Fernando Casa, Un venezolano en Bollywood

Un venezolano ha conseguido penetrar en la industria de cine más poderosa del mundo: Bollywood, la misma que deja a Hollywood como una niña pobre. Un mundo de amor y danza que engancha a miles de millones de personas del otro lado del planeta. Se llama Fernando Casas y se especializa en meterse en todas las salas posibles del show business. También es un sobreviviente de sí mismo: un día supo que tendría una segunda oportunidad y ahora se la devora con pasión. Esta es su historia

El Nacional Todo en Domingo - Domingo 11 de Julio de 2010
 Helen López Vásquez circulosdefuego@gmail.com Madrid / España ­
Fotografías Julio Lozano

Bollywood con acento venezolano

A Fernando Casas Granadino la palabra "cosmopolita" le viene bien. Creció en Caracas, estudió en Nueva York y París. Un día se asentó en Madrid y ahora uno de sus trabajos es producir festivales de flamenco en La India. Es el primer latinoamericano que consigue hacerse con la producción ejecutiva de una película de Bollywood (palabra producto de la fusión entre Bombay y Hollywood) o Indie Cinema como se le conoce dentro de La India a la industria cinematográfica (bastante blindada para extranjeros) que más ingresos genera en el mundo. La misma en la que Occidente fijara sus ojos luego de que el "oscarizado" filme británico Slumdog Millonaire la recreara dentro de su trama.

Running with the bulls es el título de la primera película de este conglomerado que se rueda en España y que ha tenido a Casas como el encargado de la búsqueda de financiamiento en este país. Una producción en formato "road movie" que sigue el argumento clásico de las de su tipo: el amor de pareja aderezado con escenas de canto y baile con una vuelta de tuerca, es decir, algunos "clásicos" de la cultura ibérica como telón de fondo. Es así como tres amigos de la India se juntan para vivir la Tomatina de Bunyol, el encierro de los San Fermines de Pamplona y pasear por Barcelona, Mallorca y Andalucía. Una producción con un presupuesto que ronda los 12 millones de euros, que tendrá como protagonistas a un cuarteto de las estrellas más taquilleras de ese lado del mundo: Hrithik Roshan, calificado como el equivalente en Asia de Sylvester Stallone (por su musculatura) de Brad Pitt (por su atractivo) y de Michael Jackson (por sus habilidades en el canto y el baile). Un nombre que junto a Farhan Akhtar, Abhay Deol y Katrina Kaif le garantizan sólo en La India 80 millones de espectadores en 12 semanas de proyección. Sin contar con el público que se sume en el viaje obligado que hacen estas películas por Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, los países árabes e incluso Latinoamérica, por lo que el alcance real se pierde de vista.

Soy un privilegiado porque pue do decir que me gano la vida en lo que me apasiona

Caracas en La India.

Casas habla con la experiencia que le ha dado una veintena de viajes al segundo país más poblado del mundo. El primero duró seis semanas, hace cuatro años.

Entonces el interés turístico se transformó en fascinación, luego en la promesa de volver y hoy en un compromiso: "No fui, como la mayoría de los occidentales, por una motivación espiritual sino para el cumpleaños de uno de mis amigos con el que estudié en Nueva York, quien había estado en Venezuela y me advirtió que en La India me sentiría como en casa.

Así fue: gente amable, cariñosa, con la cual se entablan vínculos de amistad muy fuertes y rápidos". El vínculo no quedó allí.

"Luego fui por mi trabajo de promotor musical (llevé al grupo venezolano Bacalao Men y al músico de Sierra Leona Seidy de gira por Asia en 2008). Y ya que a través de mi sello disquero, Sonyfolfk, he contribuido al rescate de obras de flamenco, la embajada de España en La India sugirió mi nombre para producir un festival en cuatro ciudades y convertir a Jodhpur en la capital flamenca del país. Mi intención es que sea un acontecimiento anual y crear una escuela". Fue así como un venezolano consiguió llevar el flamenco a su punto de partida y a la estrella gitana "Farruquito" al lugar de donde salieron sus genes hace casi 600 años: "Él estaba impresionado de lo parecido que era a los indios y, especialmente, de las similitudes entre sus músicas". Casas ha descubierto en ese lugar del planeta, virtudes que lo llevan a regresar. "Lo que me hace volver a La India es descubrir un país tan plural, en el que conviven musulmanes, budistas, hinduistas, sijistas, con barreras idiomáticas tan importantes y al mismo tiempo (aunque no siempre) un ejemplo de tolerancia para el mundo occidental".

Si bien plantearse ciudades exóticas es parte del trabajo de Casas, Caracas no se excluye de su periplo: "Yo me siento venezolano, allí están mi padres a quienes les debo el amor por las artes. Desde siempre he apreciado la música, el teatro, la danza (recuerdo que estando en el colegio participé con un grupo de teatro en Jesucristo Superstar) y supongo que eso me hace ideal para este trabajo". También sus estudios: Arte Dramático y Literatura Comparada en la Universidad de Columbia. La vida misma lo ayudó a tejer su actual trayectoria. Con 26 años, dos de sus amigos de la adolescencia, el escritor y showman Boris Izaguirre y la cantante Edith Salazar, le presentaron en Madrid a una de las estrellas más internacionales de España, Miguel Bosé, en uno de sus mejores momentos: el lanzamiento del disco Los chicos no lloran. La manera de entender el mundo de Casas, sus cuatro idiomas, lo mundano y un "nosé-qué" que le inspira confianza a los demás, lo convirtieron en el tour manager del español para Latinoamérica. "Esa fue mi maestría: dos años por el continente con un artista de la talla de Bosé. Recuerdo especialmente el día que llenó el zócalo de Ciudad de México con más de 50.000 personas".

Otro master: su trabajo como productor internacional de Simón Díaz: "Conocí a Bettsimar, su hija, en Caracas. Nos caíamos bien y convenimos una gira porque si bien su música era muy conocida, él no lo era tanto fuera de Venezuela (era de los pocos artistas por los que gente como Joan Manuel Serrat iban a Venezuela a verlo cantar). Se consiguieron cosas maravillosas como que actuara en el Carnegie Hall, que el canal A&E Mundo le dedicara un documental y el cierre con broche de oro del Grammy Honorífico.

No dejo de sentir que con Simón Díaz me faltaron al menos 20 años más de trabajo".

Casas se centra en su trabajo y lo agradece. "Soy un privilegiado porque puedo decir que me gano la vida en lo que me apasiona". Entre sus oficios de productor del Festival de Jazz de Madrid, de llevar al Auditorio Nacional a las grandes estrellas de la música india este mes o de fortalecer su nueva empresa Creactiva Producciones, hay otra ocupación ad honorem en la que también se ocupa permanentemente: Alcohólicos Anónimos. "Desarrollé una enfermedad compleja, que poca gente entiende y que es un gravísimo problema social. Yo, afortunadamente, en gran parte al apoyo de mi familia y amigos, y la invaluable ayuda del psiquiatra venezolano Omar Oramas, pude superarla y creo que contando mi experiencia abiertamente pongo un granito de arena en la conciencia de la gente". Es por eso que sus celebraciones se bañan con infusiones y té. El estreno de Running with the bulls tendrá un brindis caliente.
 
 
Fuente: Revista Todo en Domingo

Bandas sonoras nacionales

Tal vez en Venezuela no haya compositores para cine del renombre internacional , pero sí hay músicos que se han especializado en ponerle emoción a las películas criollas con sus melodías.

En un país donde un género tan particular de composición es incipiente, donde no hay lugares de formación para esta disciplina, donde difícilmente pueda conseguirse una copia en CD o Mp3 en el mercado de una banda sonora venezolana, compositores como Eduardo Marturet, Nascuy Linares, Francisco Cabrujas y Rigel Mitxelena nadan contra corriente y aun así se han convertido en los principales exponentes criollos de una rama del séptimo arte tan importante como la dirección o la fotografía.

Por Carlos “Caque” Armas
Revista Sala de Espera

“Un buen compositor de cine entiende la relación que debe haber entre imagen y música. Entiende cómo acompañar una trama, cuándo la música debe estar en primer plano y cuándo en segundo”, comenta Luis Alberto Lamata, director de la película Taita Boves, quien firma con este trabajo su tercera colaboración con el compositor venezolano Francisco Cabrujas, uno de los profesionales de mayor experiencia en nuestro país a la hora de poner música a las imágenes.

Francisco viene del mundo de la televisión, donde la gente trabaja como loca, la mayoría de las veces sin horario y contra el reloj. No se formó específicamente en la disciplina de lo que llaman film scoring; lo bueno y lo malo que sabe hacer se lo debe a los culebrones venezolanos, a los unitarios, a la televisión en general y a la necesidad que (según él) lleva en la sangre de intervenir en el hecho dramático. En su portafolio cuenta con la música de 8 películas venezolanas, además de novelas y series de televisión para otros países.

Por su parte, Rigel Mitxelena acaba de musicalizar su primera película. Fue adquiriendo experiencia en la composición para audiovisuales, haciendo música para comerciales. Ya ha compuesto música para cortometrajes y otros trabajos más informales de video, pero su gran reto vino de la mano del director Marcel Rasquin, cuando le pidió hacer la música para su ópera prima: Hermano.

Ambos compositores conversaron sobre las particularidades de hacer música para películas en Venezuela.

—¿Cuál es la mejor banda sonora que se ha hecho para una película venezolana?

—Rigel: hay como dos o tres que recuerdo que me gustaron, pero que recuerde recientemente, me gustó la música de Un lugar lejano de Oswaldo Montes.

—Francisco: superando la tentación de decir que son las que yo he hecho… jajaja, tengo que decir que hay muy buenas bandas sonoras en Venezuela. Hay, sobre todo, una generación de jóvenes que se levanta; compositores con propuestas muy personales e interesantes. Creo que la música para cine en Venezuela tiene mucho que decir y me encanta que estos jóvenes no se hayan dejado llevar por la tentación del estándar y que, más bien, impriman a sus trabajos ese sello único y personal, que debe caracterizar toda creación justificando el título de séptimo arte que lleva el cine.

—Si en Venezuela no existen lugares donde aprender formalmente el oficio de componer para cine, ¿de dónde aprendieron ustedes? ¿Hay algún compositor de cine que los haya influenciado?


—Francisco: podría citar a Enio Morricone, Hans Zimmer, James Horner y muchos otros que me parecen excelentes músicos de cine, pero creo que uno hoy en día está tan bombardeado de música, de información y de culturas diversas, que las influencias no se sabe ni de dónde vienen. Uno es un poco de todo y, como latinoamericano, orgullosamente digo “soy mezcla”, y eso tiene también un color musical único que podemos exhibirle al mundo con orgullo.

—Rigel: generalmente los compositores que hacen música para cine suelen ser muy polifacéticos. Deben apegarse a una historia que hoy puede ser en un barrio, mañana en una selva o en otra época. En ese sentido, los que logran ser más polifacéticos son los que más me gustan. Admiro, por encima de todos, el trabajo que ha hecho Gustavo Santaolalla para las películas de Iñarritú. La banda sonora que hizo para Babel es increíble.

—Francisco: sin temor a sonar estereotipado, mi banda sonora favorita es la de Lo que el viento se llevó. Es tan memorable, tan emblemática e intensa, que es imposible pasarla por alto; sin considerar el trabajo titánico de hacer música sin interrupción, para una película tan larga, superando todo límite.

—¿Cómo es el proceso creativo para musicalizar una película?

—Rigel: depende mucho de con quién y cómo trabajes.

—Francisco: el proceso comienza con la comunicación directa con el director, él es el que te comunica lo que quiere; te da, lo que yo llamo, “el perfume de lo que vas a hacer”.

—Rigel: a mí me gusta estar involucrado desde el guión. De hecho, Hermano la conozco desde que era una idea en cuatro fichas en un escritorio. Arma de doble filo, porque te involucras mucho, vas generando ideas y corres el peligro de que el guión mute a medida que la película se va rodando. Te puedes enamorar de alguna etapa en particular, que luego puede cambiar.

— Francisco: en realidad, yo soy de los que piensan que la música de una película está impresa en la misma película, sólo faltas tú para traducir ese código y claro, el director te da una ruta para esa traducción. En realidad, es un trabajo en equipo maravilloso, porque no hay nada más democrático que el cine, una película es de mucha gente y eso es maravilloso.

—¿Qué pasa con esa música luego de la película?

—Francisco: muy buena pregunta, yo también me la hago jajajaja.

—Rigel: en mi caso, es posible que se edite en un CD por mi parte, como que la publique en Internet. No sé si la gente que produjo la película quiera hacer algo. Creo que en Venezuela no sólo hay mercado para la película, sino para discos con su música también.

—Francisco: en otros países existe desde hace mucho tiempo la industria del soundtrack, que es un producto en sí mismo y que tiene un público al que deberíamos llegar.

—Rigel: se tiende a subestimar al público venezolano. Si la gente hace bien su trabajo, el que lo pone en la calle y los hace accesibles, debería considerar que a la gente le guste ese tipo de cosas. Es un rollo más de infraestructura que de público.

—Francisco: deberíamos crear una forma de difundir esa música y eso también me lo digo a mí mismo. Quizá sea hora de ponerle empeño a eso.

Fuente: Revista Sala de Espera

Carolina Riveros, premiada en festival francés de cine

La joven venezolana Carolina Riveros recibió el premio como mejor actriz de cine latinoamericano por La Clase (2008) de José Antonio Varela, en el 2do. Festival Internacional de Cinema Latin du Pays de Caux, celebrado del 1 al 4 de julio en Saint-Valery-en-Caux (costa francesa).

Con una trama ambientada en 1989, en los días previos al Caracazo, La Clase cuenta la historia de Tita —interpretada por Riveros—, una joven violinista habitante de una barriada popular que se debate entre el amor de dos hombres, pertenecientes a dos mundos opuestos, mientras se esfuerza por conseguir el puesto de primer violín en su orquesta.



Considerada una de las jóvenes promesas de la actuación, Riveros ha recibido reconocimientos como la mención honorífica en el 12 Festival de Cine de Málaga (España) en el 2009 y mejor actriz de reparto en el Festival del Cine Venezolano de Mérida 2008.

Al enterarse del nuevo galardón, la actriz confesó: "Los premios siempre son inesperados… así que sentí sorpresa".

Informó que actualmente está dedicada al teatro experimental y a la espera de propuestas cinematográficas "que me den en las vísceras y me saquen de mí".




Desde niña se ha desempeñado en diversas disciplinas que hoy forman parte importante de su carrera de actriz. Clases de música, ballet, natación, gimnasia rítmica y artística, perteneció a la selección de nado sincronizado del Estado Mérida, fue bailarina estable de las Danzas Afro Latinas.

Es egresada de la Compañía Nacional de Teatro de Caracas.

Debuta en el cine en el papel protagónico en la película “El Infierno Perfecto” dirigida por Leonardo Henríquez (por estrenarse 2007). su personaje Beatriza una especie de “Lolita” de los años cuarenta con un trágico destino.

En la película venezolana “Postales de Leningrado” de Mariana Rondón (por estrenarse 2007) representa a Ana, una guerrillera de la ciudad de Caracas de la decada de los 60. Ana es vanguardista, decidida, intensa.

Al año siguiente sería Natalia, una niña del barrio, bailarina, ingenua pero justa en el largometraje “Cyrano Fernández” de Alberto Arvelo (por estrenarse 2007).

Carolina se caracteriza como actriz por tener una gran fuerza interior, frescura y profesionalismo.


Carolina ha dicho sobre su trabajo: "Le doy mil gracias a Dios y a la vida por permitirme ser y representar en cuerpo y alma cada uno de estos personajes, que a diario van cambiando e ilustrando mi vida. Doy gracias a los directores con que he trabajado, a mi familia, maestros y amores , por creer y confiar en mí, por ser hombres y mujeres extraordinarios que sueñan, vuelan, creen, confían, arriesgan, y promueven el arte en todas sus expresiones en nuestro país. Quiero ser actriz, madre y todos los personajes que necesiten ser representados por este menudo cuerpecito, esta gran cabeza y este profundo corazón”.

Fuente:

Blogacine
El Universal
Blog Dia Naranja

Siudy Garrido, en Broadway

Es la primera vez que una compañía venezolana logra colocarse en Nueva York para ofrecer tres meses de temporada con 7 funciones semanales.

El show de Siudy Garrido se estrenó el 4 de marzo en el New World Stages

La obra musical hasta ahora conocida en Venezuela como “Entremundos 2011”  que fusiona el baile flamenco con géneros urbanos arrancó como “Siudy Between Worlds” con los previos de temporada Off Broadway  el 4 de marzo en el New World Stages. Con nueva escenografía, diseño de iluminación, proyección de imágenes, vestuario y diseño de maquillaje, este performance se exhibirá en cartelera durante 3 meses con 7 funciones semanales.

Creado por productor y director venezolano nominado al Premio Grammy y ganador del MTV Awards Pablo Croce y la coreógrafa internacional y reconocida bailaora venezolana de flamenco Siudy Garrido “Siudy Betwwen Worlds”estrenará oficialmente su temporada regular el próximo 20 de marzo, la cual se extenderá hasta el 22 de mayo en World Stages, Stage 1 at 340West 50th street.

La obra atemporal inspirada en el surrealismo, muestra un mundo orgánico regido por el flamenco contemporáneo y otro mundo regido por los ritmos y danzas urbanas, ambos mundos se enfrentan y se seducen mutuamente hasta que al final logran integrarse. “Siudy Between Worlds” es una obra en danza de mucho impacto visual y percusivo que se convierte en toda una experiencia multisensorial para jóvenes, adultos y la familia en general.


La obra de flamenco teatral “Siudy Between Worlds” con un 75% de talento venezolano ha incorporado en su staff artistas pertenecientes a otras nacionalidades, debido al proceso evolutivo que ha experimentado. La música original es de Diego Franco, Ernesto Briceño y Roberto Castillo, con acordes adicionales de Pepe Pérez y el DJ Leo Castillo.

Sus creadores, Siudy Garrido y Pablo Croce encargados de la producción y dirección general del espectáculo le han dado un carácter internacional al show –sobre todo a lo que se refiere al genero urbano- “Siudy Between Worlds” abrirá fuegos en un teatro con capacidad para 490 puestos. Cabe destacar que es la primera vez en la historia que una compañía venezolana logra colocarse en Nueva York con un show sin precedentes que sin duda seducirá tanto a los espectadores americanos, como a los hispanos y, en particular al público venezolano que acuda al recinto. Cabe destacar que toda la música del espectáculo es original, la percusión teatral está a cargo del talentoso músico venezolano Roberto Castillo y las coreografías urbanas son del bailarín Jesús Orta.

En el show también participan el percusionista y bailarín Michael Feigenbaum (Israel), los percusionistas venezolanos Roberto Castillo y Adolfo Herrera y el cantaor Joaquín Gómez “El Duende” (España). El cuerpo de baile está integrado por: Anali Alcántara, Patricia Cinquemani, Claudia Gonzáles, Patricia Moreán, Natalia Novela, Daniela Rosi, Adriana Olivares, Samantha Zerpa, Brian Abadía, Aquiles Acosta, Celina Beach, Melissa Sadler, Thomas Hernández y Omar Amado.


El diseño de escena corresponde a Neil Patel, Diana Feo de Tamayo participo en el asesoramiento de diseño de vestuario de Siudy Garrido junto con Siudy Quintero, quien es la encargada de todo el diseño de vestuario flamenco. El vestuario urbano corresponde a Verónica Porras y Joe Rolon y la confección de los trajes flamencos es responsabilidad de Irene Pérez de Vera, Belinda Sánchez y Mariela Del Río.

Los tickets cuestan 79.50 dólares y 59.50 dólares respectivamente, dependiendo de la ubicación. Los horarios de las funciones son: Lunes 8pm, Miércoles, Jueves y Viernes 8pm, Sábados 4:30pm y 8pm y Domingos 3pm. Las entradas pueden comprarse en línea a través de la página web www.betweenworldsnyc.com y próximamente a través de http://www.siudy.com/

Fuente: Contacto VIP

"Soñaba con presentarme en Broadway"

Broadway es la meca de cualquier grupo de teatro o de danza en el mundo. Es allí donde miles de personas se dan cita para ver los mejores espectáculos, de diversas procedencias y estilos. Y es donde la compañía de la bailaora venezolana Siudy Garrido presentará su espectáculo Entre mundos, a partir del próximo viernes.

El show está compuesto por dos actos de 45 minutos cada uno y tiene una escenografía conceptual y limpia de manera que pueda destacar las coreografías y el vestuario. Junto con 20 artistas en escena, Garrido comparte un montaje lleno de pinceladas locales.

En entrevista exclusiva con TalCual, la artista comparte los detalles de este espectáculo que cuenta con un elenco proveniente de Europa, EEUU y Venezuela y cuyo ensamble se ha hecho entre Miami y Nueva York.

–¿Cómo surgió la invitación para montar Entre mundos en Broadway?

–El motor principal para llegar a Broadway es nuestro productor y director Pablo Croce, él es quien realmente ha levantado este gran proyecto y lo ha llevado a la internacionalización. Son más de dos años trabajando en este proyecto que ya por fin es una realidad.

Conseguir los inversionistas que se arriesgaran a colocar este espectáculo en Broadway, dar con el teatro adecuado para la producción, en fin son muchísimos factores que hay que juntar para lograr colocarte una temporada aquí.
–¿Ésta es la primera vez que se presenta en ese espacio? ¿Cómo describiría la experiencia?

–Ha sido mi sueño desde pequeña, y hacerlo realidad, en el marco de Broadway y con mi propia compañía es algo indescriptible.

–Aún cuando en Venezuela el flamenco es cada vez más importante, no existen salas donde se pueden realizar grandes montajes, ¿qué elementos técnicos y tecnológicos ha incorporado a esta pieza?

–Estamos contando con un equipo técnico de altísimo nivel, con muchísima experiencia en Broadway. Hemos realizado nuevo diseño de iluminación, sonido y escenografía, así como hemos trabajado en nuevos diseños de vestuario y maquillaje.

Para esta oportunidad, contaremos con un presupuesto que nos permite colocarnos a la altura de los demás espectáculos de Nueva York en lo que ha puesta en escena se refiere, es como ver el Entre Mundos que estreno en Venezuela con unas cuantas capas de pintura y un proceso de desarrollo y maduración de 3 años.

–El flamenco y las danzas urbanas son parte de este espectáculo, ¿está en pro de la fusión del flamenco con otros ritmos? ¿Por qué?

–Las fusiones son muy delicadas, en el caso de Entre mundos tenemos un espectáculo fusionado, pero no es con flamenco. Esta es la magia que este espectáculo ofrece, puedes ver como géneros tan diferentes pueden conjugarse en una misma escena sin perder su autenticidad.

El flamenco nunca deja de ser flamenco así como los géneros urbanos mantienen su esencia en todo momento. Pienso que es muy importante mantener las raíces y de igual forma abrirnos a otros géneros que ayuden a la proliferación de este arte.

–Es la primera vez que una compañía venezolana se ubica durante tres meses de temporada con siete funciones semanales off Broadway, ¿qué expectativas tiene?

–Tener éxito, que el espectáculo guste y tenga la misma aceptación que ha tenido hasta ahora, es una gran responsabilidad llenar siete funciones a la semana por tres meses, en una sala de 450 puestos.
 
Fuente: Tal Cual digital

Rubén Darío Márquez Lizardo, tras el lente del impacto

"Rubendario" como prefiere que lo llamen, es hijo y nieto de maracuchos.

Lleva 20 años instalado en Madrid ejerciendo varios oficios: modelo, estilista, maquillador, asesor de imagen, fotógrafo y director de videoclips. Acaba de convertirse en el artífice del primer desnudo masculino para la portada de Interviú justo cuando una muestra de su trabajo puede hojearse en librerías de todo el mundo

Helen López Vásquez /Madrid ­ España ­
Fotografía Julio Lozano comunelefante@gmail.com
Todo en Domingo

Corría 2005 y Chenoa, una de las cantantes que más lejos había llegado a la salida del show Operación Triunfo, le apretó la mano y le pidió que la llevara a un lugar seguro. La intérprete escapaba de los paparazzi que la perseguían por Madrid a raíz de su ruptura con el cantante David Bisbal, episodio que la había convertido en carne de cañón de la prensa rosa ibérica. El refugio que encontró la mallorquina fue la casa transformada en estudio del fotógrafo venezolano Rubén Darío Márquez Lizardo.

La intérprete había conocido a su "salvador" en 2002 a propósito del lanzamiento de su primer disco gracias a otro criollo, el productor musical Carlos Quintero, quien los convenció de que les vendría bien trabajar juntos.

"Con Chenoa me vinculé desde esa primera sesión de fotos.

Carlos la animó a que la hiciera conmigo pues yo, además de fotógrafo, he sido maquillador, vestuarista y estilista. Luego conocí a Bisbal, le hice la portada de su segundo disco, Bulería en 2004 y me convertí en su asesor de imagen. Cuando ocurrió su ruptura, era cercano a los dos. Ella estaba a punto de sacar su nuevo disco Nada es Igual y pasamos la presión de la prensa buscando una carátula. Le dije que se podía arriesgar a sacar algo rompedor.

Empezamos a jugar con talco ¡casi se me asfixia! pero salió esa foto de torso sólo cubierto con partículas blanquecinas que representó un boom para ambos.

En las entrevistas por la radio era de lo primero que se hablaba.

Esa imagen representó un antes y un después en mi carrera".

Vino entonces el desfile de más artistas por el lente de este maracucho que suma en España casi dos décadas. Rosa, Mónica Naranjo, Nash, Merche, El Barrio, Daniel Diges (representante de España en Eurovisión) y hasta su compatriota Mayré Martínez le han confiado las portadas de sus producciones, un asunto que entiende "rubendario" (como le gusta ser llamado) como uno de los motores más fuertes de la industria de la música actual: "Si estás en una tienda de discos con cientos de opciones, una buena portada puede marcar la diferencia, lo mismo ocurre en Internet. Aunque a los cantantes les advierto que tampoco debe tratarse de una foto demasiado retocada pues todavía se firman discos y en el momento en el que el fan tenga a su ídolo en frente puede que se sienta estafado".

Chayanne, Hillary Duff, David Bustamante, José Luis Perales, Beatriz Luengo, Alex Ubago, Bertín Osborne y la actriz Ana Milán han sido otros que han sumado retratos hechos por el venezolano a su portafolio profesional.

Algunos han querido también ser dirigidos en tres dimensiones, pues el otrora vestuarista de telenovelas de RCTV, ejerce asimismo la dirección y producción ejecutiva de videoclips, el género que le permite ir más lejos en el papel en el que mejor se reconoce: "director de escena". Canciones como "Reina de la noche" de Mayré Martínez, "El bolsillo del revés" de Chenoa, "Loco por mí" de Natalia, "Call me" de Inocence (ex integrante de Il Divo) y "Bueno bonito y barato" de El Barrio, han sido recreadas con su sello.

"Mi primera dirección fue con el grupo Nash con su canción `Capaz de todo’. Recuerdo que cuando estaba todo el equipo listo dije `acción’ con el estómago cerrado por el miedo. Desde entonces he aprendido que cada vez se hace más preciso buscar imágenes lo suficientemente poderosas para que cautiven a un espectador que las verá en una pantalla de computadora o de un teléfono celular.

Es además un consumidor muy exquisito pues tiene acceso a mucha información: puede escoger desde Madonna a cualquier artista independiente. Por eso busco imágenes potentes y procuro no detenerme en detalles que en YouTube se perderían".

Una vez, aún sin estrenarse como director, "tramó" una producción en Venezuela. Se trató de "Oye el boom" de David Bisbal con la playas de Morrocoy y el río de Choroní como locaciones.

"Cuando llegamos a Morrocoy, David quiso ir a pescar, alquilamos un peñero y nos fuimos. En cuanto vio el paisaje empezó a decir: `tengo un asesor de imagen que es un tonto ¿Cómo has podido irte de aquí? ¡Si esto es el paraíso!’. Yo para entonces me encargaba de todos sus looks. En este video cuidé desde la manera de salir del agua hasta el collar que usó".

Lo propio hizo para la gira Bulería del cantante que en el primer concierto ya sumaba casi un millón de copias vendidas del disco: "Estudié todo: cómo se acercaba a la gente, cómo saludaba al salir del avión, las camisas que usó para cada ocasión.

Durante los conciertos cuidé que al principio saliera con el pelo suelto y mostrara sus rulos tan característicos. Luego que poco a poco se los fuera recogiendo y que con los brincos que daba, apareciera siempre impecable.

Hay detalles que resultan súper importantes en los artistas y eso sólo lo consigue si confía en un asesor, un personal que desafortunadamente se suele contratar solamente para eventos muy puntuales como un paseo por una alfombra roja".

Justamente para caminar dignamente por una de esas lo llaman los artistas españoles: "A las chicas les digo que no se dejen intimidar por el exceso que caracteriza a las mujeres latinas, tan dadas a ponérselo todo, al punto de que el espectador no sabe en qué punto centrar la atención. También les digo que si quieren triunfar debe aprender de ellas ese punto de femineidad". Y gracias a esa especie de "consultorías" ha desempolvado los recuerdos del oficio que lo trajo a España, el de maniquí: "Me vine por una oferta que me hizo una agencia madrileña que le proveía talento a la agencia Storm de Londres (la misma que posteriormente descubriera a Kate Moss) pero cuando bajé del avión se desató la guerra del golfo lo que se tradujo en una profunda crisis económica y se cancelaron muchos contratos.

Yo había hecho los comerciales de televisión en Venezuela para marcas como White Label, Carnaby, Club Social, Pepsi. Incluso hice uno muy divertido para el Banco Venezuela que Joselo versionó y lo convirtió en uno de sus sketchs. Llegué a vivir en una pensión y a esperar un casting que nunca llegó. Pasé semanas con una caja de cereales en el estómago ¡hasta llegué a robar manzanas del hambre! Raquítico ¿quien me iba contratar como modelo? El día que me tenía que devolver miré el boleto y lloré muchísimo. A la semana conseguí un trabajo como mesonero y por supuesto, me propuse no sólo hacerlo muy bien, sino con mucho arte." Llegó a convertirse en gerente de relaciones públicas del local aunque antes debió también apelar también a sus caderas para ganarse el pan: "Me puse con una amiga a bailar salsa y terminamos haciendo un show itinerante. Éramos las grandes estrellas pues en ese momento ese tipo de música les resultaba súper exótica a los españoles".

Una de esas múltiples facetas le llevó hasta su mentor, Juan Marrero, artífice de videoclips de astros como Chayanne, Héroes del silencio, Luis Fonsi, Azúcar Moreno y Julio Iglesias: "El hambre tiene cara de oportunidad. Lo conocí y en seguida le sorprendió lo multitareas que yo podía llegar a ser. Allí empecé a ver lo que hacía un director de arte, un fotógrafo, el jefe de casting, el productor y a aprender de la mejor manera: metiendo la pata".

Esa escuela, dice, es la única a la que ha asistido: "Una vez quise apuntarme a un curso de iluminación en una de las escuelas de fotografía más reconocidas de aquí y me dijeron que allí estudiaban mi forma de iluminar. ¡No me pude inscribir pues creyeron que estaba bromeando!". Otro de los reconocimientos es haberse convertido el pasado julio en el fotógrafo del primer desnudo masculino aparecido en la portada de la treintañera revista Interviú. El modelo: el presentador, estrella de la prensa del corazón, Jesús Vázquez. "Es un chico sin divismos. Es de los que son realmente importantes, trabajan mucho en su carrera y son humildes porque no tienen tiempo para andar actuando de estrella".

Esta misión le fue encomendada gracias a sus fotografías centradas en desnudos masculinos, conocidas en gran medida por las fiestas ligadas al "orgullo gay" castizo. Los afiches que cada año empapelan Madrid especialmente Chueca (conocido como el barrio gay más grande de Europa) a propósito de los festivos reivindicativos, salen de su estudio. Algunas de sus señas: Hombres desnudos metidos en botellas de perfume, músculos imposibles bañados en aceite, bailarines, acróbatas y su serie consentida: Eroticlown, en la que los modelos aparecen con rostros de payasos. Una antología que lleva 15 años alimentando al punto de que le llegó la hora de publicar aunque esté lejos de darla por terminada. "Una noche mandé un mail a la editorial de fotografía erótica masculina más importante del mundo, la alemana Bruno Gmünder, con el link de mi página web (www.rubendario.biz). Al día siguiente me respondieron diciéndome que estaban interesados". Así nació Mucho Macho su primer libro. "Al ser una editorial especializada en el mercado gay, se interesaron especialmente por la parte más morbosa de mi trabajo. A pesar de que no es lo que más me define, ha sido importante pues a través del libro mis fotos están presentes en librerías de Australia, Estados Unidos, Argentina y toda Europa". Además el gusanillo picó y ya quiere más: "Mi sueño es publicar toda la serie de Eroticlown, pues me parece que es muy poderosa pero también me apetece devolverme a Venezuela a trabajar allá. Tengo en la mente muchos proyectos. Entres ello, un Mucho Macho pero con puros latinos ¿Crees que alguien se anime?".

Fuente:

Revista Todo en Domingo

Domingo 12 de Septiembre de 2010

UN BOOKER SUELTO EN LA CIUDAD

Si hay alguien que cree estar al tanto de lo que necesita una agencia de modelos en Europa es él y esa cualidad se ha vuelto uno de sus hobbies.

"Confieso que me encanta cambiarle el destino a la gente (para bien, claro). He encontrado modelos en la calle. Una vez me invitaron de jurado a un concurso de belleza en Bolivia y me traje a Antoniette Van Dijk que terminó triunfando por aquí. En Venezuela se me hace muy complicado conseguir chicas. Este año me encargaron la portada de la Revista Ragazza, para un editorial de trajes de baños y decidí hacerlo en Morrocoy. El único parámetro que me dictó la editora fue que la modelo no tuviese los senos operados. Fue misión imposible. Por fortuna apareció Astrid Moler e hicimos un trabajo bellísimo que está este mes en todos los quioscos de España. También es clave que la modelo que se venga esté dispuesta a andar sin maquillaje y caminando de casting en casting, pues eso de ponerse rimel desde la mañana y pretender recorrer la ciudad entaconada hace muy complicado sumarlas al negocio aquí."

Ballet de la mar en busca de la excelencia

Abrigando el sueño de formar una compañía de Ballet profesional en la isla de Margarita, hace cinco años, bajo el lema “Rompiendo Paradigmas”, Martha Ildiko, inicia los talleres para jóvenes principiantes, logrando formar bailarines profesionales que hoy por hoy integran las filas de importantes compañías nacionales e internacionales.

Desirée Depablos

En el año 2007, Ildiko crea la Escuela Ballet de la Mar, asumiendo su Dirección Artística. Explica como basándose en la técnica de la maestra rusa Agrippina Vaganova, creo el método Ballet de la Mar, que se imparte en los 8 núcleos o sedes que hoy funcionan en diferentes escuelas y Casas de Cultura del estado Nueva Esparta, bajo la Dirección Académica de Blanca Yajure. Ubicados en: la avenida 4 de mayo, Colegio Guayamurí, U. E Garabatos, Colegio Mariano Picón Salas, Juan Griego, Centro Comercial Jorge Coll, Centro de Artes Omar Carreño y Complejo Cultural Lárez Granado, estos núcleos preparan a unas 140 niñas para ser futuras bailarinas.

“Sabemos que no todos los niños quieren ser bailarines profesionales, pero queremos asegurarnos que aquellos que lo deseen tengan la preparación adecuada”, acota. Nuestro modelo de enseñanza comienza con el programa Kinder Ballet, diseñado para niñas partir de los 3 años en adelante, quienes a través de juegos y canciones, desarrollan habilidades motoras y aprenden los elementos básicos de la danza, en un ambiente de diversión.


Luego sigue el programa de pre-ballet diseñado para preparar a los alumnos entre los 5 y los 8 años antes de ingresar al primer año de ballet y consta de 3 niveles: Pre-Ballet 1, 2 y 3 dependiendo de la edad y de la habilidad cada uno. De esta manera abarcamos los 4 años de pre-ballet y viene funcionando bastante bien, pues no necesitamos de un área con condiciones especiales y puede ser llevado a cualquier colegio o espacio cultural que lo requiera.

Según Marta Ildiko, a partir de los 8 años de edad, las niñas pueden integrarse al programa pre-profesional que incluye dos horas y media diarias de entrenamiento en las cuales las niñas reciben clases de técnica, coreografía, repertorio clásico, yoga y más tarde puntas.

“Para llegar a tener un nivel profesional en el ballet es indispensable el apoyo familiar. Los padres juegan un papel muy importante. Muchas veces el peor enemigo que tienen las niñas con talento, son sus padres. La niña debe poder conjugar la escuela y el ballet y en nuestra experiencia las niñas que asisten a los programas pre-profesionales, adquieren una disciplina que les permite lograr la excelencia en ambas cosas.”.

A tres años de su creación, la Escuela Ballet de la Mar ha crecido para transformarse en una red de núcleos formadores del semillero de nuevos talentos en el ámbito dancístico nacional. “Invitamos a colegios y casas de cultura no solo de la isla de Margarita sino de todo el país que deseen unirse a nuestro programa para tener sus propios núcleos”, concluyó Ildiko.

Vacaciones bailando

Con el fin de brindar una preparación intensiva a los bailarines, el Ballet de la Mar, ofrecerá un curso vacacional intensivo con los destacados bailarines internacionales Ruta Railate y el Maestro Jurius Smoriginas de Lituania, además de todo el staff del Ballet de la Mar

Igualmente, se abrirá por primera vez un vacacional intensivo para niñas entre 7 y 9 años y un programa vacacional para niñas a partir de los 3 años que han denominado: Las Princesas del Ballet. Estos programas tienen una duración de tres semanas y culminarán con una función en el Centro de Arte Omar Carreño en La Asunción.

 

 

 

Fuente: Analitica

Hay talentos bajo tierra

El vagón hace para ellos las veces de escenario. Poco importa la ausencia de luces, sonidos o tarima. Hay público. Y si hay gente, también puede que haya aplausos. Por ello, el Metro de Caracas se ha convertido —para agrado de unos y disgusto de otros- en una plataforma para exponer el talento musical. Algunos de una calidad sorprendente. Otros, no tanto. Igual, todos sueñan con ser descubiertos por un famoso “manager” que saque su música del subterráneo

Por Mirelis Morales Tovar / @mi_mo_to —
Fotografía: Eduardo Fuentes
Revista Sala de Espera 8º Aniversario

Un tren entra. Otro se va. Mucha gente sale de los vagones. Y otro tanto intenta meterse. Pasajeros cruzan de un lado a otro del andén. Suben o bajan por las escaleras. Entran o salen por los torniquetes. Más de 1,8 millones de usuarios diarios vienen y van. Van y vienen.

En medio de esa imparable movilización, un chico -23 años, ojos verdes, cara alargada y cabello de corte indefinido- saca un violín y comienza a tocar una pieza de música instrumental venezolana que envuelve en un aura a quienes estamos a su alrededor y nos aleja de ese incontrolable fluir de gente.

Poco le importa que su escenario no tenga luces. Ni tarima ni sonido. Tampoco un público atento a su repertorio. Alexander está inspirado en lo suyo. Y Milagros, su compañera con la que formó hace casi año y medio el grupo Obelisco Pro, le sigue con la guitarra en su interpretación.

“Nos conocimos aquí en el Metro”, cuenta la joven de 23 años, de piel blanca y cabello oscuro. “Yo tocaba con otro chico, pero después él se independizó. Así que nos quedamos Alexander y yo. Al principio, tocábamos -yo la guitarra, él la mandolina- y cantábamos. Ahora, somos un dúo netamente instrumental. Él me acompaña con la mandolina o a veces el violín, el cual aprendió a tocar aquí”.

Ellos se presentan ante su público —muchas veces ajetreado, cansado o de mal humor- casi todos días. Por lo general, en las mañanas. De 9 a 12 del mediodía, cuando se hace manejable transitar por los vagones. Tocan piezas completas, por aquello de no caer en mediocridad. Y al final, recogen las gracias materializadas en unas cuantas monedas. No esperan a que se apaguen las luces para terminar el show. Simplemente cambian de vagón.
Algunos los llaman pedigüeños, mendigos u oportunistas. Ellos -sin importar lo que digan- se identifican como músicos. “Estudio guitarra desde los 13 años”, cuenta Milagros. “Me gradué de Ingeniera en Informática. Llegué aquí por un amigo, que me pidió que lo acompañara. Me daba un poco de miedo escénico y cierto temor porque sabía que estaba prohibido. Pero no tenía trabajo y me vine (…) Aquí hemos conseguido contactos para presentarnos en bautizos, cumpleaños, entre otros. Ojalá nos consiguiéramos un caza talentos. Mientras, ahorramos para grabar un demo”.

“Esto es un trabajo bonito”, agrega Alexander, quien no se despega el violín de su cuello. “La gente te quiere y te saluda (...) Claro, hay muchos oportunistas. Gente que sólo trabaja para hacer dinero. Pero uno tiene que ser profesional hasta en el Metro. Ser educado. Estar bien presentable. Terminar la canción, aunque sepas que no siempre te van a aplaudir”.

Son tres. Un arpista. Un cuatrista. Un maraquero. No parecen músicos, a decir verdad, sino liceístas de una escuela militar, por su corte bajo y su cara de muchacho de 20, 19 y 17 años. Noto que llevan las uñas de las manos muy largas y bien cuidadas, lo que hace pensar que no sean unos principiantes en eso de tocar música llanera. Pero aún así, lucen demasiado jóvenes para ser unos diestros.

Antes de subir al tren, se preparan. Edixon Herrera saca de un bolso negro su arpa. Nada disimulada por sus dimensiones, pero al menos manejable. Fremir Díaz afina su cuatro y su hermano Freyver sacude las maracas. Ensayan en el andén por unos minutos. Pocos, pero suficientes para hacer detener a algunos pasajeros que vienen llegando a la estación Altamira provenientes de Propatria. Quieren escuchar la interpretación de los integrantes de 48 Qerdas, quienes -por lo visto- no son unos novatos.

“Siempre hemos estado vinculados a la música”, comentó Edixon. “Mi papá es de Apure. Es Llanero. Así que para mí no hubo juguetes, sino instrumentos. Me traían maracas, cuatros. Crecí en ese ambiente y me gustan las letras”, acotó. “Me inicié a los 11 años en la estudiantina”, agregó Fremir. “Estuve primero en un grupo de rock donde tocaba la guitarra. Nada que ver con la música llanera (risas). Ya después haríamos una audición en el liceo. Y fue la profesora Miraldis quien nos apoyó y nos acopló como grupo, pues hasta entonces no nos tolerábamos (risas)”.

Las ganas de ser escuchados por el público los llevo al Metro y entre Propatria-Palo Verde llevan más de un año y medio. “Cuando estás inactivo, el cuerpo te pide música y te presentas donde sea”, comentó Edixon. “Por el Metro pasa mucha gente y queremos que nos vean”, agregó Freyver. “Aquí siempre vas a conseguir cosas buenas y uno que otro contratiempo como gente que te molesta. Pero también hay gente buena, como una señora que nos ofreció la posibilidad de grabar un demo, por ejemplo”.

Saben que no son los únicos que buscan aplausos o monedas. Que la competencia en el Metro ha crecido. Pero reconocen que el boom de los músicos no es una moda, sino una muestra de las pocas oportunidades que existen para los musicos jóvenes. “En el país hay muchas personas que tienen cualidades vocales, pero no han sido reconocidas. Al menos en el Metro hay talentos que se han dado a conocer”, comentó Edixon y partió —con su arpa y sus compañeros- en dirección Propatria.

Fuente:
Revista Sala de Espera

Italo Pizzolante, su vida fue un un Motivo

El reconocido compositor venezolano, músico y poeta, murió el 12 de marzo de 2011 a sus 82 años edad en Valencia-Venezuela. Es momento para recordar que la música del compositor de "Motivos", canción que ha sido interpretada por artistas como La Rondalla Venezolana, Los Panchos, Chucho Avellanet, Armando Manzanero, Alfredo Sadel, Vicente Fernández y más recientemente Luis Miguel, permanecerá para siempre en el recuerdo de todos los venezolanos. Así como su  querido Puerto Cabello ciudad en la que habia nacido vivió y a la cual le dedicó una canción que se convirtió en su himno

"Puerto Cabello, cuando lejos me encuentre de ti, di a tu brisa que traiga hasta mí, sus canciones de mar".

Puerto Cabello, marzo 12
Maryela Pinto Alvarado/Marisol Pozzolini/Oglis Clisanchez Andrades
Notitarde

Amor sin fronteras

El también ingeniero civil, nacido el 2 de diciembre de 1928 en Puerto Cabello, egresado de la Universidad del Zulia en 1956, comenzó su vocación por la música en reuniones familiares.


Sus más allegados lo recuerdan por cantarle siempre al amor, incluso se consideraba polígamo por sus cuatros tesoros; su familia, la ingeniería, la música y la vida, por esto se sabía un hombre realizado, ya que los cuatro le correspondieron hasta el momento de su partida.

A pesar de sus múltiples composiciones, nunca dejó de cantarle a su ciudad natal, ese pedacito de cielo en el que los atardeceres simulan unas acuarelas.

La ciudad que siempre recordó era como lo describió Lucas Guillermo Castillo Lara en uno de sus escritos "aquel pueblo que para ese entonces ya tenía cinco plazas.

Eran cinco pedazos de vida palpitante, con rostro y espíritu propios. Sitios buenos para encontrarse y comunicar. Para el saludo y el diálogo. Para la espera o la cita".

Consideraba que para crear había que escudriñar bien los sentimientos, esos que sólo algunos pueden plasmar en una poesía o una canción.

Puerto Cabello es un motivo


Fue entonces el 1° de diciembre de 1965, cuando el maestro expresó su inmenso amor por este municipio. "Mi Puerto Cabello, pedacito de cielo" es una de sus letras más reconocidas en todo el mundo, declarada himno de la Ciudad Cordial el 17 de julio de 1998.

Motivos, otra de sus composiciones más conocidas, ha sido versionada por más de 60 interpretes y su larga trayectoria le hizo merecedor de numerosos galardones.

El primero lo obtuvo en el I Concurso de Música Venezolana de la Universidad Central con la canción "Provincianita", alcanzando el primer premio.

Representó a Venezuela en el Festival de Boleros de La Habana, Cuba, en 1992, y recibió condecoraciones de instituciones públicas y privadas.

Además, le fue otorgado el grado de Caballero de la República Italiana. El Colegio de Ingenieros, seccional en Puerto Cabello, creó la Orden Italo Pizzolante en su honor.

Otros reconocimientos recibidos incluyen Orden Mérito al Trabajo, del Ministerio del Trabajo; Andrés Bello, en su II Clase, al Mérito Naval en su II Clase y Francisco de Miranda en su I Clase, de la presidencia de la República y se hizo merecedor de cálidos homenajes en Valencia, Caracas, San Felipe, Barquisimeto, Valera, San Cristóbal, Maracaibo, Calabozo, Guarenas, Cumaná y en su natal Puerto Cabello.

En este sentido, vale recordar que su más reciente homenaje fue en el marco de los actos conmemorativos del 187 aniversario de la Toma de Puerto Cabello, el pasado 8 de noviembre.

"Se durmió para vivir siempre"


Italo Antonio Pizzolante, junto a sus hermanos María, Silvia e Isabel Pizzolante, expresó sereno, "la mañana de este sábado nuestro padre se durmió para vivir siempre en sus canciones, en su modelo de vida, en sus obras", así lo dijo durante el acto velatorio realizado en el salón "Foyer" del Teatro municipal.

Recordó Italo Antonio que la familia Pizzolante "es la primera generación de italianos que hicieron su futuro en Puerto Cabello, toda la vida de mi padre giró en torno al progreso social, económico y político de la ciudad y nunca quiso estar separado de su puerto viejo".

Por su parte, María Pizzolante expresó "lo que más me ha marcado de la vida de mi papá fue cuando declararon Mi Puerto Cabello himno oficial. Recuerdo a mi padre diciendo que no perdonaba a la gente que había venido y vivido en Puerto Cabello para marcharse, porque era una ciudad, que como decía su canción, tenía un embrujo. Si alguna vez se iba, saldría de espalda para luego experimentar la alegría del regreso".

Entretanto, Silvia Pizzolante recordó con nostalgia cuando su padre cantaba el tema "Olvídate que me olvide", una de sus piezas favoritas. Mientras, Isabel Pizzolante resaltó la hermosura de los momentos compartidos junto a su padre.







Fuente: Notitarde

Alberto Arvelo Ramos, Honestidad

Alberto Arvelo Ramos (Caracas, 1936 - Mérida 18/07/2010) se despidió en versos y prosa. Hijo de Alberto Arvelo Torrealba y padre del cineasta del mismo nombre, el arte siempre ocupó un lugar importante en su hogar. Su abuela, Atilia Torrealba, fue una importante poetisa de Barinas, y los tíos de su padre, Alfredo Arvelo Larriva y Enriqueta Arvelo, fueron también conocidos en el mundo de la poesía y las letras venezolanas.

Poeta, narrador y ensayista fue profesor jubilado del Departamento de Filosofía de la ULA, fundador de la Zona Libre Cultural, Científica y Tecnológica (Zolccyt) de Mérida. Coordinador de la comisión para elaborar los nueve proyectos de la «Ley de la Zona Libre Cultural, Científica y Tecnológica, de Mérida». Director general de la Zolccyt del Estado Mérida, 1991-2002. Coordinador del proyecto «Escuela Nacional de Cine y Televisión, ULA-Conac» (aprobada como licenciatura por el CNU en 1995, bajo el nombre de «Escuela de Medios Audiovisuales», 1988-1989. Coordinador de la comisión de creación de la Maestría de Filosofía (opera desde 1989), Presidente de la Sociedad Latinoamericana de Cinematografía, Productor de tres largometrajes, 1985-1986, Director General de Cultura y Extensión, ULA 1982-1984.




Entre sus publicaciones están Poemas de Enero (1975) Juan Félix Sánchez. Fundación La Salle para el Avance de la Ciencia (Caracas, 1981), Laguna (1983), El Violín de Los Andes (1991, En Defensa de los Insurrectos. Colección Ciencias Sociales (1992), El Cuatro (1993), El Dilema del Chavismo (1998), Debate Constituyente en Venezuela (1999), La Bandola Venezolana (2001), Honradez (novela), en prensa, (Caracas, Alfadil Ediciones, 1990-1965).

Todos estamos adoloridos por su viaje", dijo el poeta andino Ramón Palomares, quien recordó especialmente al Arvelo Ramos de 1975, cuando lanzó Poemas de enero. "Recuerdo su alegría y extroversión. No era un poeta introvertido, sino amigable, cariñoso y leal. En aquellos poemas reboza alegría, profundidad, espontaneidad...".
El historiador Manuel Caballero destacó a Arvelo Ramos como una figura de gran importancia para la cultura venezolana, un "hombre de pensamiento y acción". Valoró especialmente el libro El dilema del chavismo, de 1998: "En principio, algunos pensaron que era un libro en apoyo a los insurrectos, pero no es así, cuando uno lo lee hay una gran evolución".
Otro tanto agregó el escritor y profesor de la Universidad de Los Andes (ULA), Ricardo Gil Otaiza, quien se refirió al desaparecido artista como un "baluarte" y un "ícono". "Es una enorme pérdida que deja profunda huella en el mundo intelectual"; comentó.
Gil llegó a compartir con Arvelo Ramos en concursos literarios y lo recuerda como un hombre "sensato, equilibrado, bien formado y de criterio universal". Precisamente, su "pensamiento universal" es lo que más valora en su obra. "Muchas veces los artistas nos regodeamos en nuestra creación y nos hacemos impermeables. La obra de Arvelo nos debería llevar a la reflexión".
El cineasta y profesor de la ULA, Leonardo Henríquez, escribió: "Hombres como Alberto ya no existen. Perteneció a una generación con una visión del país única y particular, de intelectuales lúdicos, militantes y aventureros, que soñaron con una Venezuela improbable, y que lucharon contra toda manifestación autoritaria".

Una voz recién extinta del firmamento poético criollo una vez enunció, vehemente:

"Vengo dispuesto a tu desafío.

Acepto e invoco

tu ira calcinante.

Vengo dispuesto

a la pureza de tus uñas.

A que me arranques

tiras de silencio.

A que destroces mis bosques interiores.

A que desnudes, como una piedra. A que desraíces las hebras

de mi pasto.

Vengo dispuesto al tigre afilado de tus ojos.

Conozco una mañana negra en tu gris.

Conozco el amanecer, la mañana de plenilunio, la luna oscura de tus ecos, la ternura que hiere más que los astros invisibles. Conozco tu calma. El azul tenebroso de tu alegría.

Fuentes:

El Universal

Tal Cual digital

Diario El Peridiquito

YVKE Mundial

Rina Fermín, la venezolana del World Class

Rina Fermín, 29 años, natural Puerto La Cruz, Estado Anzoategui,Venezuela. Bartender profesional desde 1996, con una destacadísima actuación en ilustres barras venezolanas en Valencia, Isla Margarita y otras localidades importantes; competirá en el World Class, prestigioso concurso que premia al Mejor bartender del mundo, y donde participan profesionales de la coctelería de distintos países.

por ADRIANA GIBBS

-Rina, las tendencias en coctelería, ¿son las mismas en toda Venezuela?


-Mira, se puede hablar de movidas diferentes. Caracas no es lo mismo que Valencia, sabes, ni ambas se parecen mucho a las tendencias en Isla Margarita o Maracaibo, por ejemplo. No sólo qué se bebe, sino cómo y cuánto cuesta beber para los clientes de nuestras barras. Por ejemplo, tampoco las rumbas (N.del Editor: rumbas = fiestas, movida) se dan en los mismos horarios. En Valencia el horario es muy acotado, en Caracas depende de la zona y en Isla Margarita no hay límite alguno. Esto modifica los usos y costumbres de nuestra gente cuando están de rumba. Por estos días mi actividad profesional se desarrolla en Valencia, en Loud, una magnífica disco que tienen que venir a ver.

Nuestra bebida típica y base de nuestros tragos es el ron, el ron venezolano que, como uds. saben, más allá de su reconocida excelencia, tiene una naturaleza basada en un espíritu dulzón y aromático.

Grandes favoritos venezolanos son los directos, o sea lo que en Argentina llaman "cubatas", una base de ron y luego combinaciones con gaseosas ú otros licores. Y luego están el vodka con el vastísimo display de tragos que ofrece, y el whisky que, para el gusto venezolano, sólo se bebe puro o a la sumo ligado con agua, soda o tónica.

“Para mi haber ganado el World Class Competition es símbolo de perseverancia, pasión y dedicación. Con todo los que nos toca en esta profesión, es uno de los reconocimientos que esperamos tener y más aún en una carrera que se caracteriza por ser muy masculina. Abrirse camino con excelencia, es como llegar al tope de la cultura venezolana. Poder viajar a Grecia y representar a Venezuela es un orgullo, espero poder contar con la misma gracia allá y dejar el nombre de mi país en alto, demostrar que aquí hacemos buenos trabajos y que podemos hacer mucho más"

“Las palabras quedarían cortas para agradecer a Diageo y todo el equipo humano que siempre nos apoyó. Sentí que eran unos más de nosotros, que sufrieron con nosotros y que siempre estuvieron brindándonos todo su cariño y soporte” comentó la feliz ganadora.


Fuente:
Revista Estampas

Moisés Kaufman, venezolano en Broadway

Broadway lo tiene en buena estima. Jane Fonda es capaz de romper por él un ayuno teatral de 45 años. Nominado al Tony y al Emmy, el reconocido dramaturgo y director venezolano tenía desde hace rato la espinita de no haber montado en Venezuela ninguna de sus propias obras. En dos semanas por fin presentará en Venezuela Actos indecentes: Los tres juicios de Oscar Wilde , la primera pieza que estrenó en tablas neoyorquinas hace 13 años.

http://impresodigital.el-nacional.com/suplementos/2010/07/04/
Fotografías Lara Alcántara / Nueva York
 

Moisés Kaufman no tiene una hora libre en estos días. La única manera de hablar con el dramaturgo es llamarlo a su celular entre un compromiso y otro. "Estoy comiendo pero puedo hablar. No te importa, ¿verdad?", se excusa. Hay en él un rasgo llamativo que aflorará en pocos minutos; por un lado se hará obvio que tiene la sensibilidad de un artista: tanta como es necesaria para que en Broadway lo consideren una suerte de iconoclasta con propósito. Pero por otro, también será evidente que tiene el pragmatismo de un administrador, ese mismo que se graduó en la Universidad Metropolitana y trabajó en Procter & Gamble antes de mudarse a Nueva York hace más de 20 años. Así como hablará de su búsqueda estética, tampoco se cortará en advertir que esta entrevista será breve. Su discurso navega entre una faceta y otra sin baches, como si su cableado cerebral hubiera aprendido a conectar esos dos hemisferios sin cortocircuitos, sin redes caídas, sin ballenas tuiteras que indiquen que esa extraña coherencia ha llegado al tope de su capacidad.

A sus 47 años, Kaufman se prepara para montar en Caracas su primera obra en Broadway. "Lo último que había hecho en Venezuela fue dirigir en 2006 ­en el Festival Internacional de Teatro de Caracas­ una obra que se llama I am my own wife de Doug Wright, pero nunca había dirigido en mi país una obra propia. Desde hace tiempo quería hacerlo pero estaba muy ocupado. Hablé con mi amigo Michel Hausmann y quedamos en codirigir juntos el montaje de Actos indecentes: Los tres juicios de Oscar Wilde, que fue la primera obra mía que se estrenó en Nueva York". En ella, el escritor Oscar Wilde es sometido a juicio ante la sociedad inglesa por su homosexualidad y su romance con el hijo del marqués de Queensberry. En un casting conjunto entre Kauf- man y Hausmann, el elenco quedó integrado por Javier Vidal, Christian McGaffney, Juan Carlos Alarcón, Alejo Felipe y Rolando Padilla, entre otros.


"También me ilusiona mucho que participe Fernando Ivosky, quien fue mi profesor en el grupo de teatro Thespis de la Unimet. Allí fue donde empecé a hacer teatro", revela. "Cuando me gradué le dije a mis padres que ahí les dejaba el título de Administración porque lo obtuve para ellos, pero lo que yo quería era estudiar esto; fue ahí cuando mezclé los dos oficios por un año mientras resolvía cómo irme, hasta que al año siguiente me vine a la Universidad de Nueva York a estudiar teatro. Al final no terminé porque sentí que ya había avanzado un buen trecho y quería hacer las cosas yo mismo, así que monté mi propia compañía". Tectonic Theater Project ­cuyo nombre alude a la naturaleza estructural y dinámica del arte dramático­ abrió sus puertas en 1991. En 1997, Ac- tos indecentes fue el estreno simultáneo de Kaufman como dramaturgo y director en NY; en unos meses, el New York Ti- mes lo incluyó en la lista de los 10 personajes más influyentes en el ambiente cultural de EE UU ese año. Aclamada por la crítica, la pieza tuvo 600 funciones en Nueva York, así como representaciones en Los Ángeles, San Francisco, Toronto y el West End londinense. Según el sitio web de su compañía, la obra ha sido producida y presentada en varios países y en más de 40 ciudades de EE UU.

"Sé que en Venezuela hay mucha expectativa con Actos inde- centes y es hermoso que por fin pueda mostrarla allá. Eso me emociona". ¿Nervios, quizás? "Escribir siempre es un acto personal; subir una expresión creativa a un escenario siempre trae riesgos. Una vez le pregunté a Robert Redford si alguna vez se le quitaron los nervios y me dijo que no, que prefería tenerlos. Yo también los prefiero porque me permiten calibrar lo que estoy haciendo". Si le preguntan de qué depende triunfar en Broadway, lo piensa. "Depende de un arduo trabajo, suerte, magia, talento. Yo desde una edad muy temprana sentía pasión por el teatro, pero el resto siempre queda en manos de los dioses.

Lo mío es amar y trabajar".


Drama con lupa.

Michel Hausmann ­fundador de Palo de Agua Producciones y productor de musicales como El violinista sobre el tejado y Jesucristo Superestrella­ da cuenta del estilo de trabajo de Kaufman. "Tenemos créditos compartidos porque alguien tiene que ayudarlo aquí, pero Actos indecentes se ha presentado de muchas formas y él siempre me dijo que quería hacer aquí su propia versión. Estamos trayendo de Nueva York a sus diseñadores de iluminación y de escenografía para que se vea exactamente igual a como se montó allá hace 13 años", explica el productor. "Moisés es muy detallista y él mismo tradujo la obra en español. Mientras esperamos a que venga a Caracas a ensayar, le enviamos videos de los avances y él nos hace sus observaciones".

Un guión de Kaufman no se resuelve en pocos días. De hecho, es famoso por sus extensas investigaciones al escribir cada pieza.

En Actos indecentes, entramó documentos históricos, cartas y biografías sobre la vida de Wilde.

Para The Laramie Project ­una obra basada en un caso real, sobre la muerte de un estudiante homosexual en el pueblo de Laramie, Wyoming­ entrevistó in situ a cientos de personas. Luego volvió 10 años después para revisar la vida del pueblo y actualizar la obra con un epílogo. No en balde, TLP está catalogada como una de las piezas más representadas en liceos y universidades de EE UU. Kaufman también dirigió la adaptación cinematográfica con las actuaciones de Peter Fonda, Laura Linney y Christina Ricci. La cinta ­transmitida por HBO­ fue seleccionada para la noche inaugural del Festival de Cine de Sundance en 2002, y ganó una mención especial en el Festival de Cine de Berlín. Con ella, Kaufman recibió luego dos nominaciones al Emmy como mejor director y mejor escritor.
 

Barbarella para Beethoven.


Escribir 33 Variations ­una obra sobre una musicóloga enferma que estudia las inexplicables 33 variaciones de Beethoven sobre un simplón vals de Diabelli­ le tomó tres años de documentación. Para el papel principal, en 2008 Kaufman enfiló sus baterías hacia la actriz Jane Fonda, quien hace más de 45 años no se subía a las tablas. "Le expliqué de lo que se trataba, leyó el material y le gustó enseguida. Yo también me sentí muy cómodo con ella", asegura. "Él es el director más cooperativo con el que he trabajado. Está completamente abierto a las ideas y aportes de la gente. Es como si no fuera un director de teatro, sino un director de orquesta visionario", declaró entonces Fonda para AP. A la larga, la obra le valió cinco nominaciones a los premios Tony, entre ellos Mejor Obra.

Sus fuentes de inspiración, asegura, son aleatorias.

The Laramie Project surgió siguiendo las noticias.

33 Variations, de una con- versación sobre Beethoven con un vendedor de discos. ¿Escribe pensando en el público o en la crítica? "En ninguno. Me preocupa más entender primero a los personajes, pero realmente no sé cómo los escojo ni sé dónde voy a conseguir ideas; si es en una fiesta, en una librería, en un salón de clases. Es como esas personas que te enamoran y punto. En ese sentido, hacer teatro para mí es como enamorarse: no sabes dónde vas a encontrar esas ideas ni tampoco las escoges".

En tiempos de celulares de última generación, Twitter, cine en 3D y televisión de alta definición, Kaufman cree que la función del teatro es seguir explorándose.

"La única forma de ser parte importante del diálogo es continuar esa búsqueda de una profunda investigación estética, de nuevos lenguajes teatrales, de coincidencia de temas y una curiosidad más allá de las obras individuales", asegura. ¿Y el Tony? "Lo de los premios puede ser peligroso si uno se lo toma como un concurso de popularidad. Caer en eso es como perseguirse la cola. Sin duda recibir un reconocimiento es grato, pero trato de mantenerme íntegro en comunicarle a los demás algo de su condición humana", sostiene quien acaba de dirigir en Los Ángeles la pieza Bengal tiger at the Baghdad zoo de Rajiv Joseph y prepara la dirección de su primera ópera, El Gato con Botas, del difunto compositor catalán Xavier Montsalvatge. "Cuando escribo o dirijo una obra y la gente sale de la sala, espero que haya reconocido en sí misma algo verdadero que haya sentido o vivido antes. Espero que se sienta menos sola".



Fuente: Todo en Domingo