De Venezuela para el mundo

En Barcelona, Nueva York, Tokio, Buenos Aires, Río de Janeiro, Hawai, Berlín o París: el trabajo de varios diseñadores criollos se está apreciando y comprando en las más diversas latitudes,

José Roberto Coppola jcoppola@el-nacional.com

El diseño venezolano conquista al planeta

Con ganado mérito, las piezas de diseñadores locales logran reseñas de prensa en chino o italiano, se venden en rublos o coronas danesas, se alzan con premios lejos de estas latitudes y se venden desde Buenos Aires hasta Berlín. Desfilan en pasarelas en Acapulco o Tokio, se exhiben en vitrinas en Río de Janeiro, Barcelona, Hong Kong, Hawai o París y en boutiques propias en Australia o Panamá. La nueva generación de diseño emergente del país se apodera de todo el orbe

Desde los puntos cardinales más opuestos del planeta, varias marcas de diseño emergente venezolano están demostrando que pueden competir a igual en mercados cada vez más globalizados. Con más de 27.000 fans en Facebook, que vienen de los confines de tierras ajenas como China o Israel, la marca Hot Chocolate Design ­que se ha convertido en una firma de culto en el país­ no sólo ha conseguido reseñas en publicaciones en Taiwán, Ciudad de México o Barcelona. Además, ha logrado exhibir sus diseños en vitrinas en Gijón y Madrid y en una tienda itinerante en Chipre. "En Europa están cansados de sus propuestas, por eso hay un interés en Latinoamérica.

Somos una cultura colorida con productos de diseño interesantes", saca cuentas Carolina Aguerrevere, quien junto Pablo Martínez creó el concepto hace cinco años.

Venezuela tiene creaciones con propio lenguaje que se multiplican en el exterior con una ubicuidad que genera orgullo.

La diseñadora Marina Taylhardat, quien con su marca Ushuva ha sido reseñada en Vogue Latinoamérica y además ha conseguido que sus diseños se vendan en South West, Miami, coincide con esta idea: "Cada vez más personas en el exterior están rechazando las tendencias de las cadenas de tiendas y están buscando piezas innovadoras", resume. También hay quienes como Ana Patricia Laya, de la marca Objetito Sin Cultos, apostada en Buenos Aires, por propia iniciativa ha visitado tiendas para ubicar su producto en tierras sureñas. "Tienes que moverte para hacer que tus diseños entren en las tiendas", reconoce resuelta.

Con probado talento, el diseño alternativo cosido en Venezuela gana escena en otras fronteras.

Hay más ejemplos que lo confirman: marcas como Wearecat, basteada desde Maracaibo por Humberto Perozo y Carlos Elías Cabrices, exhibieron su audacia el año pasado en Ego Cibeles, la plataforma emergente de la semana de la moda de Madrid.

La merideña Neliana Fuenmayor logró lucir sus costuras en la pasarela de Japan Fashion Week.

Las joyas escultóricas torneadas en acero industrial imaginadas desde la remota Villa de Cura por el diseñador Gabriel Zimmerman se han lucido en publicaciones y pasarelas mexicanas, y la merideña Adriana Marín participó por concurso este año en Fitting Room, una plataforma de diseño en Madrid. Creaciones como la de Fabiana Kübler, que se consiguen en Londres o las iniciativas de la diseñadora Daniela Panaro con su firma No pise la grama, que ha conseguido reseñas en CNN en Español y un nuevo espacio de venta en Tenerife, se cuentan entre la avanzada de la omnipresencia del diseño criollo en el planeta.

Los conceptos locales de relieve se destacan en otras coordenadas. Con su trabajo de superposición de textiles, la diseñadora Adriana Rodríguez Magdaleno, de la firma BaraDuo, consiguió mostrar la filosofía de sus vestiduras en Glow In ­un evento de arte multidisciplinario en Barcelona­. Allí, con la colección Alegrías hizo un desfile-performance con bailarinas, acróbatas y payasos de circo.

DE APURE A MELBOURNE

En esas coordenadas remotas que se piensan imposibles, la diseñadora apureña Yamila Guédez, formada en joyería experimental en St. Martins College of Art and Design, en Londres, ha conseguido con esa algarabía incombustible de su temperamento inaugurar este año una boutique propia en Melbourne, Australia. Y allí propone, con su extravagante lenguaje artístico, accesorios de mucho arrojo.

Toda una hazaña para la moda emergente venezolana. Desde Oceanía, ese continente de horarios inversos, ya ha participado en semanas de la moda en Sydney en donde exhibe sus collares y zarcillos en maxiformatos y construidos en materiales experimentales. "Ahora tenemos propuestas que son capaces de competir afuera y, si nos lo proponemos, podemos llegar a donde queramos", sentencia la diseñadora que exhibe sus piezas en percheros de Barcelona y París. "Para entrar en otros mercados debes hacer un repaso por sus marcas puntas para asegurar tu permanencia, pero sin perder tu identidad", cuenta el diseñador Ferdy Torrealba, quien desde La Coruña diseña la marca Ferdy.

Ya afuera, esta generación de diseño emergente consigue laureles. La orfebre Samantha Fung, formada en Barcelona ­donde reside­ se ha destacado del resto con su línea Mapa Fung. Con una mención en la International Jewellery & Silver Design Fair y con el premio Enjoiat de joyería, en el que venció a más de 80 contendientes de todo el mundo, y que le fue otorgado por la Foment de les Arts i del Disenny en 2008 en Barcelona, ha mostrado que la creatividad venezolana tiene importe artístico. "Es muy difícil porque tengo que competir con los países nórdicos que tienen escuelas de joyería de muchos años y mucha tradición", deja en claro. Pero ella lo ha logrado. Y los reconocimientos se suman en este efervescente movimiento venezolano que además de destacarse acá se crece en la lejanía. En marzo de este año la diseñadora Vanessa Boulton, de la firma Vb Caracas, se alzó con el premio Creative Accessories Design Award 2010 en los días de Miami International Fashion Week para mostrar que la creatividad criolla puede estar, como lo hacen sus carteras, gracias a una estrategia de catálogos de propia inventiva, en vidrieras desde Hawai hasta San Juan de Puerto Rico. Y ella lo sabe: "Con cada colección aprendo a nivel práctico y estético. Lo importante es darle valor a la marca y ofrecer algo distinto en un mercado tan gigantesco como Estados Unidos".

ANILLOS QUE CRUZAN FRONTERAS

Fiel a sus preceptos que se atreven a demostrar que el lujo no siempre exige metales preciosos, Nayibe Warchausky, la diseñadora valenciana apostada en Milán, formada en diseño de joyas en el Istituto Europeo di Design y que ha trabajado en alianzas con Custo Barcelona, ha logrado que sus anillos ­maximalistas, angulares y volumétricos­ elaborados en tallas en Murano, no sólo se exhiban en la capital de la moda italiana, sino en vidrieras en Berlín, La Coruña y Río de Janeiro, sin dejar de tener presencia en Venezuela.

Piezas criollas por doquier.

El lujo también se exporta desde las iniciativas de diseñadores que manejan un lenguaje de sofisticado carácter. Con cueros italianos y peruanos, pajillas tailandesas y sedas hindúes, pero ingenio y factura venezolana, la diseñadora Liliana Ávila diseña carteras y sobres, con pruritos de exigentes acabados, que devienen en una glamorosa propuesta que se consigue desde Ciudad de Panamá hasta Londres. "Combino materiales que recuerdan al trópico con otros más elegantes.

Busco expresar el realismo mágico a través del lujo. La magia latina interpretada con elegancia", cuenta Ávila. Con similar intención, las hermanas Marta y Ana Sofía Tarbay, con un trabajo fue ingenua, pero el resultado fue de calidad internacional", señala Alvarado.

HUMOR QUE SE EXPORTA

Con un vigor de esos que no prescriben, la diseñadora Ana Patricia Laya, vehemente emprendedora del diseño emergente venezolano, ha conseguido desde tierras bonaerenses que su marca Objetito Sin Cultos se sitúe no sólo en estas tierras sino en varias vitrinas del país sureño y que además haya cruzado fronteras hasta Barcelona, España. Ella fabrica chapas, franelas y tarjetas con humor cotidiano y las diseña ­esquivando contratiempos de producción e insumos­ entre Buenos Aires y Caracas.

Hay creaciones que desde acá nacieron con visión cosmopolita. El diseñador Adriano Russell, con sus piezas étnico-vanguardistas, en las que utiliza desde plumas de faisán hasta cuernos de toro crea, desde su exotismo, para un mundo globalizado.

"Mi propuesta es internacional, pero cuando diseñas para otras ciudades tienes que adaptarte al mercado sin perder tu esencia del diseño", explica quien expone sus extravagantes alhajas de estrambóticas dimensiones en galerías de arte en Hong Kong y Miami, y que además tiene representantes en San Petersburgo y Milán. Por su parte, para la marca Querida Penélope, que confecciona trajes de baño con sobrias y arriesgadas siluetas que se asientan en la estética de los 50 y que elaboran con textiles que traen de Brasil y Nueva York, venden en Londres a través de una tienda virtual, desde donde empiezan a conocer su trabajo. "Estar afuera es un tema de desarrollo y a veces Internet es tu mejor amigo para el mercadeo", apunta Martha Polanco quien junto a Andrea Baranenko dirigen la firma.

En esta reñida lucha del diseño emergente venezolano en mercados globalizados ya hay muchas victorias afuera. Y las que faltan.

 

Fuente:

Diario El Nacional - Revista Todo en Domingo 23/05/2010

Julián Manrique, una referencia histórica de RCTV

“El nombre de Julián Manrique es el que más ha salido en cualquier canal de televisión, salió en casi todos los créditos durante 50 años”.

Julián Manrique aparecia como Jefe de Transmisión en todos los créditos del canal de televisión venezolano "Radio Caracas Televisión", desde que los venezolanos tenemos uso de razón así lo hemos leído en la pantalla.

Adios a un pionero

Julián Manrique fue una referencia histórica para el mundo de la televisión y su propia vida respiró ese aire de cambio que recorría a Venezuela en el año 1958. El mismo año que la dictadura perezjimenista era derrocada, entró a trabajar en RCTV como Asistente de Coordinación, bajo el tutelaje de Miguel Toro.

Coordinó por primera vez el programa Vida Salvaje con Alonso Gomero, y posteriormente se convertiría en el Jefe de Transmisiones del canal de Bárcenas, cargo que ocupó durante cinco décadas, viendo transformarse ante sus ojos y sus cámaras la televisión venezolana.

El 21 de octubre de 2010, falleció nuestro queridísimo compañero de labores Julián Manrique, quien desde hace más de 50 años laboraba en nuestra planta televisiva con una destacada trayectoria que lo convirtió en uno de los trabajadores más ejemplares de RCTV.

Manrique inició su carrera en Radio Caracas Televisión como espectador de los programas de Víctor Saume de "Gaby, Fofó y Miliky".
 
Su intachable trayectoria y la calidad con la que desempeñaba todas sus funciones lo llevaron a convertirse en el Jefe de Transmisiones de nuestro canal, función que le confirió la enorme responsabilidad de mantener la estación al aire, transmitiendo cada programa, cada promoción, cada cuña en su momento prefijado. Por mucho tiempo fue el gran operador del control maestro de la estación.

 Las anécdotas en torno a Julián Manrique ocurrían a diario, pues él fue el primer técnico de la televisión venezolana en sacar al aire una señal directa, vía satélite, en 1969 con la llegada del hombre a la Luna; fue el primero en ponchar una imagen a color en Venezuela; fue él quien interrumpió muchas veces los programas habituales para lanzar un boletín extraordinario de noticias.

Cuando a Julián Manrique se le preguntaba acerca de RCTV, él respondía: "Yo me considero Radio Caracas Televisión (...) A mí me pusieron un sello, así como se lo ponen al ganado: Radio Caracas Televisión. Yo he ponchado al aire casi todas las grandes transmisiones del canal. Radio Caracas Televisión ha sido pionera en todo. En unitarios, en novelas, cambió las estructuras de las novelas totalmente. Ha sido pionera en todo, inclusive hasta en denuncias.

Yo nunca he trabajado en otro canal. Es más, nunca he trabajado en otra parte. Así que realmente no tengo elementos de comparación, ni tampoco tengo interés ni ganas de comparar. La vida en el canal es muy agradable. Tú puedes departir con todos, incluyendo a los altos ejecutivos, sin mayores problemas".
 

CAMBIANDO LA TELEVISIÓN

En 1969, el mundo se movía a un ritmo distinto. Se respiraban consignas de cambio en todo el planeta, y en su planta televisiva, Manrique se preparaba para hacer historia en la televisión venezolana.

El 16 de julio de ese año, Manrique realizaba la primera transmisión vía satélite en el país: la llegada del hombre a la luna. Los televidentes venezolanos jamás olvidarán esa imagen, como tampoco olvidarán que fue este innovador quien “ponchó” por primera vez una imagen a color en Venezuela.

En el portal de información de rctv.net, se puede ver la siguiente declaración de Manrique: “Si a ti te gusta una cosa, no existe para ti navidad ni Viernes Santo, sino que lo haces y punto.”


Conoce más acerca de la vida de este ilustre compañero de trabajo a través del siguiente video:


Julian Manrique, dijo adiós...
Cargado por videosrctv. -






Entrevista Julián Manrique, jefe de transmisiones de RCTV

 
"Cuando la pantalla se puso negra, también se estaba muriendo una parte de mí"


SONIBERTH JIMÉNEZ

EL UNIVERSAL
Caracas, domingo 08 de julio, 2007  

Vestido con una franela que dice: "Se habla RCTV", una gorra con el antiguo logo de Radio Caracas Televisión y una chaqueta con la imagen del canal al lado izquierdo del pecho, justo donde está el corazón, Julián Manrique abre la puerta del Master del primer canal de televisión fundado en Venezuela.

Desde hace 48 años, Julián Manrique pertenece al staff de trabajadores de Radio Caracas Televisión. El jefe de Transmisiones de RCTV asegura que, desde el 27 de mayo -cuando la concesión no le fue renovada al antiguo canal 2-, su vida ha cambiado, su rutina no es la misma, inclusive su salud se ha visto afectada.

Orgulloso de sus años en la empresa, Manrique mantiene encendido el monitor que debería mostrar la señal al aire. Pero, como no hay transmisiones, solamente se puede observar un logo de RCTV, en movimiento.

-¿Cómo llegó a Radio Caracas Televisión?

-Yo era estudiante de segundo año del Liceo Caracas. Con un grupito de muchachos, veníamos a "colearnos" al canal. Tenía un tío (Mario Blanco) que trabajaba aquí. Me quedaron varias materias y mi tío me metió de office boy en Radiotel, una productora independiente. Eso fue en 1958. Todavía no había entrado en nómina.

-¿Desde cuándo está en el Master de RCTV?

-El 18 de marzo de 1959, entré como asistente de cámara, pero como era muy flaquito, no funcioné ahí. El 29 de septiembre de ese año, empecé en el Master y desde esa época estoy aquí. Primero fui operador de telecine, después pasé a operador de Master, supervisor de transmisiones y ya tengo muchos años como jefe de Master.

-¿Alguna anécdota en particular que lo haya marcado?

-El 26 de noviembre de 1992, estábamos en un acto del canal. Mi sorpresa fue cuando anunciaron una placa para el departamento de Master y aquello se cayó en aplausos. Todos se pararon en una ovación que duró más de cinco minutos... A nivel profesional, hay muchas cosas que contar, como cuando el hombre llegó a la Luna. La señal no le llegaba al estudio 10, pero me llegaba a mí al master. Con todos los problemas, pudimos hacer una transmisión perfecta.

-¿Trabajó el día del cese de las transmisiones?

-Vine a trabajar, pero a las tres horas me tuve que ir. No aguanté. Me parece muy injusto que por capricho de una sola persona se cierre un patrimonio nacional, el canal de televisión pionero de Venezuela, que ha sido primero en telenovelas, en noticias, en programas musicales... Me fui muy mal. En esos días, lloraba de noche. Todo eso hizo que el enfisema pulmonar se me alterara, igual la cervical que por los nervios está peor. Estoy en tratamiento.

-¿Vio el cese de las transmisiones?

-¿Cómo no lo iba a ver? Vi al ingeniero Edgardo Mosca, un muchacho que se formó aquí, y que hoy en día es vicepresidente de Infraestructura. Él se encargó de parar las transmisiones. Cuando la pantalla se puso negra, también se estaba muriendo una parte de mí. Sentí algo que no puedo describir. Pero mantengo la esperanza y tengo fe en que el canal va a volver.

-¿Su vida ha cambiado desde ese día?

-La costumbre te lleva a seguir viniendo para el canal, aunque sea un rato en las mañanas. Tampoco voy a pasar todo el día aquí en el master, sin hacer nada. Ahora en las tardes, veo películas como Casablanca o El ciudadano Kane, o biografías. También veo las noticias de Globovisión y el programa Buenas noches.

-¿Trabajaría en TVes?

-No, no trabajaría en TVes. Yo tengo principios.

Fuentes:
Tal Cual
El Universal
RCTV

Tinedo Guía, quería cantar como Sadel

Con todo respeto se llama el disco con el que, por estos días, el periodista hace su debut como cantante, bajo el lema "hay que romper paradigmas".

por Pablo Ernesto Blanco Domingo 13 de junio de 2010

Imagine, por un momento, al mismo señor solemne que narra las noticias en la pantalla de su televisor, bailando salsa, contando chistes y entonando boleros. Sin duda, el cambio de faceta es contrastante pero, ciertamente, válido. Al menos así lo demostró Tinedo Guía, quien fuera, por dos décadas, ancla de El Observador (noticiero de RCTV). Y es que, actualmente, además de ser locutor del Circuito Actualidad de Unión Radio, el periodista afina los detalles del lanzamiento de Con todo respeto, su álbum debut en el que, bajo la producción de Nelson Alizo, entona boleros, ritmos venezolanos y hasta un pasodoble. Guía, quien hace poco venció un cáncer de próstata, cuenta que el título de este "primogénito" alude a la humildad con la que pretende rendirles homenaje a los compositores e intérpretes venezolanos y extranjeros que han marcado su banda sonora.

Años atrás, al comunicador social le tocó bailar en el extinto programa de concursos Aprieta y gana, en el que improvisó una coreografía para el Mambo Number 5, en versión de Lou Vega, asunto que le valió una parodia a cargo de Cayito Aponte en Radio Rochela. Pero la cosa era en serio. En 2006, participó en el reality show de baile Date con todo -también del Canal de Bárcenas- obteniendo buenos comentarios sobre sus habilidades.

En resumen, se trata de un hombre que, más allá de su rigurosidad en su rol de comunicador social, muestra, sin complejos, su vena artística. "Nelson me dice que no hace falta tener una gran voz para interpretar y transmitir. Me puso como ejemplo a Julio Iglesias, quien es uno de los mayores vendedores de discos del mundo sin ser un tenor". Y aunque este padre y abuelo de familia, de momento, no tenga la intención de superar a Iglesias, sí desea regalarle su afecto melódico a los venezolanos. Así lo cuenta en las siguientes líneas...

El "tubazo" Con que una "travesura melódica"...

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"Sí. Una muchachada es la génesis de todo esto. Yo era serenatero. desde que estudiaba bachillerato, en esa época en la que podías salir libremente de noche por Caracas a cantarle un bolero a la que te gustaba".

¿Quiénes integraban ese grupo de serenata?

"Mis amigos de la adolescencia en Santa Mónica. Yo tocaba las maracas y los tambores, y los demás entonaban las melodías del momento. Posteriormente, trataba de emularlos en mi casa. Porque aunque no me lo creas, el que menos cantaba en las serenatas era yo".

No cuesta creerlo, siempre fuiste tan serio... "No, hombre, si siempre he sido un mamador de gallo. En las fiestas era yo el que echaba los chistes, con una respectiva escenificación de las voces, dependiendo de la nacionalidad del protagonista del cuento y midiendo las reacciones de mi audiencia".

¿Emulabas a cantantes en la intimidad de tu cuarto?

"Trataba de imitar a Alfredo Sadel. Hay un sinfín de canciones interpretadas por él que me gustaba cantar, como esa que dice (y entona): 'Oh, señora María tú que estás en el cielo, dame paz y consuelo...' Pero qué va, no llegaba a sus tonalidades exquisitas".

En tus años de primaria, ¿perteneciste a alguna coral?

"Lo intenté y fui rechazado. El profesor Arconada, del coro del colegio San José de Mérida, me dijo: '¡Usted no entra!'. En ese momento pensé que había estado terrible. Hoy en día reflexiono que, a lo mejor, necesitaba voces atipladas y la mía, según los entendidos, es de barítono".

¿Tienes algún familiar cantante?

"Mi mamá tenía una voz hermosa, suavecita. Era una gran admiradora de Carlos Gardel y siempre tarareaba en casa temas como Caminito, Mi Buenos Aires querido y El día que me quieras".

¿Qué te han dicho tus hijos de esta faceta?

"Como los tres tienen oído musical, fueron muy duros con las grabaciones de prueba; de hecho, muchas de las correcciones de esta producción se las hicieron ellos. Hay una parte de la canción Criollísima (de Luis Laguna y Henry Martínez) en la que antes yo desafinaba. Y uno de ellos me dijo: ¿Tú no te diste cuenta de ese barranco que te tiraste ahí?' otros me han tildado de 'machista', por el hecho de que no haya una voz femenina incluida (risas)".

¿No invitaste a tu esposa a acompañarte?

"Ella canta muy bien, pero no quiso. Me dijo: 'Este disco es tuyo. Cuando hagas el próximo yo canto contigo'. Si es que hay un próximo".

¿Qué expectativa tienes?

"Que a la gente le guste. Hasta ahora, se lo he entregado a personas que sé que pueden hacerme una crítica constructiva sin destrozarlo. Como mi amiga Martha Palma Troconis (periodista de Globovisión), que me dijo: 'me fascinó tu CD. No puedo creer que cantes tan lindo y lo versátil que eres. Te faltó un reggaetón, lo interpretarías buenísimo'".

¿Qué pasa si lo "destrozan"?

"Bien dicen que 'si quieres ser criticado, haz algo'. Evidentemente, siempre habrá alguien que te critique o que se burle de lo que tú hagas. Pero la burla es una debilidad interna del individuo. Los psicólogos la llaman 'proyección'. Así que con quien se burle habrá que ser comprensivo. Para que el mundo evolucione hay que romper paradigmas. Si los científicos no lo hicieran, no tendríamos nuevas vacunas".

¿Cómo sería un show tuyo en vivo y directo?

"Me gustaría que fuese una suerte de reunión íntima, como lo son las presentaciones de Facundo Cabral, Alberto Cortés, Roberto Carlos o Armando Manzanero, donde todos nos sintamos identificados con lo que está pasando. Quizás cantaría con un micrófono inalámbrico, dándoles las letras impresas de las melodías a los asistentes para que las siguieran si les provocara".

¿Incorporarías el baile?

"Sí, pero no como Chayanne (risas). Me buscaría una pareja que fuera significando lo que dicen las letras".

En todo caso, los que han escuchado el disco ¿te han puesto algún apodo?

"Un amigo me dijo: 'por un momento pensé que era José Luis Rodríguez', cuando escuchó un tema del álbum que se llama Esta noche está para boleros. Pero no pretendo ser comparado con El Puma , que, cabe decir, es un artista extraordinario".

Y si, como cantante, te identificaras con un animal...

"Sería con la hormiga. Porque trabaja mucho y siempre está reservando algo para el futuro".

Pero no suena muy comercial "La hormiga Tinedo"...

"Pero, ¿por qué me tengo que identificar con un animal? Somos seres evolucionados. Aunque exista 'la pantera de Boston' (Donna Summer) o los Leones del Caracas. Y, ¡ojo!, yo soy de los Tiburones de la Guaira (risas)".

Con esta nueva faceta has mantenido la humildad por delante...

"Lo que me importa es la transmisión de una emoción y eso es lo que yo quiero lograr, sin ninguna vanidad".

¿Una canción para el país?

"Alguna que hablase de esperanza, respeto y unidad, de eliminar el egoísmo y enaltecer la riqueza espiritual por encima de la material, que es la que motiva la delincuencia. Tendría que ser una melodía dedicada, sobre todo, a la tolerancia".

pblanco@eluniversal.com



Fuente: Revista Estampas - El Universal

Se nos fue Graterolacho

El humorista, creador del semanario El Camaleón y del programa de TV con el mismo nombre, dejó de escribir sus versos llenos de risas e inteligencia luego de 75 años de vida

Hasta Siempre Graterolacho  1935-2010

Mayelit Valera 

Ya no más inventos y rimas saldrán de la mente de Manuel Graterol. Su ingenio, lleno de poemas, de versos y de crítica, se extinguió este viernes 11 de junio luego de 75 años. Decidió ir al encuentro con su viejo amigo Lumute (Luis Muñoz Tébar) para hacer, nuevamente, El Camaleón.


Según informa el también humorista Rolando Salazar, una afección pulmonar provocó la muerte del querido Graterolacho en la tarde de este viernes 11 de junio.


Hasta el último momento, se mantuvo activo con su torrente creativo. Su cuenta de Twitter (@GRATEROLACHO), seguida por 32.819 personas, expresó su último tweet el pasado lunes 07 de junio. Como siempre, en rima: “Ahora tengo la garganta/ comenzándome a doler/ y me dispongo a comer/ sin papa el sapo no canta”.

Por eso hoy el humor está de luto, y la risa le da un espacio al silencio para despedir a este gran hombre de las letras, quien ha dejado un vació en los escenarios al ser un personaje irreemplazable, una mente brillante y perspicaz que nada lo detenía, siempre estaba dispuesto a participar en lo que fuera, sólo por hacer reír a su público, y con humor revelaba sus inquietudes y hacía reflexionar a sus seguidores.

Hoy de seguro no estará callada, y desde el cielo nos estará echando un chiste, pero ahora serán los ángeles quienes compartirán sus ocurrencias, porque su voz no se callará nunca, sus palabras siempre estarán presentes, y más vivas que nunca, caminarán por el periodismo, el humor y los espectáculos.

Amigo incondicional  

El consagrado humorista de 75 años, creador del semanario El Camaleón y columnista del diario El Nuevo País, falleció ayer luego de haber sufrido una neumonía y haber estado internado - desde el jueves - en terapia intensiva, así lo confirmó su amigo y colega Rolando Salazar vía telefónica el día de ayer cuando confirmó la noticia por Globovisión.

Sobre su incondicional amigo expresó: "Tenía una lealtad incondicional a sus amigos, un reconocimiento al trabajo de los demás, un punto de crítica cuando lo necesitábamos. De Manuel podemos decir que era un venezolano preocupado, con un sentido de lucha e integral, que consagró su vida al país con sinceridad y con un profundo amor a Venezuela; es una gran pérdida", dijo Salazar.

Otro de sus compañeros y amigos, Napoléon Bravo, manifestó lo siguiente: "Estoy impactado, un hombre lleno de vida. Hace un mes hablábamos de un proyecto que íbamos hacer aquí en la Isla de Margarita. En verdad me duele muchísimo, me duele por Lourdes, su esposa, sus hijos, por nosotros sus amigos y por   Venezuela. Era un gran compositor y como ser humano un hombre excepcional. A través de su humor nos hacia sentir mucho mejor, siempre con sus críticas constructivas que hacia reflexionar al país, estamos de luto". 

"Se ha ido un gran hombre, un hombre que amaba a Venezuela, siempre con sus coplas y sus versos. En verdad estoy impactada por Dios. Lo lamento muchísimo, fuimos grandes amigos, recuerdo mucho sus coplas, sus versos, puras cosas buenas, tenía un gran sentido del humor. Cuando trabajaba en la publicidad se destacó mucho y siempre habían muchos cuentos de él, era comiquísimo", señaló la cantante Mirla Castellanos.

Con la voz llena de sentimiento comentó su gran amigo Cayito Aponte: "Es un golpe muy duro, se fue un hombre que siempre luchó por su país. Siempre tuvo la palabra exacta para las circunstancias, para hacer sonrisas y coplas. Recuerdo que éramos más que compañeros, éramos hermanos todos los 6 de abril yo lo llamaba, porque era su cumpleaños, y el me llamaba el 22 de abril, era una llamada obligatoria, Lamentablemente se quedaron tres proyectos engavetados, él sabrá ayudarme para llevarlos adelante, esa es su obra, y hacerle un homenaje a mi querido sapo Graterolacho".

Historia de humor

Gaterolacho nació en Turén, Portuguesa, aunque siempre se identificó con Caracas, la ciudad de la que se consideraba como el "segundo hijo". De profesión publicista, pero se destacó como humorista, escritor y guionista de programas radiales y de televisión. En una entrevista comentó que su incorporación a los medios no fue fortuita. Se inició en la televisión con "El show de las 12" y "El show de Joselo". 

En la radio comenzó cuando apenas estaba en bachillerato, en un programa llamado "La hora del liceo", por Radio Acarigua. Libretista de los programas "Media hora con Joselo y Simón" y "Julián y Chuchín, dos vivianes de postín". Escritor y conductor, junto a otros destacados humoristas de "Rueda Libre" y "El camaleón", éste último ha sido una de sus máximas creaciones pues simultáneamente circuló como semanario y se transmitió por televisión hacia la década de los 80.

Fuente: El Impulso

Esdras Varagnolo, el venezolano que ilumina en Pixar

Toy Story 3, el más reciente proyecto en el que ha trabajado el merideño Esdras Varagnolo como director técnico de iluminación, aunque ha estado involucrado en todas las películas que los famosos estudios de animación han producido en los últimos cinco años.

Todo en Domingo conversó con él sobre la experiencia de ponerle luz a las escenas de los filmes animados más populares del planeta

http://impresodigital.el-nacional.com/suplementos/2010/06/06/

Todos los niños se sienten orgullosos al contar en el colegio qué hacen sus padres. Pero no todos pueden decir: "Mi papá trabaja en Pixar".

Quienes sí lo pueden hacer son los dos hijos, de 7 y 9 años, del venezolano Esdras Varagnolo.

"En el colegio son como pop- stars", bromea el padre, que se desempeña como director técnico de iluminación en los famosos estudios de animación y asegura que una de las razones por las que se decidió a trabajar con los responsables de películas tan exitosas como Toy Story o Buscando a Nemo, fue precisa- mente por sus pequeños.

"Yo quería compartir mi trabajo con ellos, lo que estaba haciendo en Los Angeles eran puras películas de acción, violencia y desastres", dice con un español que parece haberse ido diluyendo en los 13 años que lleva viviendo en Estados Unidos. Antes de que trabajara en los filmes animados Cars (2006), Ratatouille (2007), Wall E (2008), Up (2009) y ahora Toy Story 3, el nombre de este merideño de 33 años, estuvo entre los créditos de efectos especiales de películas como Swor- dfish, Star Trek: Nemesis y El día después de mañana.

De cómo cambian los sueños. Cuando Varagnolo decidió abandonar los estudios de Arquitectura, pues su idea era aprender a animar en 2D. "A mí no me gustaban las computadoras", dice quien recuerda como favoritos los dibujos animados que marcaron la generación a la que pertenece: desde Bugs Bunny hasta Ma- zinger Z, pasando, no faltaba más, por los clásicos de Disney como Pinocho, Alicia en el País de las Maravillas o Los 101 Dálmatas.

Pero no llegaba en el mejor momento de la industria de animación tradicional, que ya en esa época ­finales de los años 90­ se veía prácticamente desplazada por la era de la animación digital. Trabajó dos o tres meses en AnimAction, un programa de talleres para estimular la creatividad y el espíritu de colaboración en niños y jóvenes a través de la animación, para luego, gracias a una amiga, comenzar a trabajar en una empresa audiovisual como asistente de producción. "Era el que llevaba el café", dice para resumir sus responsabilidades en ese puesto. Pero luego, al ver lo que allí se realizaba, comenzó a interesarse en el diseño 3D. "Como no estaba haciendo nada más, me senté en los equipos y aprendí".

A los seis meses comenzó a haber más trabajo y en la productora, le pidieron que ayudara con los backups de las escenas. "En ese momento me tuve que reconciliar con las computadoras", reconoce. Ahí hizo texturizado, efectos, animación, de todo un poco. "Me tuve que poner pilas con las matemáticas, llegaba a la casa a estudiar cálculo y física", cuenta. Luego pasó a trabajar en la empresa Digital Domain, dedicada a la animación y efectos especiales.

"Yo participé en la iluminación de Star Trek: Némesis, y como les gustó mi trabajo, me promovieron a supervisor de iluminación", relata sus comienzos en la compañía en la que permaneció durante casi cinco años.





De las explosiones a los rostros. "Es más delicado cuando vas a iluminar un personaje, pues tienes que buscar la expresión de los ojos, las posiciones de perfil, la interacción con el ambiente, para que lo que se busca contar se lea lo mejor posible", dice Varagnolo al comparar su trabajo anterior, que implicaba la integración de efectos tridimensionales, y lo que hace en Pixar.

Una labor que, por ser virtual, casi siempre requiere de explicaciones: "Es bastante abstracto, pero realmente diseñar la iluminación de una escena digital es muy parecido a lo que se hace en un set normal. Hay bastante similitud con el trabajo de un director de fotografía. Lo haces bajo los mismos principios y el objetivo es enfocar la atención del espectador. Cuentas la historia con colores. Y el resultado final es una visión de todos los departamentos para llevar el foco a donde el director lo quiere", detalla.

La responsabilidad, después de cinco años en los estudios Pixar, es mayor. "Ahora me siento con el director artístico y el de fotografía para conversar sobre el diseño de la iluminación de las escenas y luego le indico al resto del grupo lo que se quiere lograr". En Toy Story 3 su trabajo comenzó en noviembre del año pasado. Una de las secuencias en las que trabajó en solitario es cuando Buzz Light Year, el célebre guardián del espacio, sufre un "reseteo" involuntario y termina hablando con acento español. Varagnolo no puede dejar de reír con sólo recordar la escena, y quienes han visto los cortes de la película entenderán en parte por qué. El resto, tendrá que esperar a ver el filme en el cine, porque él no suelta ningún detalle sobre la nueva historia de los juguetes. No lo hace ni con sus hijos: "No les quiero arruinar la sorpresa, pero los dejo picados", dice divertido.

"Vacílate la iluminación". Eso es lo que Varagnolo sugiere cuando se le insiste sobre lo que no hay que perderse de Toy Story 3. A parte de que hay que verla en la versión 3D, también recuerda que no hay que llegar tarde para poder disfrutar del corto que acompaña a la nueva película, ese detalle de Pixar al que los espectadores ya están acostumbrados y que muchos esperan con entusiasmo. El que se estrena junto a las aventuras de Woody y Buzz, se llama Día y Noche. Varagnolo también puso sus luces allí. "Es un corto profundo y delicioso. El mensaje es muy bueno y es la mejor ejecución en 3D que hemos hecho hasta ahora", dice orgulloso quien ya está trabajando en un nuevo corto y en el desarrollo de la segunda parte de Cars. Si todo lo que viene es como promete, habrá entonces que vacilárselo.


Fuente: Diario El Naciona-Revista Todo en Domingo

Taita Boves: Repasando a nuestros caudillos

Libremente inspirado en la obra literaria Boves, el Urogallo de Francisco Herrera Luque, el reconocido director venezolano Luis Alberto Lamata lleva al cine la épica del más famoso antihéroe de nuestra historia

Por Carlos “Caque” Armas
 

Aquello del malo malísimo que se peina los bigotes al tiempo que ríe “muaca muaca” mientras planifica sus maldades, nunca funcionó para Francisco Herrera Luque. Tampoco lo hicieron los héroes independentistas inmaculados y pulcros, montados en plazas y pedestales exentos de humanidad. La historia la escriben los vencedores (y los que la puedan manipular), por eso su obra fascinaba y sigue fascinando por su forma de cuestionar lo mil veces dibujado y de fabular ciertas lagunas de la historia de Venezuela.


Cuando en 1972 publicó su novela acerca de José Tomás Boves -personaje desvirtuado hasta el cansancio por las vergüenzas y orgullos de historiadores, guerrero terrible, sanguinario y protagonista de leyendas-, ésta se convirtió en un éxito inmediato. Hoy es considerada como una de las obras indispensables de la literatura venezolana.

Entre quienes se devoraron los primeros tirajes de la novela en una sentada, estaba el padre de quien sería uno de los directores más destacados de Venezuela: Luis Alberto Lamata.
 

“Siempre me interesó mucho la historia, el cuento de qué había pasado antes. Buena parte de ese interés viene gracias a mi padre, quien disfrutaba narrándonos los cuentos de la historia de Venezuela muy, muy bien”, comenta el director. “Yo tenía como 15 años cuando mi papá leyó y comentó Boves, El Urogallo. Yo la heredé y devoré. Recuerdo que fue una lectura afiebrada, de esas que no se detienen. Me emocionó mucho, yo sentía que allí estaba reflejado el país de una manera que no había visto antes. Era interesante, con una forma novedosa de abordar nuestro pasado y las razones de los procesos alrededor de nuestra independencia.”




Poco después de la publicación de la novela, se hizo una adaptación para TV con guión de José Ignacio Cabrujas y con Gustavo Rodríguez en el papel protagónico. Era una de las cosas más redondas que se habían hecho en nuestra pantalla y el joven Luis Alberto ya tenía interés en el cine y la TV. Poco sabía que más de 30 años después, él y su productora Jericó LL Films llevarían a la pantalla grande su propia visión de Boves, El Urogallo.



“Taita Boves hay que verla como la visión libre y personal de un autor que respeta a un autor mayor como Herrera Luque. Si bien está inspirado en la novela, es una versión muy personal. Para mí, tiene sentido ser responsable de una mirada que posea parte de mis vivencias personales y de un país que 30 años después no es el mismo que cuando se publicó la novela”, cuenta Lamata.

-¿Qué cree que opinen los puristas y fanáticos del texto original?

-La integridad de la novela sigue intacta, traicionarla seria cambiarle puntos y adjetivos. La novela está ahí, tan maravillosa como es, me coloco entre los que le tienen mucho apego. Los más puristas tal vez van a echar en falta la parte de la novela que tiene que ver con El Pez que Escupe Agua, otra de las novelas de Herrera Luque, pero cinematográficamente implicaba un acercamiento distinto. Es una trama interesantísima, pero más propia de una miniserie.
 
-Esta es tu segunda película en co-producción con la Villa del Cine. ¿No temes que te vinculen con un cine gobiernero y propagandista?
-En absoluto. Boves es una circunstancia distinta en mi relación con la Villa. Miranda Regresa fue también una satisfacción, pero en ese caso, ellos me contrataron para dirigirla. Taita Boves es una co-producción. Se estableció una relación que permitió que la Villa fuera uno de los participantes y estoy muy contento con los resultados, tanto, que estaría dispuesto a trabajar con ellos otra vez. Sé que existen prejuicios, pero hay que aprender a navegar por encima de ellos. No podemos permitir que los extremos enfermos de ambos bandos afecten lo que debe ser la vida normal de un país. Los extremos intolerantes no dejan avanzar.
 

-Uno de los puntos fuertes de la película es la actuación de Juvel Vielma, un actor joven, de teatro, que al ver la película resulta toda una revelación.

-Empezando el proceso de buscar a Boves, pregunté mucho por gente nueva. Era un papel difícil, pues no sólo debía ser buen actor, sino tener un físico determinado. Debía montar a caballo, no tener más de 30 años, tenía que verse bien con el pelo rojo y, sobre todo, debía ser un actor que tuviera la pasión y locura que un personaje como Boves debe haber tenido. Preguntando llegué hasta Juvel, a quien vi por primera vez en un montaje de Héctor Manrique llamado Fin de Partida. Él hacía un papel extraordinario. Los castings son mentirosos, te cuentan poco de lo que es un actor. Yo, personalmente, prefiero otro tipo de acercamiento. Así que no hubo casting. Leímos algunas escenas, conversamos un poco y decidí que ese chamo era el Boves que yo me imaginaba. En el resto del elenco, también hay actores conocidos como Gledys Ibarra, Daniela Alvarado y Luis Abreu, por nombrar algunos. Si hay algo que me gusta de Taita Boves, es que combina nuevos y viejos actores.

Taita Boves se filmó en locaciones de Valle de la Pascua, en el estado Guárico. Ahí se recrearon batallas y exteriores en plena temporada de lluvias, cosa que complicó mucho el rodaje. Hubo escenas donde el barro le llegaba a los actores y al equipo, literalmente, hasta las rodillas.

-Taita Boves habla sobre un lado muy oscuro de nuestra historia independentista. De hecho, tengo entendido que la película se hace intencionalmente más sombría en la medida en que el personaje se hace también más sombrío. ¿Qué esperas que pase en el público cuando vea esta película?

-Me interesa que se lleven preguntas e inquietudes sobre lo que es el pasado de Venezuela. Siento que un país necesita tratar de comprender su pasado, que no es lo mismo que anclarse en él o creer que lo que pasó antes es una maldición que nos va a perseguir por siempre. Un país necesita su pasado para tener identidad, igual que uno necesita su memoria. En la película, lo que sigue al título es una pregunta: “¿Hasta dónde llega tu venganza, Taita Boves?” Tengo ganas de hacerles la misma pregunta a todos los venezolanos por muchas circunstancias del presente.

-¿Qué sigue para Lamata?

-Vacaciones nunca. Tengo guiones en proceso, dos proyectos paralelos a ver cuál consigue financiamiento. Como cineasta, si quieres adelantar, debes cargar con un baúl de ideas a cuestas. Por cada película que uno hace, siempre hay cinco o diez que se quedan en distintas etapas. Hay un par de ellas que espero puedan salir adelante.
 
Fuente:
Revista Sala de Espera

Héctor Velásquez Mejía, de Boconó a Washington

Antes de incorporarse a CNN en Español Héctor Velásquez Mejía fue, por espacio de 15 años, locutor internacional para Voice of America en Washington, Los Ángeles y Miami.

Tiene lo que se podría llamar un "vozarrón". Su tono coincide con esos locutores que no pasan desapercibidos cada vez que habla. Es una voz educada, melodiosa e impecable. Empezó a trabajar en ella desde que -a dúo con su padre- decidió que la radio sería su pasión. Esa idolatría por el micrófono empezó cuando apenas tenía 10 años. Hoy, más de 40 años después, no dejan de brillarle los ojos cuando habla de su experiencia inicial en la radio de Boconó, de su desarrollo en Mérida y luego en la cima como voz ancla de CNN y en La Voz de América.


por NILSA GULFO
imagen: ARMANDO SÁNCHEZ

Una voz desde Atlanta
Héctor Velásquez Mejía estuvo de paso por la ciudad de Mérida, esa que lo escuchó por más de 15 años en emisoras tan conocidas como Radio Universidad o Radio Cumbre. Ahora, desde la casa de su hija, recuerda cómo llegó a Estados Unidos: entrando por la puerta grande en el mundo de la radiodifusión.

De Boconó a Washington
Cuando Héctor Velásquez vio por primera vez un micrófono, lo hizo de la mano de su padre Rafael Velásquez Hurtado. Pionero de la radio en Boconó y visionario de todo lo que tenía que ver con el mundo del periodismo radiofónico. Allí -con apenas 10 años- dio sus pininos en la elaboración de noticieros y de espacios deportivos. "Mi papá era un periodista de esos que no estudiaron, pero que era una brillante pluma. Yo lo que hacía era grabar y copiar las noticias que tomábamos (por onda corta) de los noticieros nacionales e internacionales, así se armaban cuatro emisiones diarias".

Desde ese sitio, en Boconó, oía las noticias que se transmitían desde La Voz de América. Era un deleite escucharlas desde tan lejos. Eran mágicas y hasta parecían de otro planeta. Apenas lograba imaginar los rostros de esos señores que con impecable acento narraban todo lo que ocurría en el mundo. ¿Cómo olvidar aquel programa llamado Noticias Dictadas y que era conducido por el famoso locutor argentino Federico Schele? Desde ese pequeño cuarto, lleno de grabadores y máquinas de escribir, jamás imaginó que serían esas mismas voces las que un día le darían la bienvenida como compañeros de faena. Yo le conté a Federico sobre mi sueño y de cómo lo escuchaba allá en Boconó… creo que nunca lo creyó".

Pero así fue. El destino le hizo formar parte de una de las emisoras más importantes de Estados Unidos, luego de ver un aviso aparecido en 1985 en el diario El Universal que le guiñó un ojo. El aviso decía textualmente: "La Voz de América (VOA) solicita locutores para trabajar en sus estudios de Washington".

Como el que va a un campo de batalla, fue a Caracas y presentó las pruebas, improvisó, tradujo y narró en vivo, tal como exigían la convocatoria. Su contrincante más cercano en ese momento era el muy conocido Walter Martínez. Esto le hizo pensar que la competencia no era tan fácil. Sin embargo, se llevó el trofeo con todos los honores y a los tres meses ya estaba en Estados Unidos siendo parte del staff de locutores de la importante cadena. En esta emisora, caracterizada por cubrir los cuatro costados de Estados Unidos, duró 15 años hasta que empezó a formar parte del grupo de periodistas de CNN en Español. De su experiencia en la Voice of America tiene dos premios periodísticos.

El largo periplo por Mérida
La historia de la radiodifusión merideña le tiene un puesto importante a Héctor Velásquez. Aún cuando sus inicios en la radio fueron en la población de Boconó, su época de gloria la inició en Mérida.

No llegó a la Ciudad de los Caballeros, en 1965, para hacer carrera como radiodifusor, lo hizo porque quería graduarse en Ciencias Puras en la Universidad de Los Andes, cosa que no cumplió. Lo que si logró fue graduarse en Administración y consagrarse como locutor en varias radios de la ciudad. También logró hacer un posgrado en Administración en Estados Unidos (por medio de su trabajo como profesor en la ULA) donde aprendió a hablar perfectamente inglés.

Apenas graduado de bachillerato y con un certificado de locutor que lo obtuvo siendo menor de edad, Velásquez empezó a realizar pequeños espacio en Radio Universidad, una AM de largo camino en la ciudad. Allí su talento le hizo tomar ventaja y en poco tiempo estaba en la preferencia de la audiencia.

Pero -como el mismo dice- su época de oro la vivió en Radio Cumbre, otra AM de respetada experiencia, con altísima audiencia en la década de los setenta-ochenta. Acá la experiencia no fue sólo en espacios musicales sino en informativos y deportivos. Era la época en que se codeaba con respetadas voces como la de Jorge Villet Lupi, Omar Dávila Araque, Emiro Rivas Jerez, entre otros reconocidos locutores. Así estuvo hasta 1985 cuando la suerte le tocó a su puerta con un pasaje de larga estadía en Estados Unidos.

CNN: el gran guayabo
Héctor Velásquez Mejía todavía suspira cuando habla de su experiencia en CNN. Aún cuando no se queja del trabajo que realiza actualmente como traductor e intérprete del Departamento de Educación de la ciudad de Nueva York, el oficio de periodista lo sigue perturbando. Después de ocho años como parte del equipo CNN, donde cubrió importantes episodios como el juicio a Michael Jackson y en donde llegó a ser jefe de redacción, dejó hace dos años ese trabajo. "Aún el vínculo no se ha perdido ni con CNN ni con La Voz de América". Asegura que aún no ha superado el "guayabo" de haberse ido de CNN, porque fue una experiencia inolvidable, pero las puertas se siguieron abriendo…y él siguió entrando a nuevas experiencias.


Fuente:
Revista Estampas
DOMINGO 3 DE ENERO DE 2010

Jesús Florido: su secreto es la disciplina

El violinista venezolano Jesús Florido se ha ganado un lugar en el mundo de la música a fuerza de talento y versatilidad, lo que le ha permitido compartir escenario con artistas como Whitney Houston, Zubin Metha, Led Zeppelin, The Moody Blues, Mark O’Connor y Paco de Lucía, entre muchos otros, está convencido de que la música debe formar parte del desarrollo de cada ser humano.

El músico de 43 años formó parte, como miembro fundador, del Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, mejor conocido como El Sistema, institución que ha cobrado gran renombre en Estados Unidos gracias al impulso que le ha dado su compatriota y amigo, el maestro Gustavo Dudamel, quien desde el otoño asumió la dirección de la Filarmónica de los Ángeles.

"Mi encuentro con la música ocurrió desde que era un niño; crecí escuchando a mi papá tocar el cuatro y dando serenatas por las calles de mi natal Barquisimeto", dijo Florido.

A los 6 años de edad comenzó a estudiar piano, teoría y solfeo, y un año después inició sus estudios de violín, instrumento al que describe como parte esencial de su vida.

"Como integrante de El Sistema atendía las clases de violín los siete días de la semana; para mí ese es el secreto. La música se convierte en tu modo de vida; la dedicación y la práctica te hacen bueno y te otorgan una disciplina impresionante desde muy joven", relató el músico, que a los 22 años ya había tocado en todas las orquestas sinfónicas de Venezuela.

En 1989, y sin muchos recursos económicos, llegó a Estados Unidos para continuar sus estudios. Logró obtener una beca en la Butler University, en Indianápolis, donde obtuvo su título en 1996 en violín, dirección orquestal y educación.



Desde entonces, Florido se ha destacado como un músico muy versátil al mezclar la música clásica con la afrocubana, jazz, rock y sus raíces venezolanas, lo que le ha dado un estilo ecléctico en la ejecución del violín acústico y eléctrico.

Su virtuosismo le permitió ser invitado por el reconocido violinista estadounidense Mark O’Connor para participar, durante 10 años, en sus campamentos de Nashville y San Diego, enseñando violín e improvisación a los mejores estudiantes de este instrumento que provenían de todas partes del mundo.

La enseñanza es parte de la vida cotidiana de Florido, quien desde muy joven se destacó como violinista, productor, compositor y arreglista.

Ha recorrido más de 27 países realizando talleres de música, especialmente dirigidos a niños y jóvenes; su labor le ha permitido obtener las llaves de las ciudades de Indianápolis, Chicago, Boston, Singapur y Culver City.

"Estoy convencido de que la música tiene que ser parte del desarrollo de cada niño en el mundo", afirmó el músico, que actualmente trabaja como consultor especializado en pedagogía en Estados Unidos Brasil, España, Canadá, Alemania, Austria, Francia y Bélgica.





Desde el 2001 Florido fijó su residencia en Los Ángeles, donde produjo su disco como solista Heading North, en el que fusiona el jazz, la música clásica, el rock y la música latina.

"Mi disco propone también que siempre nos fijemos un norte, para que sigamos la pasión que nos mueve, para que descubramos qué es lo que hace falta para aprender a realizar esa pasión y cómo hacerla de manera que no quede duda. Como minoría, tenemos que trabajar el triple, pero con ética y buen nivel personal y profesional, se puede marcar la diferencia", dijo.


Fuente:
Impre.com

Manuel Díaz Punceles: "Marinas"

El mar para Díaz tiene un carácter especial y múltiples semblantes. Sus marinas, las olas de este mar, no solo son ondas acuáticas, estas olas poseen cada una su vida y un vibrante carácter propio. Ya sean barras, rompientes o marejadas-cuando lo desean-, pueden transformarse en delfines juguetones, en hieráticos leones, o amenazantes ¡dragones! Al respecto el artista ha señalado algo que puede resultar esclarecedor: “Creo que simultáneamente a la percepción cotidiana, existe otra igual de importante o más, que solo se revela a quienes logran mirar y ver en periferia”.

Mercedes Carrillo


EL ARTISTA

Manuel Antonio Díaz nace en Caracas, Venezuela. Durante su infancia y adolescencia viaja y estudia en los USA. Luego del bachillerato, reside en Roma, Madrid y Florencia, donde estudia el italiano, arquitectura, e historia del arte. En la Universidad de Ginebra y luego en la Sorbona en Paris, cursa estudios de francés y de literatura francesa, a la vez que practica su pasión por la fotografía. Regresa a Venezuela en 1964. Colabora en las revistas CAL y Zona Franca con algunos cuentos y fotografías.

En 1966 realiza su primera exposición pictórica unitaria y obtiene una buena acogida de la crítica así como un discreto éxito de público. El distinguido novelista y conocedor de arte que fue Guillermo Meneses, al presentar el grupo de trabajos entonces expuestos señalaba: "...allí están estos collages dentro de los cuales puede cualquiera encontrar un grave sentido de la vida..."

Aunque nunca abandona la plastica y la fotografìa, Díaz viaja a La Haya, Holanda, donde se desempeña como funcionario en la Embajada de Venezuela. Ente tanto participa al concurso de ingreso y es admitido con una beca por el Estado italiano al entonces Centro Sperimentale de Cinematografía de Roma, presidido por Roberto Rossellini, con lo que renuncia a la actividad diplomática para estudiar dirección cinematográfica. Después de obtener el título de director cine y otro de la RAI TV para televisión, trabaja como guionista y asistente-director en la industria del cine y la televisión italiana. Tras una residencia de siete años en Roma, Díaz vuelve a Venezuela.

En Caracas lleva a cabo una extensa actividad tanto en cine como en video, que incluye numerosos cortos y un largometraje de argumento en 1973, así como una serie de documentales. Siempre activo en la búsqueda creativa y comunicacional, Díaz incurre en el periodismo con artículos para prestigiosas revistas como, Zona Franca y Resumen; y en diarios como El Nacional, y El Globo.

Actualmente, M.A. Díaz, vuelve a la plástica con un impresionante conjunto de obras concebidas y esbozadas durante las últimas tres décadas, pero concluidas en medio a la profunda crisis que envuelve Venezuela desde los años ochenta hasta el presente. Cuando el interés manifestado hacia los bocetos y algunas pinturas concluidas por parte de amigos coleccionistas y conocedores, el artista decide hacer públicos sus trabajos.


CONCEPTOS

M.A. Díaz, es un artista quién ha viajado y vivido plenamente en distintos países; que ha explorado y ha creado en casi todos los medios de expresión, incluyendo literatura, cine, video, fotografía y pintura. Y como el mismo ha señalado: "Quizá tal multiplicidad de inquietudes me ha limitado en la consolidación definitiva de un medio de expresión".

El artista considera el ordenador como la herramienta mejor indicada para trabajar sin limitaciones ni cortapisas. Su estilo es una amalgama de pintura, ilustración digital, fotografía y video. Díaz considera su arte como de "todo-género". Al respecto señala: "Quizá mi trabajo podría describirse como una perpetua exploración de la vida y la humanidad." Refiriéndose a posibles influencias ha expresado, "disfruto particularmente el arte europeo del siglo 14 en adelante. En mis obras creo haber mezclado influencias de los siglos 14, 15 y 16, con las de pintores y otros artistas modernos y contemporáneos".

Contemplando su obra, resulta evidente el interés del artista por todo lo que le rodea: el ser humano y la sociedad; la naturaleza o el color, son todos elementos que gatillan su instinto creativo. Díaz no se detiene, encuentra y luego busca; entonces quizás medita sobre lo descubierto. Como ya se lo dijo Guillermo Meneses, en aquella primera muestra: "Manuel Antonio Díaz es inquieto artista. Lo he visto llegar a través de diversas formas de arte. Un cuento, un poema, una fotografía... estos collage". Las palabras del intelectual e importante coleccionista que fue Meneses, siguen estando vigentes hoy como ayer en cuanto a Díaz.



TECNICA

En cuanto a las técnicas adoptadas, Díaz señala, "Muchos de mis cuadros consisten en digicollages compuestos de imágenes registradas por una cámara video-fotográfica digital, una polaroid, o directamente de la pantalla de TV, que luego reelaboro en mi ordenador con un programa gráfico modificado. Mi hardware actual consiste en un PC con procesador potenciado a 400MHz, tarjeta videográfica G4 con 350MB de RAM, un monitor de 17-pulgadas, unidad de disco duro de 13GB, el Laic CD-RW, Waco Intuits 6x8 pulgada , escáner, y una cámara de video-fotografía digital".


DECLARACIONES DEL ARTISTA

Con relación a su estilo el artista ha señalado: "Las imágenes y combinaciones de color que utilizo probablemente son producto de mis estudios de arte y mis visitas a los museos, al igual que mis raíces Ibérico-americanas". En otro aspecto añade: "Supongo que ha sido mi temperamento el que me atrajo a la imaginería de artistas de épocas y estilos muy diferentes. Creo estar influenciado por la obra de los viejos flamencos como Bosch, Brughel y Holbein. Por los maestros del renacimiento italiano, y los grandes españoles del "sigo de oro", como Velásquez y Goya. Al igual que artistas y pintores modernos como Munch y Ernst, y más contemporáneos como Escher y López García. Al igual que autores cinematográficos como Dryer, Buñuel, Kubrik y otros.

CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS

Las obras de M.A. Díaz, son en gliclée. Gliclée o pintura digital, es una obra de arte creada con el uso de un ordenador y un impresor digital Iris Inkjet de alta calidad. Las mismas están elaboradas en tela Canvas o papel Photomatte, con tinta de aceite "micro bright" o, dye pigmentado. Impresas con una resolución de entre 600 a 1.800 DPI. Lo cual garantiza la mayor fidelidad, al igual que una inmejorable calidad pictórica y cromática, que poco se diferencia de cualquier tela de arte tradicional.

Estos originales pueden ser reproducidas en diferentes formatos. Su precio está relacionado con el tiraje, las medidas y el material de soporte (papel o tela canvas) requerido. Todas las obras vienen acompañadas por un certificado de autenticidad y características firmado por el artista.



MARINAS

Se encuentre apacible o furioso, el mar es siempre un espectáculo de cambiante e imponente seducción. Cielos oscuros y relampagueantes, o serenos espacios azul; viento, olas y nubes de tormenta, manifiestan las fuerzas de la naturaleza que la sensibilidad de este creador selecciona y modela en obras de arte a veces de apariencia casi abstracta. En ellas Manuel Díaz expresa su pasión y admiración hacia la belleza imperturbable-o terrible-del mar, en el cual el artista siempre ha disfrutado bracear y navegar.

Pero el mar para Díaz tiene un carácter especial y múltiples semblantes. Sus marinas, las olas de este mar, no solo son ondas acuáticas, estas olas poseen cada una su vida y un vibrante carácter propio. Ya sean barras, rompientes o marejadas-cuando lo desean-, pueden transformarse en delfines juguetones, en hieráticos leones, o amenazantes ¡dragones! Al respecto el artista ha señalado algo que puede resultar esclarecedor: “Creo que simultáneamente a la percepción cotidiana, existe otra igual de importante o más, que solo se revela a quienes logran mirar y ver en periferia”.

Independientemente de su valor estético y creativo, cabe apreciar que todos los trabajos de Díaz están elaborados con una técnica pictórica impecable, donde a menudo se superan los acabados de una forma más tradicional de pintura.


EL ARTISTA

Hacia finales de los años sesenta Díaz realiza en Caracas su primera exposición unitaria, y obtiene una buena acogida de la crítica, así como un discreto éxito de público. El distinguido novelista y gran conocedor de arte que fue Guillermo Meneses, al presentar el grupo de trabajos entonces expuestos señalaba: "...allí están estos collages dentro de los cuales puede cualquiera encontrar un grave sentido de la vida..."

Manuel Díaz, es un artista quién ha viajado y vivido en distintos países; que ha explorado y ha creado en diversos medios de expresión, incluyendo el cine y la fotografía, además de la pintura. Y como el mismo ha señalado: "Quizá tal multiplicidad de inquietudes, en cierto aspecto me ha limitado".

Sin embargo, es a partir de los años noventa, cuando Díaz vuelve a la plástica con un empuje arrollador y un impresionante conjunto de obras concebidas y esbozadas durante las últimas dos décadas, cuando el interés manifiesto hacia sus bocetos y pinturas por parte de amigos coleccionistas y conocedores, el artista opta por hacer nuevamente públicos, sus trabajos.

Marinas es parte de esta nueva etapa creativa de Dìaz.

TSUNAMI EN GESTACION

VIDEO EXPERIMENTAL DE ANIMACION DIGITAL

La animación pictórica viene siendo utilizada por diferentes creadores desde hace décadas, con técnicas similares a las desarrolladas por Meliès en los albores del cine. La diferencia a la elaborada en este caso por Manuel Antonio Díaz, consiste en que tal surge de una técnica digital desarrollada por el artista, a través de un laborioso proceso de ensayos y pruebas que luego de numerosos intentos ha desembocado en el presente trabajo.


“Quizás por mi experiencia cinematográfica, a menudo pensé que la plástica - en el caso de algunas obras- debería tener la opción del movimiento”, ha señalado Díaz. ”Este trabajo es uno mas en la perenne exploración de las diversas formas de expresión que desafían al artista cada vez que optamos por hacerlas publicas”.

Pero independientemente a la belleza estremecedora de “Tsunami en Gestación”, creo adivinar que el autor igualmente nos está recordando los grandes riesgos a los que nos exponemos con el abuso de una naturaleza que puede ser tan hermosa como terrorífica, si no le reservamos el respeto que amerita.


Fuente:
Analitica

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