirá tanto a los espectadores americanos, como a los hispanos y, en particular al público venezolano que acuda al recinto. Cabe destacar que toda la música del espectáculo es original, la percusión teatral está a cargo del talentoso músico venezolano Roberto Castillo y las coreografías urbanas son del bailarín Jesús Orta.

En el show también participan el percusionista y bailarín Michael Feigenbaum (Israel), los percusionistas venezolanos Roberto Castillo y Adolfo Herrera y el cantaor Joaquín Gómez “El Duende” (España). El cuerpo de baile está integrado por: Anali Alcántara, Patricia Cinquemani, Claudia Gonzáles, Patricia Moreán, Natalia Novela, Daniela Rosi, Adriana Olivares, Samantha Zerpa, Brian Abadía, Aquiles Acosta, Celina Beach, Melissa Sadler, Thomas Hernández y Omar Amado.

El diseño de escena corresponde a Neil Patel, Diana Feo de Tamayo participo en el asesoramiento de diseño de vestuario de Siudy Garrido junto con Siudy Quintero, quien es la encargada de todo el diseño de vestuario flamenco. El vestuario urbano corresponde a Verónica Porras y Joe Rolon y la confección de los trajes flamencos es responsabilidad de Irene Pérez de Vera, Belinda Sánchez y Mariela Del Río.

Los tickets cuestan 79.50 dólares y 59.50 dólares respectivamente, dependiendo de la ubicación. Los horarios de las funciones son: Lunes 8pm, Miércoles, Jueves y Viernes 8pm, Sábados 4:30pm y 8pm y Domingos 3pm. Las entradas pueden comprarse en línea a través de la página web www.betweenworldsnyc.com y próximamente a través de http://www.siudy.com/

Fuente: Contacto VIP

"Soñaba con presentarme en Broadway"

Broadway es la meca de cualquier grupo de teatro o de danza en el mundo. Es allí donde miles de personas se dan cita para ver los mejores espectáculos, de diversas procedencias y estilos. Y es donde la compañía de la bailaora venezolana Siudy Garrido presentará su espectáculo Entre mundos, a partir del próximo viernes.

El show está compuesto por dos actos de 45 minutos cada uno y tiene una escenografía conceptual y limpia de manera que pueda destacar las coreografías y el vestuario. Junto con 20 artistas en escena, Garrido comparte un montaje lleno de pinceladas locales.

En entrevista exclusiva con TalCual, la artista comparte los detalles de este espectáculo que cuenta con un elenco proveniente de Europa, EEUU y Venezuela y cuyo ensamble se ha hecho entre Miami y Nueva York.

–¿Cómo surgió la invitación para montar Entre mundos en Broadway?

–El motor principal para llegar a Broadway es nuestro productor y director Pablo Croce, él es quien realmente ha levantado este gran proyecto y lo ha llevado a la internacionalización. Son más de dos años trabajando en este proyecto que ya por fin es una realidad.

Conseguir los inversionistas que se arriesgaran a colocar este espectáculo en Broadway, dar con el teatro adecuado para la producción, en fin son muchísimos factores que hay que juntar para lograr colocarte una temporada aquí.
–¿Ésta es la primera vez que se presenta en ese espacio? ¿Cómo describiría la experiencia?

–Ha sido mi sueño desde pequeña, y hacerlo realidad, en el marco de Broadway y con mi propia compañía es algo indescriptible.

–Aún cuando en Venezuela el flamenco es cada vez más importante, no existen salas donde se pueden realizar grandes montajes, ¿qué elementos técnicos y tecnológicos ha incorporado a esta pieza?

–Estamos contando con un equipo técnico de altísimo nivel, con muchísima experiencia en Broadway. Hemos realizado nuevo diseño de iluminación, sonido y escenografía, así como hemos trabajado en nuevos diseños de vestuario y maquillaje.

Para esta oportunidad, contaremos con un presupuesto que nos permite colocarnos a la altura de los demás espectáculos de Nueva York en lo que ha puesta en escena se refiere, es como ver el Entre Mundos que estreno en Venezuela con unas cuantas capas de pintura y un proceso de desarrollo y maduración de 3 años.

–El flamenco y las danzas urbanas son parte de este espectáculo, ¿está en pro de la fusión del flamenco con otros ritmos? ¿Por qué?

–Las fusiones son muy delicadas, en el caso de Entre mundos tenemos un espectáculo fusionado, pero no es con flamenco. Esta es la magia que este espectáculo ofrece, puedes ver como géneros tan diferentes pueden conjugarse en una misma escena sin perder su autenticidad.

El flamenco nunca deja de ser flamenco así como los géneros urbanos mantienen su esencia en todo momento. Pienso que es muy importante mantener las raíces y de igual forma abrirnos a otros géneros que ayuden a la proliferación de este arte.

–Es la primera vez que una compañía venezolana se ubica durante tres meses de temporada con siete funciones semanales off Broadway, ¿qué expectativas tiene?

–Tener éxito, que el espectáculo guste y tenga la misma aceptación que ha tenido hasta ahora, es una gran responsabilidad llenar siete funciones a la semana por tres meses, en una sala de 450 puestos.

Fuente: Tal Cual digital

Rubén Darío Márquez Lizardo, tras el lente del impacto

2011-04-08T15:36:00.000+02:00

"Rubendario" como prefiere que lo llamen, es hijo y nieto de maracuchos.

Lleva 20 años instalado en Madrid ejerciendo varios oficios: modelo, estilista, maquillador, asesor de imagen, fotógrafo y director de videoclips. Acaba de convertirse en el artífice del primer desnudo masculino para la portada de Interviú justo cuando una muestra de su trabajo puede hojearse en librerías de todo el mundo

Helen López Vásquez /Madrid España
Fotografía Julio Lozano comunelefante@gmail.com
Todo en Domingo

Corría 2005 y Chenoa, una de las cantantes que más lejos había llegado a la salida del show Operación Triunfo, le apretó la mano y le pidió que la llevara a un lugar seguro. La intérprete escapaba de los paparazzi que la perseguían por Madrid a raíz de su ruptura con el cantante David Bisbal, episodio que la había convertido en carne de cañón de la prensa rosa ibérica. El refugio que encontró la mallorquina fue la casa transformada en estudio del fotógrafo venezolano Rubén Darío Márquez Lizardo.

La intérprete había conocido a su "salvador" en 2002 a propósito del lanzamiento de su primer disco gracias a otro criollo, el productor musical Carlos Quintero, quien los convenció de que les vendría bien trabajar juntos.

"Con Chenoa me vinculé desde esa primera sesión de fotos.

Carlos la animó a que la hiciera conmigo pues yo, además de fotógrafo, he sido maquillador, vestuarista y estilista. Luego conocí a Bisbal, le hice la portada de su segundo disco, Bulería en 2004 y me convertí en su asesor de imagen. Cuando ocurrió su ruptura, era cercano a los dos. Ella estaba a punto de sacar su nuevo disco Nada es Igual y pasamos la presión de la prensa buscando una carátula. Le dije que se podía arriesgar a sacar algo rompedor.

Empezamos a jugar con talco ¡casi se me asfixia! pero salió esa foto de torso sólo cubierto con partículas blanquecinas que representó un boom para ambos.

En las entrevistas por la radio era de lo primero que se hablaba.

Esa imagen representó un antes y un después en mi carrera".

Vino entonces el desfile de más artistas por el lente de este maracucho que suma en España casi dos décadas. Rosa, Mónica Naranjo, Nash, Merche, El Barrio, Daniel Diges (representante de España en Eurovisión) y hasta su compatriota Mayré Martínez le han confiado las portadas de sus producciones, un asunto que entiende "rubendario" (como le gusta ser llamado) como uno de los motores más fuertes de la industria de la música actual: "Si estás en una tienda de discos con cientos de opciones, una buena portada puede marcar la diferencia, lo mismo ocurre en Internet. Aunque a los cantantes les advierto que tampoco debe tratarse de una foto demasiado retocada pues todavía se firman discos y en el momento en el que el fan tenga a su ídolo en frente puede que se sienta estafado".

Chayanne, Hillary Duff, David Bustamante, José Luis Perales, Beatriz Luengo, Alex Ubago, Bertín Osborne y la actriz Ana Milán han sido otros que han sumado retratos hechos por el venezolano a su portafolio profesional.

Algunos han querido también ser dirigidos en tres dimensiones, pues el otrora vestuarista de telenovelas de RCTV, ejerce asimismo la dirección y producción ejecutiva de videoclips, el género que le permite ir más lejos en el papel en el que mejor se reconoce: "director de escena". Canciones como "Reina de la noche" de Mayré Martínez, "El bolsillo del revés" de Chenoa, "Loco por mí" de Natalia, "Call me" de Inocence (ex integrante de Il Divo) y "Bueno bonito y barato" de El Barrio, han sido recreadas con su sello.

"Mi primera dirección fue con el grupo Nash con su canción `Capaz de todo’. Recuerdo que cuando estaba todo el equipo listo dije `acción’ con el estómago cerrado por el miedo. Desde entonces he aprendido que cada vez se hace más preciso buscar imágenes lo suficientemente poderosas para que cautiven a un espectador que las verá en una pantalla de computadora o de un teléfono celular.

Es además un consumidor muy exquisito pues tiene acceso a mucha información: puede escoger desde Madonna a cualquier artista independiente. Por eso busco imágenes potentes y procuro no detenerme en detalles que en YouTube se perderían".

Una vez, aún sin estrenarse como director, "tramó" una producción en Venezuela. Se trató de "Oye el boom" de David Bisbal con la playas de Morrocoy y el río de Choroní como locaciones.

"Cuando llegamos a Morrocoy, David quiso ir a pescar, alquilamos un peñero y nos fuimos. En cuanto vio el paisaje empezó a decir: `tengo un asesor de imagen que es un tonto ¿Cómo has podido irte de aquí? ¡Si esto es el paraíso!’. Yo para entonces me encargaba de todos sus looks. En este video cuidé desde la manera de salir del agua hasta el collar que usó".

Lo propio hizo para la gira Bulería del cantante que en el primer concierto ya sumaba casi un millón de copias vendidas del disco: "Estudié todo: cómo se acercaba a la gente, cómo saludaba al salir del avión, las camisas que usó para cada ocasión.

Durante los conciertos cuidé que al principio saliera con el pelo suelto y mostrara sus rulos tan característicos. Luego que poco a poco se los fuera recogiendo y que con los brincos que daba, apareciera siempre impecable.

Hay detalles que resultan súper importantes en los artistas y eso sólo lo consigue si confía en un asesor, un personal que desafortunadamente se suele contratar solamente para eventos muy puntuales como un paseo por una alfombra roja".

Justamente para caminar dignamente por una de esas lo llaman los artistas españoles: "A las chicas les digo que no se dejen intimidar por el exceso que caracteriza a las mujeres latinas, tan dadas a ponérselo todo, al punto de que el espectador no sabe en qué punto centrar la atención. También les digo que si quieren triunfar debe aprender de ellas ese punto de femineidad". Y gracias a esa especie de "consultorías" ha desempolvado los recuerdos del oficio que lo trajo a España, el de maniquí: "Me vine por una oferta que me hizo una agencia madrileña que le proveía talento a la agencia Storm de Londres (la misma que posteriormente descubriera a Kate Moss) pero cuando bajé del avión se desató la guerra del golfo lo que se tradujo en una profunda crisis económica y se cancelaron muchos contratos.

Yo había hecho los comerciales de televisión en Venezuela para marcas como White Label, Carnaby, Club Social, Pepsi. Incluso hice uno muy divertido para el Banco Venezuela que Joselo versionó y lo convirtió en uno de sus sketchs. Llegué a vivir en una pensión y a esperar un casting que nunca llegó. Pasé semanas con una caja de cereales en el estómago ¡hasta llegué a robar manzanas del hambre! Raquítico ¿quien me iba contratar como modelo? El día que me tenía que devolver miré el boleto y lloré muchísimo. A la semana conseguí un trabajo como mesonero y por supuesto, me propuse no sólo hacerlo muy bien, sino con mucho arte." Llegó a convertirse en gerente de relaciones públicas del local aunque antes debió también apelar también a sus caderas para ganarse el pan: "Me puse con una amiga a bailar salsa y terminamos haciendo un show itinerante. Éramos las grandes estrellas pues en ese momento ese tipo de música les resultaba súper exótica a los españoles".

Una de esas múltiples facetas le llevó hasta su mentor, Juan Marrero, artífice de videoclips de astros como Chayanne, Héroes del silencio, Luis Fonsi, Azúcar Moreno y Julio Iglesias: "El hambre tiene cara de oportunidad. Lo conocí y en seguida le sorprendió lo multitareas que yo podía llegar a ser. Allí empecé a ver lo que hacía un director de arte, un fotógrafo, el jefe de casting, el productor y a aprender de la mejor manera: metiendo la pata".

Esa escuela, dice, es la única a la que ha asistido: "Una vez quise apuntarme a un curso de iluminación en una de las escuelas de fotografía más reconocidas de aquí y me dijeron que allí estudiaban mi forma de iluminar. ¡No me pude inscribir pues creyeron que estaba bromeando!". Otro de los reconocimientos es haberse convertido el pasado julio en el fotógrafo del primer desnudo masculino aparecido en la portada de la treintañera revista Interviú. El modelo: el presentador, estrella de la prensa del corazón, Jesús Vázquez. "Es un chico sin divismos. Es de los que son realmente importantes, trabajan mucho en su carrera y son humildes porque no tienen tiempo para andar actuando de estrella".

Esta misión le fue encomendada gracias a sus fotografías centradas en desnudos masculinos, conocidas en gran medida por las fiestas ligadas al "orgullo gay" castizo. Los afiches que cada año empapelan Madrid especialmente Chueca (conocido como el barrio gay más grande de Europa) a propósito de los festivos reivindicativos, salen de su estudio. Algunas de sus señas: Hombres desnudos metidos en botellas de perfume, músculos imposibles bañados en aceite, bailarines, acróbatas y su serie consentida: Eroticlown, en la que los modelos aparecen con rostros de payasos. Una antología que lleva 15 años alimentando al punto de que le llegó la hora de publicar aunque esté lejos de darla por terminada. "Una noche mandé un mail a la editorial de fotografía erótica masculina más importante del mundo, la alemana Bruno Gmünder, con el link de mi página web (www.rubendario.biz). Al día siguiente me respondieron diciéndome que estaban interesados". Así nació Mucho Macho su primer libro. "Al ser una editorial especializada en el mercado gay, se interesaron especialmente por la parte más morbosa de mi trabajo. A pesar de que no es lo que más me define, ha sido importante pues a través del libro mis fotos están presentes en librerías de Australia, Estados Unidos, Argentina y toda Europa". Además el gusanillo picó y ya quiere más: "Mi sueño es publicar toda la serie de Eroticlown, pues me parece que es muy poderosa pero también me apetece devolverme a Venezuela a trabajar allá. Tengo en la mente muchos proyectos. Entres ello, un Mucho Macho pero con puros latinos ¿Crees que alguien se anime?".

Fuente:

Revista Todo en Domingo

Domingo 12 de Septiembre de 2010

UN BOOKER SUELTO EN LA CIUDAD

Si hay alguien que cree estar al tanto de lo que necesita una agencia de modelos en Europa es él y esa cualidad se ha vuelto uno de sus hobbies.

"Confieso que me encanta cambiarle el destino a la gente (para bien, claro). He encontrado modelos en la calle. Una vez me invitaron de jurado a un concurso de belleza en Bolivia y me traje a Antoniette Van Dijk que terminó triunfando por aquí. En Venezuela se me hace muy complicado conseguir chicas. Este año me encargaron la portada de la Revista Ragazza, para un editorial de trajes de baños y decidí hacerlo en Morrocoy. El único parámetro que me dictó la editora fue que la modelo no tuviese los senos operados. Fue misión imposible. Por fortuna apareció Astrid Moler e hicimos un trabajo bellísimo que está este mes en todos los quioscos de España. También es clave que la modelo que se venga esté dispuesta a andar sin maquillaje y caminando de casting en casting, pues eso de ponerse rimel desde la mañana y pretender recorrer la ciudad entaconada hace muy complicado sumarlas al negocio aquí."

Ballet de la mar en busca de la excelencia

2011-03-30T10:16:00.000+02:00

Abrigando el sueño de formar una compañía de Ballet profesional en la isla de Margarita, hace cinco años, bajo el lema “Rompiendo Paradigmas”, Martha Ildiko, inicia los talleres para jóvenes principiantes, logrando formar bailarines profesionales que hoy por hoy integran las filas de importantes compañías nacionales e internacionales.

Desirée Depablos

En el año 2007, Ildiko crea la Escuela Ballet de la Mar, asumiendo su Dirección Artística. Explica como basándose en la técnica de la maestra rusa Agrippina Vaganova, creo el método Ballet de la Mar, que se imparte en los 8 núcleos o sedes que hoy funcionan en diferentes escuelas y Casas de Cultura del estado Nueva Esparta, bajo la Dirección Académica de Blanca Yajure. Ubicados en: la avenida 4 de mayo, Colegio Guayamurí, U. E Garabatos, Colegio Mariano Picón Salas, Juan Griego, Centro Comercial Jorge Coll, Centro de Artes Omar Carreño y Complejo Cultural Lárez Granado, estos núcleos preparan a unas 140 niñas para ser futuras bailarinas.

“Sabemos que no todos los niños quieren ser bailarines profesionales, pero queremos asegurarnos que aquellos que lo deseen tengan la preparación adecuada”, acota. Nuestro modelo de enseñanza comienza con el programa Kinder Ballet, diseñado para niñas partir de los 3 años en adelante, quienes a través de juegos y canciones, desarrollan habilidades motoras y aprenden los elementos básicos de la danza, en un ambiente de diversión.

Luego sigue el programa de pre-ballet diseñado para preparar a los alumnos entre los 5 y los 8 años antes de ingresar al primer año de ballet y consta de 3 niveles: Pre-Ballet 1, 2 y 3 dependiendo de la edad y de la habilidad cada uno. De esta manera abarcamos los 4 años de pre-ballet y viene funcionando bastante bien, pues no necesitamos de un área con condiciones especiales y puede ser llevado a cualquier colegio o espacio cultural que lo requiera.

Según Marta Ildiko, a partir de los 8 años de edad, las niñas pueden integrarse al programa pre-profesional que incluye dos horas y media diarias de entrenamiento en las cuales las niñas reciben clases de técnica, coreografía, repertorio clásico, yoga y más tarde puntas.

“Para llegar a tener un nivel profesional en el ballet es indispensable el apoyo familiar. Los padres juegan un papel muy importante. Muchas veces el peor enemigo que tienen las niñas con talento, son sus padres. La niña debe poder conjugar la escuela y el ballet y en nuestra experiencia las niñas que asisten a los programas pre-profesionales, adquieren una disciplina que les permite lograr la excelencia en ambas cosas.”.

A tres años de su creación, la Escuela Ballet de la Mar ha crecido para transformarse en una red de núcleos formadores del semillero de nuevos talentos en el ámbito dancístico nacional. “Invitamos a colegios y casas de cultura no solo de la isla de Margarita sino de todo el país que deseen unirse a nuestro programa para tener sus propios núcleos”, concluyó Ildiko.

Vacaciones bailando

Con el fin de brindar una preparación intensiva a los bailarines, el Ballet de la Mar, ofrecerá un curso vacacional intensivo con los destacados bailarines internacionales Ruta Railate y el Maestro Jurius Smoriginas de Lituania, además de todo el staff del Ballet de la Mar

Igualmente, se abrirá por primera vez un vacacional intensivo para niñas entre 7 y 9 años y un programa vacacional para niñas a partir de los 3 años que han denominado: Las Princesas del Ballet. Estos programas tienen una duración de tres semanas y culminarán con una función en el Centro de Arte Omar Carreño en La Asunción.

Fuente: Analitica

Hay talentos bajo tierra

2011-03-20T16:08:00.000+01:00

El vagón hace para ellos las veces de escenario. Poco importa la ausencia de luces, sonidos o tarima. Hay público. Y si hay gente, también puede que haya aplausos. Por ello, el Metro de Caracas se ha convertido —para agrado de unos y disgusto de otros- en una plataforma para exponer el talento musical. Algunos de una calidad sorprendente. Otros, no tanto. Igual, todos sueñan con ser descubiertos por un famoso “manager” que saque su música del subterráneo

Por Mirelis Morales Tovar / @mi_mo_to —
Fotografía: Eduardo Fuentes
Revista Sala de Espera 8º Aniversario

Un tren entra. Otro se va. Mucha gente sale de los vagones. Y otro tanto intenta meterse. Pasajeros cruzan de un lado a otro del andén. Suben o bajan por las escaleras. Entran o salen por los torniquetes. Más de 1,8 millones de usuarios diarios vienen y van. Van y vienen.

En medio de esa imparable movilización, un chico -23 años, ojos verdes, cara alargada y cabello de corte indefinido- saca un violín y comienza a tocar una pieza de música instrumental venezolana que envuelve en un aura a quienes estamos a su alrededor y nos aleja de ese incontrolable fluir de gente.

Poco le importa que su escenario no tenga luces. Ni tarima ni sonido. Tampoco un público atento a su repertorio. Alexander está inspirado en lo suyo. Y Milagros, su compañera con la que formó hace casi año y medio el grupo Obelisco Pro, le sigue con la guitarra en su interpretación.

“Nos conocimos aquí en el Metro”, cuenta la joven de 23 años, de piel blanca y cabello oscuro. “Yo tocaba con otro chico, pero después él se independizó. Así que nos quedamos Alexander y yo. Al principio, tocábamos -yo la guitarra, él la mandolina- y cantábamos. Ahora, somos un dúo netamente instrumental. Él me acompaña con la mandolina o a veces el violín, el cual aprendió a tocar aquí”.

Ellos se presentan ante su público —muchas veces ajetreado, cansado o de mal humor- casi todos días. Por lo general, en las mañanas. De 9 a 12 del mediodía, cuando se hace manejable transitar por los vagones. Tocan piezas completas, por aquello de no caer en mediocridad. Y al final, recogen las gracias materializadas en unas cuantas monedas. No esperan a que se apaguen las luces para terminar el show. Simplemente cambian de vagón.
Algunos los llaman pedigüeños, mendigos u oportunistas. Ellos -sin importar lo que digan- se identifican como músicos. “Estudio guitarra desde los 13 años”, cuenta Milagros. “Me gradué de Ingeniera en Informática. Llegué aquí por un amigo, que me pidió que lo acompañara. Me daba un poco de miedo escénico y cierto temor porque sabía que estaba prohibido. Pero no tenía trabajo y me vine (…) Aquí hemos conseguido contactos para presentarnos en bautizos, cumpleaños, entre otros. Ojalá nos consiguiéramos un caza talentos. Mientras, ahorramos para grabar un demo”.

“Esto es un trabajo bonito”, agrega Alexander, quien no se despega el violín de su cuello. “La gente te quiere y te saluda (...) Claro, hay muchos oportunistas. Gente que sólo trabaja para hacer dinero. Pero uno tiene que ser profesional hasta en el Metro. Ser educado. Estar bien presentable. Terminar la canción, aunque sepas que no siempre te van a aplaudir”.

Son tres. Un arpista. Un cuatrista. Un maraquero. No parecen músicos, a decir verdad, sino liceístas de una escuela militar, por su corte bajo y su cara de muchacho de 20, 19 y 17 años. Noto que llevan las uñas de las manos muy largas y bien cuidadas, lo que hace pensar que no sean unos principiantes en eso de tocar música llanera. Pero aún así, lucen demasiado jóvenes para ser unos diestros.

Antes de subir al tren, se preparan. Edixon Herrera saca de un bolso negro su arpa. Nada disimulada por sus dimensiones, pero al menos manejable. Fremir Díaz afina su cuatro y su hermano Freyver sacude las maracas. Ensayan en el andén por unos minutos. Pocos, pero suficientes para hacer detener a algunos pasajeros que vienen llegando a la estación Altamira provenientes de Propatria. Quieren escuchar la interpretación de los integrantes de 48 Qerdas, quienes -por lo visto- no son unos novatos.

“Siempre hemos estado vinculados a la música”, comentó Edixon. “Mi papá es de Apure. Es Llanero. Así que para mí no hubo juguetes, sino instrumentos. Me traían maracas, cuatros. Crecí en ese ambiente y me gustan las letras”, acotó. “Me inicié a los 11 años en la estudiantina”, agregó Fremir. “Estuve primero en un grupo de rock donde tocaba la guitarra. Nada que ver con la música llanera (risas). Ya después haríamos una audición en el liceo. Y fue la profesora Miraldis quien nos apoyó y nos acopló como grupo, pues hasta entonces no nos tolerábamos (risas)”.

Las ganas de ser escuchados por el público los llevo al Metro y entre Propatria-Palo Verde llevan más de un año y medio. “Cuando estás inactivo, el cuerpo te pide música y te presentas donde sea”, comentó Edixon. “Por el Metro pasa mucha gente y queremos que nos vean”, agregó Freyver. “Aquí siempre vas a conseguir cosas buenas y uno que otro contratiempo como gente que te molesta. Pero también hay gente buena, como una señora que nos ofreció la posibilidad de grabar un demo, por ejemplo”.

Saben que no son los únicos que buscan aplausos o monedas. Que la competencia en el Metro ha crecido. Pero reconocen que el boom de los músicos no es una moda, sino una muestra de las pocas oportunidades que existen para los musicos jóvenes. “En el país hay muchas personas que tienen cualidades vocales, pero no han sido reconocidas. Al menos en el Metro hay talentos que se han dado a conocer”, comentó Edixon y partió —con su arpa y sus compañeros- en dirección Propatria.

Fuente:
Revista Sala de Espera

Italo Pizzolante, su vida fue un un Motivo

2011-03-17T00:21:00.001+01:00

El reconocido compositor venezolano, músico y poeta, murió el 12 de marzo de 2011 a sus 82 años edad en Valencia-Venezuela. Es momento para recordar que la música del compositor de "Motivos", canción que ha sido interpretada por artistas como La Rondalla Venezolana, Los Panchos, Chucho Avellanet, Armando Manzanero, Alfredo Sadel, Vicente Fernández y más recientemente Luis Miguel, permanecerá para siempre en el recuerdo de todos los venezolanos. Así como su querido Puerto Cabello ciudad en la que habia nacido vivió y a la cual le dedicó una canción que se convirtió en su himno

"Puerto Cabello, cuando lejos me encuentre de ti, di a tu brisa que traiga hasta mí, sus canciones de mar".

Puerto Cabello, marzo 12
Maryela Pinto Alvarado/Marisol Pozzolini/Oglis Clisanchez Andrades
Notitarde

Amor sin fronteras

El también ingeniero civil, nacido el 2 de diciembre de 1928 en Puerto Cabello, egresado de la Universidad del Zulia en 1956, comenzó su vocación por la música en reuniones familiares.

Sus más allegados lo recuerdan por cantarle siempre al amor, incluso se consideraba polígamo por sus cuatros tesoros; su familia, la ingeniería, la música y la vida, por esto se sabía un hombre realizado, ya que los cuatro le correspondieron hasta el momento de su partida.

A pesar de sus múltiples composiciones, nunca dejó de cantarle a su ciudad natal, ese pedacito de cielo en el que los atardeceres simulan unas acuarelas.

La ciudad que siempre recordó era como lo describió Lucas Guillermo Castillo Lara en uno de sus escritos "aquel pueblo que para ese entonces ya tenía cinco plazas.

Eran cinco pedazos de vida palpitante, con rostro y espíritu propios. Sitios buenos para encontrarse y comunicar. Para el saludo y el diálogo. Para la espera o la cita".

Consideraba que para crear había que escudriñar bien los sentimientos, esos que sólo algunos pueden plasmar en una poesía o una canción.

Puerto Cabello es un motivo

Fue entonces el 1° de diciembre de 1965, cuando el maestro expresó su inmenso amor por este municipio. "Mi Puerto Cabello, pedacito de cielo" es una de sus letras más reconocidas en todo el mundo, declarada himno de la Ciudad Cordial el 17 de julio de 1998.

Motivos, otra de sus composiciones más conocidas, ha sido versionada por más de 60 interpretes y su larga trayectoria le hizo merecedor de numerosos galardones.

El primero lo obtuvo en el I Concurso de Música Venezolana de la Universidad Central con la canción "Provincianita", alcanzando el primer premio.

Representó a Venezuela en el Festival de Boleros de La Habana, Cuba, en 1992, y recibió condecoraciones de instituciones públicas y privadas.

Además, le fue otorgado el grado de Caballero de la República Italiana. El Colegio de Ingenieros, seccional en Puerto Cabello, creó la Orden Italo Pizzolante en su honor.

Otros reconocimientos recibidos incluyen Orden Mérito al Trabajo, del Ministerio del Trabajo; Andrés Bello, en su II Clase, al Mérito Naval en su II Clase y Francisco de Miranda en su I Clase, de la presidencia de la República y se hizo merecedor de cálidos homenajes en Valencia, Caracas, San Felipe, Barquisimeto, Valera, San Cristóbal, Maracaibo, Calabozo, Guarenas, Cumaná y en su natal Puerto Cabello.

En este sentido, vale recordar que su más reciente homenaje fue en el marco de los actos conmemorativos del 187 aniversario de la Toma de Puerto Cabello, el pasado 8 de noviembre.

"Se durmió para vivir siempre"

Italo Antonio Pizzolante, junto a sus hermanos María, Silvia e Isabel Pizzolante, expresó sereno, "la mañana de este sábado nuestro padre se durmió para vivir siempre en sus canciones, en su modelo de vida, en sus obras", así lo dijo durante el acto velatorio realizado en el salón "Foyer" del Teatro municipal.

Recordó Italo Antonio que la familia Pizzolante "es la primera generación de italianos que hicieron su futuro en Puerto Cabello, toda la vida de mi padre giró en torno al progreso social, económico y político de la ciudad y nunca quiso estar separado de su puerto viejo".

Por su parte, María Pizzolante expresó "lo que más me ha marcado de la vida de mi papá fue cuando declararon Mi Puerto Cabello himno oficial. Recuerdo a mi padre diciendo que no perdonaba a la gente que había venido y vivido en Puerto Cabello para marcharse, porque era una ciudad, que como decía su canción, tenía un embrujo. Si alguna vez se iba, saldría de espalda para luego experimentar la alegría del regreso".

Entretanto, Silvia Pizzolante recordó con nostalgia cuando su padre cantaba el tema "Olvídate que me olvide", una de sus piezas favoritas. Mientras, Isabel Pizzolante resaltó la hermosura de los momentos compartidos junto a su padre.

Fuente: Notitarde

Alberto Arvelo Ramos, Honestidad

2011-03-15T13:38:00.002+01:00

Alberto Arvelo Ramos (Caracas, 1936 - Mérida 18/07/2010) se despidió en versos y prosa. Hijo de Alberto Arvelo Torrealba y padre del cineasta del mismo nombre, el arte siempre ocupó un lugar importante en su hogar. Su abuela, Atilia Torrealba, fue una importante poetisa de Barinas, y los tíos de su padre, Alfredo Arvelo Larriva y Enriqueta Arvelo, fueron también conocidos en el mundo de la poesía y las letras venezolanas.

Poeta, narrador y ensayista fue profesor jubilado del Departamento de Filosofía de la ULA, fundador de la Zona Libre Cultural, Científica y Tecnológica (Zolccyt) de Mérida. Coordinador de la comisión para elaborar los nueve proyectos de la «Ley de la Zona Libre Cultural, Científica y Tecnológica, de Mérida». Director general de la Zolccyt del Estado Mérida, 1991-2002. Coordinador del proyecto «Escuela Nacional de Cine y Televisión, ULA-Conac» (aprobada como licenciatura por el CNU en 1995, bajo el nombre de «Escuela de Medios Audiovisuales», 1988-1989. Coordinador de la comisión de creación de la Maestría de Filosofía (opera desde 1989), Presidente de la Sociedad Latinoamericana de Cinematografía, Productor de tres largometrajes, 1985-1986, Director General de Cultura y Extensión, ULA 1982-1984.

Entre sus publicaciones están Poemas de Enero (1975) Juan Félix Sánchez. Fundación La Salle para el Avance de la Ciencia (Caracas, 1981), Laguna (1983), El Violín de Los Andes (1991, En Defensa de los Insurrectos. Colección Ciencias Sociales (1992), El Cuatro (1993), El Dilema del Chavismo (1998), Debate Constituyente en Venezuela (1999), La Bandola Venezolana (2001), Honradez (novela), en prensa, (Caracas, Alfadil Ediciones, 1990-1965).

Todos estamos adoloridos por su viaje", dijo el poeta andino Ramón Palomares, quien recordó especialmente al Arvelo Ramos de 1975, cuando lanzó Poemas de enero. "Recuerdo su alegría y extroversión. No era un poeta introvertido, sino amigable, cariñoso y leal. En aquellos poemas reboza alegría, profundidad, espontaneidad...".
El historiador Manuel Caballero destacó a Arvelo Ramos como una figura de gran importancia para la cultura venezolana, un "hombre de pensamiento y acción". Valoró especialmente el libro El dilema del chavismo, de 1998: "En principio, algunos pensaron que era un libro en apoyo a los insurrectos, pero no es así, cuando uno lo lee hay una gran evolución".
Otro tanto agregó el escritor y profesor de la Universidad de Los Andes (ULA), Ricardo Gil Otaiza, quien se refirió al desaparecido artista como un "baluarte" y un "ícono". "Es una enorme pérdida que deja profunda huella en el mundo intelectual"; comentó.
Gil llegó a compartir con Arvelo Ramos en concursos literarios y lo recuerda como un hombre "sensato, equilibrado, bien formado y de criterio universal". Precisamente, su "pensamiento universal" es lo que más valora en su obra. "Muchas veces los artistas nos regodeamos en nuestra creación y nos hacemos impermeables. La obra de Arvelo nos debería llevar a la reflexión".
El cineasta y profesor de la ULA, Leonardo Henríquez, escribió: "Hombres como Alberto ya no existen. Perteneció a una generación con una visión del país única y particular, de intelectuales lúdicos, militantes y aventureros, que soñaron con una Venezuela improbable, y que lucharon contra toda manifestación autoritaria".

Una voz recién extinta del firmamento poético criollo una vez enunció, vehemente:

"Vengo dispuesto a tu desafío.

Acepto e invoco

tu ira calcinante.

Vengo dispuesto

a la pureza de tus uñas.

A que me arranques

tiras de silencio.

A que destroces mis bosques interiores.

A que desnudes, como una piedra. A que desraíces las hebras

de mi pasto.

Vengo dispuesto al tigre afilado de tus ojos.

Conozco una mañana negra en tu gris.

Conozco el amanecer, la mañana de plenilunio, la luna oscura de tus ecos, la ternura que hiere más que los astros invisibles. Conozco tu calma. El azul tenebroso de tu alegría.

Fuentes:

El Universal

Tal Cual digital

Diario El Peridiquito

YVKE Mundial

Rina Fermín, la venezolana del World Class

2011-03-08T23:26:00.000+01:00

Rina Fermín, 29 años, natural Puerto La Cruz, Estado Anzoategui,Venezuela. Bartender profesional desde 1996, con una destacadísima actuación en ilustres barras venezolanas en Valencia, Isla Margarita y otras localidades importantes; competirá en el World Class, prestigioso concurso que premia al Mejor bartender del mundo, y donde participan profesionales de la coctelería de distintos países.

por ADRIANA GIBBS

-Rina, las tendencias en coctelería, ¿son las mismas en toda Venezuela?

-Mira, se puede hablar de movidas diferentes. Caracas no es lo mismo que Valencia, sabes, ni ambas se parecen mucho a las tendencias en Isla Margarita o Maracaibo, por ejemplo. No sólo qué se bebe, sino cómo y cuánto cuesta beber para los clientes de nuestras barras. Por ejemplo, tampoco las rumbas (N.del Editor: rumbas = fiestas, movida) se dan en los mismos horarios. En Valencia el horario es muy acotado, en Caracas depende de la zona y en Isla Margarita no hay límite alguno. Esto modifica los usos y costumbres de nuestra gente cuando están de rumba. Por estos días mi actividad profesional se desarrolla en Valencia, en Loud, una magnífica disco que tienen que venir a ver.

Nuestra bebida típica y base de nuestros tragos es el ron, el ron venezolano que, como uds. saben, más allá de su reconocida excelencia, tiene una naturaleza basada en un espíritu dulzón y aromático.

Grandes favoritos venezolanos son los directos, o sea lo que en Argentina llaman "cubatas", una base de ron y luego combinaciones con gaseosas ú otros licores. Y luego están el vodka con el vastísimo display de tragos que ofrece, y el whisky que, para el gusto venezolano, sólo se bebe puro o a la sumo ligado con agua, soda o tónica.

“Para mi haber ganado el World Class Competition es símbolo de perseverancia, pasión y dedicación. Con todo los que nos toca en esta profesión, es uno de los reconocimientos que esperamos tener y más aún en una carrera que se caracteriza por ser muy masculina. Abrirse camino con excelencia, es como llegar al tope de la cultura venezolana. Poder viajar a Grecia y representar a Venezuela es un orgullo, espero poder contar con la misma gracia allá y dejar el nombre de mi país en alto, demostrar que aquí hacemos buenos trabajos y que podemos hacer mucho más"

“Las palabras quedarían cortas para agradecer a Diageo y todo el equipo humano que siempre nos apoyó. Sentí que eran unos más de nosotros, que sufrieron con nosotros y que siempre estuvieron brindándonos todo su cariño y soporte” comentó la feliz ganadora.

Fuente:
Revista Estampas

Moisés Kaufman, venezolano en Broadway

2011-02-27T18:07:00.002+01:00

Broadway lo tiene en buena estima. Jane Fonda es capaz de romper por él un ayuno teatral de 45 años. Nominado al Tony y al Emmy, el reconocido dramaturgo y director venezolano tenía desde hace rato la espinita de no haber montado en Venezuela ninguna de sus propias obras. En dos semanas por fin presentará en Venezuela Actos indecentes: Los tres juicios de Oscar Wilde , la primera pieza que estrenó en tablas neoyorquinas hace 13 años.

http://impresodigital.el-nacional.com/suplementos/2010/07/04/
Fotografías Lara Alcántara / Nueva York

Moisés Kaufman no tiene una hora libre en estos días. La única manera de hablar con el dramaturgo es llamarlo a su celular entre un compromiso y otro. "Estoy comiendo pero puedo hablar. No te importa, ¿verdad?", se excusa. Hay en él un rasgo llamativo que aflorará en pocos minutos; por un lado se hará obvio que tiene la sensibilidad de un artista: tanta como es necesaria para que en Broadway lo consideren una suerte de iconoclasta con propósito. Pero por otro, también será evidente que tiene el pragmatismo de un administrador, ese mismo que se graduó en la Universidad Metropolitana y trabajó en Procter & Gamble antes de mudarse a Nueva York hace más de 20 años. Así como hablará de su búsqueda estética, tampoco se cortará en advertir que esta entrevista será breve. Su discurso navega entre una faceta y otra sin baches, como si su cableado cerebral hubiera aprendido a conectar esos dos hemisferios sin cortocircuitos, sin redes caídas, sin ballenas tuiteras que indiquen que esa extraña coherencia ha llegado al tope de su capacidad.

A sus 47 años, Kaufman se prepara para montar en Caracas su primera obra en Broadway. "Lo último que había hecho en Venezuela fue dirigir en 2006 en el Festival Internacional de Teatro de Caracas una obra que se llama I am my own wife de Doug Wright, pero nunca había dirigido en mi país una obra propia. Desde hace tiempo quería hacerlo pero estaba muy ocupado. Hablé con mi amigo Michel Hausmann y quedamos en codirigir juntos el montaje de Actos indecentes: Los tres juicios de Oscar Wilde, que fue la primera obra mía que se estrenó en Nueva York". En ella, el escritor Oscar Wilde es sometido a juicio ante la sociedad inglesa por su homosexualidad y su romance con el hijo del marqués de Queensberry. En un casting conjunto entre Kauf- man y Hausmann, el elenco quedó integrado por Javier Vidal, Christian McGaffney, Juan Carlos Alarcón, Alejo Felipe y Rolando Padilla, entre otros.

"También me ilusiona mucho que participe Fernando Ivosky, quien fue mi profesor en el grupo de teatro Thespis de la Unimet. Allí fue donde empecé a hacer teatro", revela. "Cuando me gradué le dije a mis padres que ahí les dejaba el título de Administración porque lo obtuve para ellos, pero lo que yo quería era estudiar esto; fue ahí cuando mezclé los dos oficios por un año mientras resolvía cómo irme, hasta que al año siguiente me vine a la Universidad de Nueva York a estudiar teatro. Al final no terminé porque sentí que ya había avanzado un buen trecho y quería hacer las cosas yo mismo, así que monté mi propia compañía". Tectonic Theater Project cuyo nombre alude a la naturaleza estructural y dinámica del arte dramático abrió sus puertas en 1991. En 1997, Ac- tos indecentes fue el estreno simultáneo de Kaufman como dramaturgo y director en NY; en unos meses, el New York Ti- mes lo incluyó en la lista de los 10 personajes más influyentes en el ambiente cultural de EE UU ese año. Aclamada por la crítica, la pieza tuvo 600 funciones en Nueva York, así como representaciones en Los Ángeles, San Francisco, Toronto y el West End londinense. Según el sitio web de su compañía, la obra ha sido producida y presentada en varios países y en más de 40 ciudades de EE UU.

"Sé que en Venezuela hay mucha expectativa con Actos inde- centes y es hermoso que por fin pueda mostrarla allá. Eso me emociona". ¿Nervios, quizás? "Escribir siempre es un acto personal; subir una expresión creativa a un escenario siempre trae riesgos. Una vez le pregunté a Robert Redford si alguna vez se le quitaron los nervios y me dijo que no, que prefería tenerlos. Yo también los prefiero porque me permiten calibrar lo que estoy haciendo". Si le preguntan de qué depende triunfar en Broadway, lo piensa. "Depende de un arduo trabajo, suerte, magia, talento. Yo desde una edad muy temprana sentía pasión por el teatro, pero el resto siempre queda en manos de los dioses.

Lo mío es amar y trabajar".

Drama con lupa.

Michel Hausmann fundador de Palo de Agua Producciones y productor de musicales como El violinista sobre el tejado y Jesucristo Superestrella da cuenta del estilo de trabajo de Kaufman. "Tenemos créditos compartidos porque alguien tiene que ayudarlo aquí, pero Actos indecentes se ha presentado de muchas formas y él siempre me dijo que quería hacer aquí su propia versión. Estamos trayendo de Nueva York a sus diseñadores de iluminación y de escenografía para que se vea exactamente igual a como se montó allá hace 13 años", explica el productor. "Moisés es muy detallista y él mismo tradujo la obra en español. Mientras esperamos a que venga a Caracas a ensayar, le enviamos videos de los avances y él nos hace sus observaciones".

Un guión de Kaufman no se resuelve en pocos días. De hecho, es famoso por sus extensas investigaciones al escribir cada pieza.

En Actos indecentes, entramó documentos históricos, cartas y biografías sobre la vida de Wilde.

Para The Laramie Project una obra basada en un caso real, sobre la muerte de un estudiante homosexual en el pueblo de Laramie, Wyoming entrevistó in situ a cientos de personas. Luego volvió 10 años después para revisar la vida del pueblo y actualizar la obra con un epílogo. No en balde, TLP está catalogada como una de las piezas más representadas en liceos y universidades de EE UU. Kaufman también dirigió la adaptación cinematográfica con las actuaciones de Peter Fonda, Laura Linney y Christina Ricci. La cinta transmitida por HBO fue seleccionada para la noche inaugural del Festival de Cine de Sundance en 2002, y ganó una mención especial en el Festival de Cine de Berlín. Con ella, Kaufman recibió luego dos nominaciones al Emmy como mejor director y mejor escritor.

Barbarella para Beethoven.

Escribir 33 Variations una obra sobre una musicóloga enferma que estudia las inexplicables 33 variaciones de Beethoven sobre un simplón vals de Diabelli le tomó tres años de documentación. Para el papel principal, en 2008 Kaufman enfiló sus baterías hacia la actriz Jane Fonda, quien hace más de 45 años no se subía a las tablas. "Le expliqué de lo que se trataba, leyó el material y le gustó enseguida. Yo también me sentí muy cómodo con ella", asegura. "Él es el director más cooperativo con el que he trabajado. Está completamente abierto a las ideas y aportes de la gente. Es como si no fuera un director de teatro, sino un director de orquesta visionario", declaró entonces Fonda para AP. A la larga, la obra le valió cinco nominaciones a los premios Tony, entre ellos Mejor Obra.

Sus fuentes de inspiración, asegura, son aleatorias.

The Laramie Project surgió siguiendo las noticias.

33 Variations, de una con- versación sobre Beethoven con un vendedor de discos. ¿Escribe pensando en el público o en la crítica? "En ninguno. Me preocupa más entender primero a los personajes, pero realmente no sé cómo los escojo ni sé dónde voy a conseguir ideas; si es en una fiesta, en una librería, en un salón de clases. Es como esas personas que te enamoran y punto. En ese sentido, hacer teatro para mí es como enamorarse: no sabes dónde vas a encontrar esas ideas ni tampoco las escoges".

En tiempos de celulares de última generación, Twitter, cine en 3D y televisión de alta definición, Kaufman cree que la función del teatro es seguir explorándose.

"La única forma de ser parte importante del diálogo es continuar esa búsqueda de una profunda investigación estética, de nuevos lenguajes teatrales, de coincidencia de temas y una curiosidad más allá de las obras individuales", asegura. ¿Y el Tony? "Lo de los premios puede ser peligroso si uno se lo toma como un concurso de popularidad. Caer en eso es como perseguirse la cola. Sin duda recibir un reconocimiento es grato, pero trato de mantenerme íntegro en comunicarle a los demás algo de su condición humana", sostiene quien acaba de dirigir en Los Ángeles la pieza Bengal tiger at the Baghdad zoo de Rajiv Joseph y prepara la dirección de su primera ópera, El Gato con Botas, del difunto compositor catalán Xavier Montsalvatge. "Cuando escribo o dirijo una obra y la gente sale de la sala, espero que haya reconocido en sí misma algo verdadero que haya sentido o vivido antes. Espero que se sienta menos sola".

Fuente: Todo en Domingo

Mauricio Malangra, arpa llanera que suena a bossa y jazz

2011-02-20T19:42:00.000+01:00

Si las bandas de rock tocan con orquestas sinfónicas, el flamenco ahora se baila con ritmos tropicales y la fusión es lo que está de moda, ¿por qué el arpa criolla no puede aventurarse a ir más allá del cuatro y las maracas? Mauricio Malandra se atrevió a explorar y el resultado fue un instrumento que ya no será sólo para el joropo, porque ahora da para más

Por Yubelitze Angarita Borges

Era el encuentro musical Paraguay, Japón y Venezuela unidos por el Arpa, celebrado en Caracas, y uno de los invitados, Mauricio Malandra Ventura, que para muchos era un “pichón de arpista” al lado los grandes maestros, estaba a punto de mostrarles a los asistentes por qué el arpa llanera no está hecha nada más para la música tradicional.
Lo aplaudieron, sí, pero aquella actuación había sido tan sólo una pequeña muestra del ingenio y la dedicación con la que el joven arpista de 29 años ha indagado en las sonoridades del instrumento que lo atrapó desde su adolescencia por su complejidad.

“Yo soy amante de lo complicado. Cuando a los 14 años me encontré por primera vez con esas 32 cuerdas, inmediatamente se convirtieron en un reto para mí. En aquel momento quizás mi papá pensó que lo que tenía era una fiebre típica de muchacho, pero igual me compró el arpa y ahora, cuando lo veo, le digo entre bromas: ¡ya ves papá, llevo 15 años matando fiebre!”.

Lo cierto es que Mauricio debe a sus raíces familiares no sólo el origen de tan singular apellido, Malandra, que proviene de su abuelo paterno, un italiano que migró a Venezuela en medio de la Segunda Guerra Mundial, sino también las sonoridades con las que educó su oído. “Nací en Barcelona, estado Anzoátegui, y desde pequeño escucho todo tipo de música. Eso se lo debo a los gustos musicales de mi mamá mexicana y a los de mi papá italiano, con sus acetatos de jazz y de música llanera. A pesar de semejante mezcla yo salí más criollo que una arepa”.

Allí quedó sembrada la semilla de la curiosidad y las ganas de aprender a hacer música e incursionar en el mundo de la fusión, para exaltar el abanico de posibilidades que tiene el arpa criolla cuando se combina con géneros musicales como el latin jazz, el bossa nova, el rock, la danza, el vals y lo que aparezca en el camino, pues como él mismo afirma: “todo lo que escucho lo estoy analizando y nunca se deja de aprender”.

Folklore + fusión

Con orgullo se declara autodidacta en el aprendizaje del instrumento, aunque reconoce que sus tutores fueron las guías de las grabaciones de grandes arpistas como José Archila y Henry Rubio. “Ellos fueron la musa para que yo aprendiera”, destaca mientras recuerda emocionado cuando el maestro Henry Rubio, quien es uno de los artífices de involucrar el arpa con la música brasileña y española, le dijo: “pongo sobre tus hombros la continuidad de lo que otros comenzamos, pero no pudimos concretar por estar adelantados a nuestro tiempo”.

“Me gusta expresar la creatividad de poder mezclar el jazz, el rock y el bossa con sonidos de joropo. Yo quiero que la gente vea que así como ha evolucionado el cuatro con el maestro Cheo Hurtado, también se puede ver la inmensidad del arpa al involucrarla con otros géneros más actuales y la fusión con otros instrumentos citadinos. En eso se basa mi primer disco Rural y Urbano”.

Como su nombre lo indica, es una producción instrumental en la que el músico barcelonés ofrece un arpa llanera fresca y versátil que se mezcla sin perder protagonismo en nueve temas, algunos propios y otros que han sonado internacionalmente.

En su segunda producción, Letras de Amor, se muestra más su faceta de arreglista y compositor. “Como yo no canto, busqué a 12 cantantes con estilos diferentes para que interpretaran mis canciones en el género de balada llanera. Es decir, es un disco romántico-llanero con arpa, cuatro y maraca”.

El arpa tiene más para dar

Tener la crítica del maestro Chelique Sarabia, quien es el padrino de su primer disco, es para él todo un privilegio:

“Por los años vividos he perdido ya la capacidad de asombro. El día que escuché el disco de Mauricio, lloré, sencillamente lloré y lo digo con toda honestidad, porque entendí que la música en nuestro país y el dominio de un arpa tan limitada como la llanera, tiene un futuro que se pierde de vista”.

Asimismo, agradece todos los comentarios que ha recibido de varios reconocidos músicos entre vocalistas, arreglistas y productores, al igual que la alegría con la que sus dos pequeñas hijas escuchan sus canciones.

Tímido, pero constante, Mauricio sigue dándose a conocer y es receptivo a participar en eventos musicales, nacionales o internacionales, como lo hizo en 2008 cuando representó a Venezuela en los festivales realizados en Madeira-Portugal y en las provincias de Arequipa y Moquegua, en Perú. Quienes deseen contactarlo pueden visitar su myspace: www.myspace.com/mauriciomalandra o escribirle a mauricioarpa@gmail.comEsta dirección electrónica esta protegida contra spam bots. Necesita activar JavaScript para visualizarla.

El camino está abierto y ya está preparando otro disco. “Para alcanzar los sueños hay que ser arriesgado, trazarse una meta y seguirla, no dejarla a la mitad”. En eso anda, entre ritmos y cuerdas que esperan por su talento y creatividad.

Fuente: Revista Sala de Espera

Los artífices del queso de cabra en Venezuela

2011-02-15T15:55:00.000+01:00

Quienes comenzaron artesanalmente a elaborar quesos de cabra nacionales, hoy se hay convertido en los artífices de productos que llenan anaqueles de todo el país.

Por fortuna para sus fieles, en todo el país han surgido quienes apuestan por elaborar estas delicias con sello local. Todos tienen la entrega de los convencidos. Y han logrado que estos quesos no sólo estén en las mesas de los restaurantes. Además, ya son parte de las recetas cotidianas.

Rosanna Di Turi rdituri@el-nacional.com Fotografías Marcel Cifuentes marcelcifuentes@gmail.com

El Nacional Todo en Domingo - Domingo 18 de Julio de 2010

Hay un particular prodigio cuando alguien decide dedicarse a elaborar quesos de cabra. Es como un destino para elegidos.

Quienes lo han asumido con total compromiso, contemplan cómo les cambia la vida para siempre. Lo mejor para el resto es que, con la misma fertilidad de las cabras, se han multiplicado en Venezuela los que han apostado por estas delicias.

Ahora son más los elegidos por este hechizo que exige la entrega del absoluto compromiso.

Hace cinco años, Marianela García y Elisa Grimaldi se estrenaban con determinación en una nueva existencia. Ellas, que venían de altos salarios, viajes recurrentes con pasaporte y exigencias de trasnacionales en las que eran ingenieras, dieron un golpe a la mesa y se fueron en autobús a Quíbor, en Lara, a tocar puertas a ver quién les vendía leche para elaborar queso de cabra. Valga decir, que el golpe de timón fue temerario pero fríamente calculado. "Nos dimos cuenta de que había un nicho para el queso de cabra. Los que se vendían en los anaqueles eran importados y muy caros". Así, se fueron a California, recorrieron plantas de quesos, buscaron ejemplos en Francia y se asesoraron con entendidos. Hicieron su plan de negocios y se pusieron los zapatos de goma para recorrer el tramo árido del anhelo, con un norte en el camino. "Muchos venezolanos no estaban acostumbrados al sabor fuerte de los quesos de cabra. Decidimos hacer unos frescos, suaves en textura y acidez".

Con toda esa catedral de certezas, llegaron a Quíbor. Y nadie quería venderles leche. Hasta que un productor se apiadó y decidió que les daría el ordeño de un día de sus cabras. De ese gesto de confianza comenzó el vínculo perdurable. Cinco años después, sus quesos Ananké están en más de 130 anaqueles, sólo en Caracas. Tienen 30 productores, que han crecido con ellas y les llevan leche los 365 días del año. Y ahora preparan ocho toneladas de queso al mes.

El mismo que distribuyen ellas mismas. La vida les dio el giro que anhelaban. No en balde, su bautismo: "Ananké es una palabra griega que significa la fuerza primordial que define un destino", explican ellas.

Eso sí, no es un amor fácil, si es que eso existe. "Aquí no hay esa cosa romántica de tener cabritas y hacer quesito. Si me preguntan, digo que estoy harto", dice José María, desde su infinita nobleza y con el acento aún perdurable de las pampas argentinas. Su esposa, Eva Guerón, sale al paso, desde un amor blindado por él y sus quesos. "Yo amo mis cabritas. No es fácil, es cierto, pero nos trae muchísimas satisfacciones". Ellos, en 1996, comenzaron por ensayo y error a preparar unos quesos que en los restaurantes más notorios de Caracas se sirven con nombre y apellido. Son los quesos de cabra de José María, porque él asumió el reto de ofrecerlos y ella de prepararlos gracias a la leche de sus 200 cabras de Turgua. "Quise hacer los quesos que no tenía plata para comprar", cuenta la profesora jubilada. Y aquí aflora otro logro. Ellos no hicieron planes, ni bosquejos. Compraron dos ollas y unas neveras de segundo uso en el Rey del Coroto para empezar. Y se sumergieron en el reto. "Empezamos con quesitos muy elementales que a mí me parecían exquisitos y a él, horribles", cuenta Eva. Y poco a poco dio con la fórmula. Primero del queso fresco, suave y blanquísimo, noble como las mejores intenciones. Luego de un feta, más elaborado, que le recordaba el que probó una vez en un restaurante griego en Estados Unidos y se ancló para siempre en su memoria gustativa. Y en ese camino, fue probando nuevos retos con el apetito de los entregados.

"Quería hacer cosas más interesantes. Los quesos frescos te perdonan mucho: son muy tolerantes". Por eso decidió apostar por los semi madurados. De sus manos diestras comenzaron a surgir quesos con una personalidad única, semejantes al estilo del camembert, y con nombre propio como Pirámide o Tepuy.

Y han conseguido la venia no sólo de chefs y comensales locales: también los aplausos galos, maestros en quesos madurados.

"La embajada de Francia es uno de nuestros principales clientes. Les encantan". El prodigio se mantiene intacto: de unas cabras de Turgua, unos esmeros caseros y absolutamente artesanales, surgen unos quesos capaces de lograr las mayores exaltaciones. "Están hechos con leche y magia" dice José María.

La reproducción de los quesos. Mientras esas pasiones van creciendo, el gusto por el queso de cabra elaborado en el país, se ha extendido. Primero por las mesas de los restaurantes. Ahora, a las mesas familiares. Tanto que las chicas de Ananké, reciben en su Twitter las recetas cotidianas que les mandan los clientes de su propia cosecha. "Pensar que cuando comenzamos la gente no quería probarlos porque decían que sabían a chivo", recuerda Marianela García. Sonia Meléndez, la artífice de quesos Las Cumbres, comparte esa certeza.

"La gente no entendía ese sabor ligeramente ácido". Y ambas iniciativas, cada una en su estilo, han apostado por quesos frescos que seducen con sabores incorporados: albahaca, pimienta o miel y nueces en caso de Ananké, que tienen seis distintos. Tomate seco, ceniza o confitura de pimentón están entre las 16 variedades de Las Cumbres.

Las tendencias no se dan por generación espontánea. Siempre hay alguien que comienza la cruzada con la pasión de los convencidos. Carlos Ignacio Pérez, desde la tenacidad de sus 77 años, narra cómo, hace tres décadas, comenzó a apostar por unos quesos que llamaron la atención de la Academia de Gastronomía y los restaurantes más encumbrados del momento, como El Gazebo. Sus creaciones adquirieron denominación propia: Los quesos de Carlos Ignacio Pérez, y tomaron las mesas con su estilo francés, logrado gracias a cabras de genética pureza, traídas de Estados Unidos que tenía en Carrizalito, cerca de Los Teques. Comenzó, como todos, "botando" muchas leche y llegó a un hallazgo inesperado. "Sin saberlo, hice quesos afrancesados en su estilo", cuenta quien durante décadas se dedicó a este oficio, lo retomó temporalmente este año en Macanao, Margarita. Y aunque dejó esa iniciativa, ahora se prepara para seguir elaborándolos junto a su hijo, también artífice de queso de cabra en Caruao.

En otra fecha y distinto lugar del país, Sonia Meléndez llegó a similar descubrimiento. En su finca de San Cristóbal comenzó a hacer quesos, por ensayo y error, como han empezado todos estos pioneros. "Me había metido en esto como muchos venezolanos hacemos las cosas: sin pensarlo mucho. Dejé la cuajada de un día para el otro y noté que era distinta". Y voilá, llegó sin saber a un queso de cabra estilo francés. De aquel hallazgo han pasado 23 años. Ahora, sus quesos Las Cumbres son una referencia en cualquier anaquel. Llegar allí tuvo una larga travesía. Se fueron a Carora hace ocho años donde permanecen y comenzaron un nuevo aprendizaje: Comprar la leche a otros productores. Un tema que amerita disciplina.

"Aprendimos a manejar una leche que no era controlada por nosotros. Ahora son más profesionales, con mejor manejo", dice mientras recibe 1.200 litros diarios de leche que transforma en 16 tipos de queso.

Hay quienes han asumido el reto desde las mismas cabras. En Margarita tiene lugar uno de esos empeños. Carvis Hidalgo y Amílcar Pérez llegaron a la isla a ensayar una nueva versión de su destino. Venían de Los Roques, donde tienen un yate que regentan para turistas y buscaban un tramo de tierra firme con horizonte amplio.

En el verdor de San Sebastián, lo consiguieron y se preguntaron por qué no tener cabras. Hoy en día tienen 200, y cumplen un ciclo que va desde el cultivo del alimento para ellas, hasta elaborar a diario el queso fresco de cabra margariteño que ofrecen en los mejores restaurantes de la isla.

Para llegar allí, viajaron a Francia, recorrieron la campiña en busca de recetas, aprendieron sobre cabras y se enamoraron de esta vida para siempre. "Hay un compromiso con los animales.

Yo me enamoré de las cabras. Ya me fregué", dice Hidalgo quien elabora el queso fresco, noble y blanquísimo a diario. "En esto no hay primero de enero ni 24 de diciembre. A las cabras hay que ordeñarlas todos los días", recuerda. Los verdaderos compromisos no tienen días libres. Y por fortuna ahora ese queso se reproduce en distintas recetas en los restaurantes de la isla: en dátiles rellenos y envueltos con tocineta de Da Luciano. En langostinos en nubes de queso de Casa Caranta.

O en postres como el bombón de piñonate con queso de cabra de Mondeque. Las mejores cruzadas son las que se multiplican en buenas noticias.

Fuente: Revista Todo en Domingo

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Venezuela Viva, el musical de Carolina Lizarraga

2011-02-06T03:47:00.003+01:00

Las distintas estampas que presenta este montaje transportan al espectador a un paseo sin precedentes a través de nuestra historia, la cual es narrada por medio de distintos géneros dancísticos y sonoridades de todo tipo que van desde los acordes árabes, los tambores de nuestra tierra, el flamenco (taconeo), música criolla con arpa, cuatro y maracas hasta los tradicionales contrapunteos, los cuales arrancaron los aplausos y la euforia del público.

NP

Fotos: Erick Guzmán

El musical de Carolina Lizarraga también contó con la dirección magistral de César Orozco, quien -a través de la música- narro la historia de nuestra patria, con solos de arpa, mandolina, batería y percusión liderada por el conocido Adolfo Herrera. El blanco, el negro y el indio también se hicieron presentes en un musical que se plasmo en clave de flamenco.

Venezuela Viva deleita con un vestuario impresionante cargado de colorido y diseñado 100% por talento nacional. Las atractivas coreografías que presenta el espectáculo van de la mano con una pantalla gigante que sirve como telón de fondo, la cual proyecta bellísimas imágenes de nuestro país y de nuestros recursos naturales. A ambos extremos de la tarima, se ubican los músicos impecablemente trajeados de blanco.

Esta producción sometió a la consideración de los caraqueños una propuesta estética diferente que combina música, baile, video y una voz en off que va narrando las distintas etapas de nuestra venezolaneidad. El musical -dividido en 2 partes cada una de 45 minutos con un intermedio de 15 minutos- también explora los temas clásicos de nuestro folclore con un medley que incluye clásicos como: “El diablo anda suelto”, “Caballo Viejo”, “Gavilán pío pío” y “Luna llena”, entre otros. El “Alma Llanera” también se hizo sentir dentro de la sala.

Fuente: Sinflash

El mago de las maracas, Juan Ernesto Laya

2011-01-20T22:25:00.000+01:00

Aldemaro Romero lo comparó con Paganini. Es el músico con el récord de más grabaciones registradas en el país. Juan Ernesto Laya, el maraquero de Ensamble Gurrufío, acaba de lanzar un disco con invitados de lujo en el que le saca máximo brillo a las taparas y los capachos. Aquí cuenta su singular historia

Magaly Rodríguez mrodriguez@el-nacional.com
Fotografías Marcel Cifuentes marcelcifuentes@gmail.com

Todo empezó con un antojo de su abuelo Juan de Jesús. En Valencia, a sus siete años, el pequeño Juan Ernesto terminaba su tarea y ya sabía lo que le esperaba: tarde fija de música y maracas. "Mi abuelo era maestro de obras de construcción y siempre quiso aprender a tocarlas; se compró unas pero nunca pudo, le parecía dificilísimo. Las guardó y dijo que cuando naciera su primer nieto se las iba a regalar para enseñarle". ¿Pero cómo se enseña lo que no se sabe? "Ponía la radio o un disco y me decía que donde hubiese percusión, tocara yo. Sergio Mendes con maracas, Los Cuñaos con maracas, Toña La Negra con maracas, Gualberto Ibarreto con maracas, Charlie Parker con maracas.

Bossa nova, vals, parranda, merengue, lo que cayera, con maracas", sonríe.

Lo que comenzó como un juego, se convirtió en una rutina que le fue ganando fama en la cuadra. Una familia vecina tenía un grupo de parrandas y adoptó al avispado Juan Ernesto como su mascotica maraquera.

Hasta sus maestras empezaron a hacerle propaganda. "Una vez fue a tocar a mi escuela Tomás Reyes, un gran arpista, y le dijeron que había un muchachito que tocaba maracas. Yo tenía 10 años y cuando me oyó me dijo que me quería llevar de gira con él. Fuimos a sacarle el permiso a mi abuelo y se puso contentísimo", recuerda. Luego cursó estudios en una escuela de música en Valencia y tomó clases con el maraquero Trino Morillo.

Desde entonces, el talento de "Layita" para los conocidos despegó. El agraciado agite de sus taparas comenzó a propagarse rápidamente en la escena llanera de Venezuela y Colombia. Se convirtió en maraquero de Dennys del Río, y al poco tiempo comenzó a trabajar en Caracas con Cristina Maica. De la mano del arpista José Archila, el bajista Gailabi Jiménez y el cuatrista Ramón Mota, creó un grupo con nombre de inspiración casi reguetónica: La Maquinaria Llanera. Era la época de los Atardeceres Llaneros y Laya comenzó a trabajar con los grandes: Teo Galíndez, Reinaldo Armas, Luis Silva, Rummy Olivo, Simón Díaz, el Carrao de Palmarito. De sus participaciones como representante de Venezuela en el Festival Internacional de Música Llanera de Villavicencio, en Colombia, obtuvo el primer lugar como mejor maraquero.

No conformes, lo distinguieron luego como el mejor maraquero de todos los tiempos en la historia del festival, título que todavía conserva.

Llámate a Laya, vale.

En 1997, el cuatrista Cheo Hurtado de Ensamble Gurrufío estaba haciendo un disco por su cuenta.

"Se llamaba Cuatro arpas y un cuatro, y los cuatro arpistas que eligió cada uno por su lado le recomendaron que yo tenía que participar en su disco". Hurtado lo llamó, oyó y entonces creyó.

Al día siguiente lo invitó a su fiesta de cumpleaños. "Cuando llegué estaban Aldemaro Romero, María Teresa Chacín, Claudia Calderón, Cecilia Todd, Serenata Guayanesa, Francisco Pacheco, El Pollo Brito y El Cuarteto", relata deslumbrado. "Gurrufío empezó a tocar y me invitaron a acompañarlos. Me sabía todo el repertorio porque lo practicaba desde chamo".

TODOS MIS TIGRES

"Antes de entrar a Gurrufío, una vez un compadre me invitó engañado a tocar en una verbena, en un pueblito en Carabobo que se llama Jengibre; era a beneficio de unas obras públicas que querían hacer ahí. Nos tocó dormir en unas hamacas a la orilla de un río, y cuando tocábamos, el único amplificador que había funcionaba con una plantica eléctrica; cuando se quedaba sin gasolina, se acababa la música", se ríe. "Ya durante el paro, Roberto Koch, El Pollo Brito, Edepson González de Guaco y yo armamos un grupo de bajo, cuatro, piano y maracas, y nos fuimos por una temporada a tocar boleros todas las noches en un hotel de Puerto Cabello. Le tocábamos a los turistas, a la gente que llegaba en los barcos. Fue buenísimo".

No en vano, Aldemaro Romero lo llamó "el Paganini de las maracas", en alusión al famoso violinista italiano cuyo magnético virtuosismo se atribuía al diablo. "Mientras más lento tocaba, más insólito nos parecía lo que hacía", recuerda el flautista Luis Julio Toro. "Él tiene un control de las maracas que desafía la gravedad. Lo de ese día fue una cosa absurda, incomprensible. Las pepitas se movían como comandadas por él; es como si tuviera un modo de mantenerlas pegadas al techo de la tapara para que se cayesen solamente cuando él quisiera". El mandolinista Cristóbal Soto acababa de dejar el ensamble, así que Toro se le acercó con veladas intenciones.

"Chico, ¿tú tienes pasaporte?" En pocas semanas, Laya viajaba a Chicago como el nuevo miembro de Ensamble Gurrufío. A los dos meses, su abuelo falleció. "Cuando le dije que iba a tocar con Gurrufío se contentó muchísimo; gracias a Dios que pude darle en vida esa alegría".

Desde entonces su ecléctico entrenamiento infantil le ha permitido grabar no sólo con artistas de música folklórica. "No me asusta inventar, me adapto a lo que sea". Don Grussin, Gilberto Santa Rosa, Aterciopelados, Franco de Vita, Servando y Florentino, Frank Quintero y Guaco también han aprovechado el versátil repique de sus capachos.

En 2008, con apenas 35 años, la Asociación Venezolana de Intérpretes y Productores de Fonogramas (Avinpro) le otorgó un reconocimiento por tener más grabaciones registradas que ningún otro artista en el país, con su participación en más de 4.000 temas. No obstante, Laya venía colando otro deseo de don Juan de Jesús. Grabar su propio disco de maracas.

El experimento.

"Obviamente no tenía idea de cómo iba a ser eso. ¿Cómo carrizo se hace un disco de maracas?" Como era de esperarse, un buen número de los artistas con los que había trabajado querían devolverle el gesto y se ofrecieron espontáneamente a colaborar en el experimento. Aldemaro Romero le había prometido componerle una onda nueva en honor a los maraqueros, pero su deceso truncó el plan. Omar Herrera y Alí Agüero lo relevaron. "Poco a poco fueron apareciendo grandes músicos que me decían: `Layita, te tengo un tema para tu disco".

En Suena maraquero, lanzado hace mes y medio, presenta esa colección de piezas de onda nueva, joropos tuyeros y orientales, merengues dominicanos y venezolanos, valses, reggae, gaitas, flamenco y latin jazz, en un álbum en el que participan Los Cuñaos, Gerardo Chacón, Carlos Nené Quintero, Víctor Mestas, César Orozco, Huáscar Barradas, Diego Álvarez, Goyo Reina, Alfredo Naranjo, Gustavo Aguado y sus compañeros de Ensamble Gurrufío, entre otros. Allí, las maracas de Laya se desatan sin falsa modestia, explorando tiempos y sonoridades sorpresivas para un instrumento tantas veces subestimado.

"En una fiesta con música llanera, al arpista no le quitan el arpa, al cuatrista no le quitan el cuatro; pero basta que haya un maraquero para que le pidan un momentico ahí las maracas.

La gente cree que es facilísimo, pero cuando las agarra se da cuenta de que no puede", señala quien tiene entre sus planes fundar un instituto de protección al músico llanero. "Ahorita estoy preparando el DVD del concierto con el que lanzamos el disco y estoy trabajando en un proyecto con la Big Band del Conservatorio Simón Bolívar.
También quiero componer una obra para orquesta y maracas; el maestro José Antonio Abreu me va a ayudar y quiero que la dirija Dudamel", dice resuelto.

Mientras tanto sigue abierto a todo. "La música es para tocarla", alega. Asegura que acepta cualquier invitación, aún las de alto riesgo. "Una vez fui a acompañar a un amigo que quería llegar a su casa con una serenata para su mujer, porque se le desapareció por dos días y no le dijo nada.

Comenzó a cantar y me pidió las maracas prestadas. En lo que esa señora abrió la puerta, lo primero que hizo fue quitárselas y estuvo a punto de partírselas en la cabeza... Yo grité: `¡Nooo, con mis maraquitas no, se lo ruego!", recuerda risueño. "Ahora cada vez que alguien me pide que lo acompañe a dar una serenata, averiguo primero para estar preparado. ¿Una serenata, no? Okey.

Nada más por saber: ¿Cuántos días llevas perdido?"

Fuente:
Revista Todo en Domingo

Las conquistas de Marva Griffin, la gran dama de Milán

2011-01-14T21:45:00.001+01:00

Nacida en El Callao, se ha transformado en la reina del diseño en Milán. Tanto, que en 1998 creó el Salón Satellite dentro del Salón Internacional del mueble de Milán, el evento de diseño mobiliario más encumbrado del planeta. Este año, en ese espacio se mostró de nuevo lo que los diseñadores del futuro tienen que contar. A propósito del Salón y su visita, Griffin recuerda su historia signada por una elegancia indeleble.

Jonathan Reverón elreveron@gmail.com / Twitter: @elreveron

Si ella no hubiese emigrado a principio de los años 70, perfec- tamente podría estar ahora en la Plaza El Jobo de El Callao echando cuentos con sus amigas o paseando a los nietos, aliviando los calores de estas fechas o pensando cómo mejorar el kalalú, el acrá o el ponqué antiguo tan famoso de la gastronomía antillana. Pero no fue así. Marva Griffin se casó, se volvió periodista, buscó Caracas y cuando esta capital le quedó chiquita, se fue divorciada, con un hijo pequeño y sumergió la esponja que es su mente en Francia, luego Inglaterra, hasta aterrizar en Italia, donde Milán la amarró para siempre. Todo aquello, más algo de suerte, una elegancia innata y su carisma guayanés, la convirtieron en lo que hoy es: la abeja reina del diseño, la artífice del Salón Satellite en Milán. El mismo que este año se celebró de nuevo para mostrar lo que los jóvenes diseñadores industriales con talento y mucho futuro tienen para mostrar.

Primer encuentro. Don Arman- do Scannone cumple 85 años.

Como siempre, se da cita en su casa del Country la historia viva del país. Durante toda la velada, una morena alta, vestida a lo Nina Simone, departe con el resto. Alguien atraído por el imán de esta diosa de ébano le pregunta: "Who are you?" "I’m Marva Griffin", contesta. El invitado, con copa en mano, le repregunta: "What do you do?" Ella vuelve a contestar: "Google me baby".

El buscador universal responde: "Marva Griffin es el nombre que todo joven diseñador susurra con temor". "Maravillosa Marva".

"Marva, la reina madre del diseño". "Una de las personalidades más reconocidas de Milán".

Son muchas las características que conforman su personalidad. Al iniciar el interrogatorio de rigor, Marva Griffin esquiva por alguna razón los pequeños detalles de su origen. "Tú no habías nacido", contesta cuando se le inquiere por fechas. Pero al ojo por ciento, calculando, elucubrando, podría rondar los 60 años. Nació en El Callao, en el seno de una familia de ocho hermanos. "Allá las tortas de mi mamá eran muy famosas. Yo no sé preparar ningún postre, porque mientras mis hermanas estaban en la cocina yo arrancaba las cayenas, las calas y decoraba la casa". Ese es el mismo hogar al que después de 40 años, sigue regresando con la religiosidad de un par de veces al año. Su apartamento de Caracas a juzgar por las piezas y su decoración delata que se fue de acá en los años 70. "Yo adoro estar aquí: mira mis sábilas, las palmeras, la ventilación, el clima... ¿Por qué regreso? Porque es mi casa, es mi país, está mi familia, están mis amigos". Lo dice con humildad, con una sonrisa muy blanca y el optimismo tatuado en la frente.

"Yo soy optimista, ¿tú no eres? Hay que serlo".

Con la profesión de periodista, un hijo y el título de divorciada, se fue de Caracas. "Me fui para probar suerte, otras experiencias, otra cultura, otro idioma". Recorrió Europa y con sus nociones de italiano, tocó la puerta en busca de empleo.

Descolgó el cartelón de "se busca periodista" en una empresa fabricante de muebles y allí comenzó el roce con el mundo del diseño y afines. "Comencé a tener conocimiento del negocio, hice muchas relaciones públicas, vi cómo nace el producto".

Supo torear bien su capote de inmigrante latina y llegó a trabajar con Piero Ambrogio Busnelli, fundador del imperio B&B dedicado al mundo del mueble. Sin perder tiempo, colaboró para publicaciones como Maison & Jardin, Vogue Decoración, American House & Garden y Vogue. Las buenas relaciones y el conocimiento adquirido la convierten en organizadora de la feria de textiles más importante del mundo en Venecia, aunado a su ingreso al comité de Arquitectura y Diseño del Moma en Nueva York.

Madrina de los sueños realizados. Desde que es la responsable de llevar la prensa y relaciones públicas del Salón Mundial de Diseño, sobre el escritorio de la oficina de Griffin en Milán comenzaron a reposar montañas de prototipos. Eran bocetos de estudiantes, debutantes sin el apoyo de la industria y con la necesidad de ser descubiertos.

Hace 13 años y en sociedad con otros organizadores del Saloni, nació "la mascota" de todo este magno evento: El Salón Satellite. "Por trabajar con las revistas algunos muchachos me conocían, me veían en las ferias y sabían que colaboraba para distintas publicaciones. Siempre me decían: `Ay señora Marva, yo diseñé una mesa, ¿cómo hago para presentarla?’ Entonces pedí el apoyo al salón mundial del mueble en Milán y me dieron un espacio".

Desde una gruesa modestia pero con gestos de madre orgullosa, lo que Griffin llama "espacio" hoy en día es semillero de los diseñadores de los muebles del futuro. Diseñadores como Patrick Jouin, que fue asistente de Philip Stark, vio luz en el salón Satellite fundado por Griffin.

Jouin es ahora quien decora todos los restaurantes del célebre chef francés Alain Ducasse.

Este salón se ha convertido en un espacio caza talentos.

Los diseñadores industriales más prometedores del mundo son vistos por los grandes fabricantes. En 2007 se produjo una muestra con el seguimiento a los noveles expositores. La exposición llamada A Dream Come True hoy se recoge en el libro Averatti y muestra donde se encuentran hoy en día aquellos muchachos que esperaban por alguien que fabricase sus ideas. El criterio de selección cada año es más competitivo y para hacerlo más justo, el jurado es integrado por los pioneros del Salón Satellite, distintos conocedores y críticos de la arquitectura y diseño mundial. Este año 700 participantes y 25 escuelas de diseño de todo el planeta se dieron cita en Milán. La obra del hada de El Callao se sigue multiplicando, para bien del diseño del planeta.

Fuente:
Revista Todo en Domingo

Sumito Estévez, resalta los sabores del país

2011-01-05T19:00:00.009+01:00

Mi vida se mueve al ritmo de los olores, me disparan sensaciones que luego se convertirán en platos, quizás sea la razón por la cual durante mi infancia, pasaba tanto tiempo en la cocina de mi madre.

El Carabobeño
Dhameliz Díaz /
Fotos: Mariana Yépez

"Trátame como cocinero", aclara al distinguirlo circunspectamente como chef, famoso en el continente americano. "El chef es el que está al mando de una operación, el jefe de un restaurante, no el que está en la cocina". Sumito Estévez vive de los olores que despiden sus fogones ahora en Margarita, a donde fue a parar en una especie de jubilación a los 45 años. Su fantasía de tener un comedero frente al mar, lo impulsó desandar sus pasos en Caracas para comenzar una nueva aventura en la Nueva Cádiz de los españoles conquistadores. "Mi esposa me preguntó un día ¿por qué mi sueño tenía que ser un retiro y no la vida? Tomamos la decisión. No doy un paso si no tiene por lo menos un año de maduración".

Amigo de una vez, no se ha engolosinado con la fama. Gentil, acepta que en el ajetreo para recoger las maletas en el aeropuerto de Miami, unas jóvenes lo asedien para tomarse una foto con él. Sonríe afable y se mueve hasta donde le indiquen para exponerse al flash.

Toma la mano de su esposa Silvia arrastrando cada quien su equipaje, cuando otra joven pareja, le pregunta, si él es quién cree que es. Humilde, con una sonrisa como respuesta, se detiene para que puedan tomarle la foto.

Se divierte tanto haciendo su programa en Gourmet, el canal por cable especializado en el arte de cocinar, que decidió que la rutina del espectáculo sería parte de su vida. Así que disfruta con sencillez el éxito, el reconocimiento público y jamás se queja de las exigentes jornadas para grabar cada programa, en las cuales tiene que ensayar una y otra vez para que la coordinación sea precisa y se registre sin cortes, como si fuera en vivo.

Cuando estaba haciendo la tesis de grado para obtener el título de Físico en la Universidad de Los Andes, comprendió que sería más feliz dejándose arrastrar por su pasión a los olores que se mezclan en las ollas y se transforman a fuego lento, al vapor, en el horno o en un sofrito. No escaparía de ese deleite. Tomó la decisión firme al leer una entrevista de Franz Conde, un reputado chef con quien trabajó por primera vez. "Lidiaba con la cocina pero no profesionalmente. A los 14 años fundé un club de gastronomía junto al hoy cineasta Alberto Arvelo y hacía catering -comida por encargo- para mantenerme en la universidad".

-Coqueteabas con la cocina ¿Por qué?
-Mi familia es muy gastronómica, nuestros genes tenían que ver más con la cocina que con cualquier otra cosa.

-¿Fue difícil tomar la decisión de colgar el título de Físico para entregarte al oficio de cocinero?

- Sí, si lo fue. Yo necesito tener la vida planificada. No aguanto las improvisaciones. ¡Claro! Tenía como un camino muy labrado, estudiaría un Postgrado en la Universidad de Standford California para especializarme en Física Teórica. La intención era tomarme un tiempo para darle rienda suelta a mi pasión, cocinar y cumplir mi fantasía.

Comenzó como asistente de cocina en la casa de Armando Scanone hasta que su admirado Franz Conde le dio la oportunidad en la cocina del recordado Seasson Club, un establecimiento de lujo en el CCCT. Era un recomendado de Benami Fredman quien tenía la responsabilidad de elaborar la propuesta gastronómica. "Era un "chamito", tenía como mucho 22 años. "Se armó ese proyecto fabuloso, casi irrepetible, en una época de oro de Venezuela".

-El placer se deleita. ¿Su inicio en los fogones fue de a poco?

- No, comencé serio de una, a trabajar todos los días. A la cocina uno no se puede incorporar de otra manera porque es un estorbo. Si me llega una persona que sólo quiere trabajar los miércoles de una vez le digo que no. En este tiempo me di cuenta que dedicarme a la cocina era posible y tenía talento natural.

No iba a empecinarme en una actividad donde tuviera posibilidades de crecer y me sentí cómodo con las exigencias del horario, la gritadera, el régimen que se impone en una cocina.

-¿Cómo se identifica el talento?

-Eso es natural. Nadie te puede enseñar a cocinar rico. Eso no existe. Si no tienes cualidades para entenderte con el mundo de los fogones no hay poder sobre natural que te lo enseñe. El estudio, la disciplina y el entrenamiento facilita que cocines correctamente.

- ¿Y qué se requiere para trabajar en una cocina?

-Tener una estructura militar en la cabeza. Hay una jerarquía y uno tiene que respetarla: si chef, no chef, hay que obedecer o sufres mucho.

-¿La disciplina militar no coarta la pasión por los fogones?

-Absolutamente no. La disciplina militar es un régimen de respeto jerarquizado, uno acepta que el procedimiento es así y punto. En una cocina el proceso creador es exclusivo del jefe mayor.

La manera como yo cocino

Quiso ser venezolano y no hindú como su mamá, aunque viste de sari a diario y desborda espiritualidad. Es un buen conversador alrededor de una mesa bien servida.

-¿Cuál ha sido tu mayor fiasco?

- Cuando quebré mi restaurante en Mérida, fue muy doloroso.

-¿Por qué sucedió?

-He hablado con todos los cocineros amigos míos y no hay ni uno, que no haya pasado por 6 restaurantes. Es parte de la experiencia hasta que llegas a cierta madurez para entender cuál es el tipo de negocio que se amolda a ti como cocinero.

Pasé mucho tiempo resentido con la ciudad de Mérida, porque era mi restaurante y quebrar fue un fracaso que no esperaba en mi propia ciudad, hasta que un día entendí que el culpable era yo y me reconcilié con ella.

-¿El mayor éxito?

-Que me considero un embajador de Venezuela. ¿Sabes lo bonito qué es amar al país a través de su gastronomía? Es lo más lindo que me ha pasado: la vida me dio la oportunidad excepcional de representar al país en algo en la cual los venezolanos nos sentimos muy orgullosos como lo es nuestro acervo cultural.

Decidí hablar de mi país en un aspecto en torno al cual todos estamos de acuerdo. Ni siquiera tengo la tentación, absolutamente perversa de la mayoría de los venezolanos, de hablar mal de su propio país como una manera de oponerse al gobierno.

Me enorgullece que se me acerquen y me identifique primero: ‘tú eres venezolano’.

-¿Cuáles son los platos orgullo de tus fogones?

-La manera como yo cocino porque me gusta muchísimo mi comida. A lo que quiero llegar es que eso es más inusual de lo que parece. El punto es: ¡que rico lo que preparo! Hay millones de cocineros que no se comen lo que hacen. He tenido la fortuna de inventar una cocina que es la que disfruto comiendo dándole coherencia a mi vida. Amo los granos, entre los cuales, las lentejas son mis preferidas.

-¿Sueños por cumplir?

- Que el movimiento gastronómico venezolano se conozca mundialmente, como el mexicano y el peruano. Es mi gran proyecto de vida. Tenemos con qué.

-¿Cuánto tiempo puedes pasar sin acercarte al fogón?

-Yo cocino todo los días, es lo único que me relaja.

-¿Con cuál plato se puede curar una herida del corazón?

-Con clavitos de olor, porque un clavo saca otro clavo.

-¿Y la mejor receta para compartir una alegría?

- Con lo que la otra persona le gusta comer que es un acto de seducción purísimo. ¿Sabes quién es el peor cocinero? El arrogante, el que prepara los platos que le quedan bien sin pensar en lo que le gusta al otro. La única mesa profundamente seductora es que la que sirves pensando en lo que deleita al otro.

Los países y sus sabores

-¿Los sabores pueden definir a un país?

-¡Eso es precioso Dhameliz! El hombre perdió la capacidad de marcar su territorio y ya no sabe cuál es su espacio. Pretende que sea las paredes de la casa, las rayitas del mapa que limitan al país o el pasaporte.

La globalización rompe todas las barreras, pero además las delimitaciones pueden ser violentadas. Hoy en día en Venezuela basta para que un funcionario público se enamore de tu terreno para que te despojen. El territorio es una entelequia, entonces, la forma que el hombre moderno estableció su espacio vital ha sido a través de la gastronomía. Aprendes a comer cosas que a otros no les gusta pero te identifican como un pueblo. Te aseguro que si yo en medio de estos extranjeros -estamos conversando en unas tumbonas en los alrededores de la piscina del crucero Celebrity Soltice- pusiera acá una tabla de quesos criollos, con unos bollitos y unas hallaquitas ninguno se acercaría a comerse esa "vaina". Ninguno.

En cambio el grupo de venezolanos nos concentraríamos alrededor de la mesa: somos un territorio establecido por esa cocina. Y ellos nos mirarán como unos extranjeros y se preguntarán cómo nos atrevemos a comer eso, y nosotros las razones por las cuales ellos no lo prueban. La territorialidad lo establece el acervo cultural, lo intangible, lo inmaterial.

-¿Venezuela tiene un sabor?

-¡Uno no. Venezuela tiene una cultura gastronómica vastísima! Y no te lo digo por chauvinismo, pero he cocinado en todos los países latinoamericanos menos en Bolivia y Paraguay, en los demás de arriba hacia abajo. Y yo pongo una de las recetas de la cultura gastronómica tradicional de cada región a competir con el recetario popular venezolano y sigo considerando que técnicamente es la mejor, en serio, pero no nos hemos dado cuenta.

-¿Me puedes dibujar el mapa de Venezuela a través de sus sabores?

- Yo soy merideño y estoy cansado que me digan que el sabor venezolano es el ají dulce porque también es de Mérida, pero también el cilantro, el cebollín…

-¿Y el sabor de Guárico?

- La salazón. El chigüire, la baba.
-¿La costa?

- A pescado frito, tostón y podrías llevarlo más allá, hasta el cazón.

-¿Se diferencian la comida mantuana de caraqueñas con la valenciana?

-Son muy parecidas en el sabor agridulce aunque tienen puntos que las regionalizan.

Sumito Estevez: Hallaca Caraqueña 1/3

Hermano, un filme de primera opción

2010-12-31T16:01:00.000+01:00

Puede suceder que al querer ir al cine de su preferencia a ver alguna película para pasar un rato entretenido, casualmente no encuentre entradas o el tráfico evite que llegue a tiempo a la función deseada. En ese caso, ya estando en el sitio y no teniendo muchos ánimos de hacer otra cosa, tal vez decida conformarse con ver otra cinta, pero resulta que lo único disponible es una película venezolana de la que no sabe mucho y le da temor invertir el dinero porque puede resultar aburrida o en muchos casos inentendible. Supongamos que decide arriesgarse y que esa repentina segunda opción cinematográfica lleva por nombre “Hermano”.

Rocco Pirillo
Fotos: Rocco Pirillo

Hace pocos días la cinta, su director el venezolano Marcel Rasquin y su productor Enrique Aular, fueron noticia cuando en la capital de Rusia, la película obtuvo el premio de la audiencia, la crítica y el máximo galardón, el San Jorge de Oro, en la más reciente edición del reconocido festival cinematográfico moscovita de clase A. Tras una presentación especial, la prensa venezolana pudo conocer el por qué del reconocimiento y entendió que tanto ella como sus protagonistas, darán más de qué hablar a partir de su estreno al público el 2 de julio.

En una oportunidad durante una entrevista para otro artículo de Sinflash, Rasquin declaró:

“Hermano no es una historia de pistolas de barrio y de groserías, es una historia de vínculos, amor, solidaridad, sobre lo digno que es perseguir un sueño, sobre la posibilidad de alcanzarlos, sobre las cosas que tienes que sacrificar para alcanzar el sueño, sobre la hermandad” y no pudo haberla definido de mejor manera.

Es una cinta bien hecha y, a diferencia de otras nacionales, muy bien contada que lleva al espectador por un paseo de emociones ambientadas en la realidad de muchos venezolanos. Lo más importante, es que efectivamente produce algo en quien la ve y le brinda un claro e importante mensaje. Es una película hecha con talento nacional que sin duda vale la pena ver. Ciertos detalles técnicos como el granulado de la imagen en ciertas escenas o cortes que pueden resultar un poco raros, quedan en muchos planos atrás con el desenlace inesperado, emocionante, crucial y adecuado que tiene la historia.

Puede que cuando salga de la función donde “sin remedio” cayó, no solo usted si no también su opinión sobre el cine venezolano haya cambiado un poco. Es muy probable que salga recomendando “Hermano” como primera opción de calidad para disfrutar. Esta vez si los aconsejados no encuentran entradas, al menos usted podrá sentirse orgulloso de un gran producto venezolano.

Fuente: Sinflash
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"Hermano" golea la gran pantalla

Hermano, ópera prima de Marcel Rasquin que estrena este viernes, podría ser el fresco de un país, representado en un equipo de fúbol, cuyos sueños se ven truncados por miles de obstáculos como la carencia de infraestructura y apoyo, la falta de tradición en este deporte, la corrupción y politiquería incrustadas en las instituciones deportivas y hasta el resentimiento, odio y egoísmo, que a veces nos impiden trabajar en grupo. Pero no es esa la pretensión de la película de Rasquin, que más bien prefiere centrarse en la "pequeña" historia de dos hermanos de crianza, cuya realidad los aplasta, los sofoca, se quiebra dejando el camino lleno de espinas y vidrios partidos.

Daniel y Julio juegan fútbol en el barrio La Ceniza. Quieren llegar lejos en un deporte que no reina dentro de las preferencias de su entorno -lo cual hace el sueño más dramático-, un ambiente donde dominan la violencia, las drogas, el alcohol, la mafia, los embarazos no deseados...

Desde la primera escena, Hermano atrapa al espectador. Una desgarradora realidad sirve para engancharlo: la de un bebé abandonado en un basurero, con un llanto que taladra la conciencia. Luego vendrán las muy bien logradas secuencias de entrenamientos y partidos de fútbol, y de violencia en el barrio.

Marcel Rasquin se vale de actores poco o nada conocidos (Fernando Moreno y Eliú Armas, como Daniel y Julio; Marcela Girón, como su madre, y Alí Rondón, como el portero) para lograr situaciones verosímiles, que las alejan de asociación alguna con personajes o historias de la televisión, medio predominante en la cultura venezolana. No obstante, hay profesionales como Gonzalo Cubero, quien interpreta a un entrenador con un rol patriarcal bien importante en la trama, y Alberto Rowinsky, como el entrenador del Caracas Fútbol Club.

Resulta gratificante toparse con películas como ésta en la cinematografía nacional, con una buena historia llena de dramatismo, emoción y sensibilidad. ¡Gol del cine venezolano!

Ángel Ricardo Gómez

EL UNIVERSAL