jueves, julio 30, 2009

El Pavo Frank, ahora una leyenda

Un ritmo endiablado en las manos y el corazón. Una descarga del alma que estalló en los timbales y la batería. Ahora, una leyenda. Si decimos Francisco Antonio Hernández Valarín, no decimos mucho. Si decimos el Pavo Frank suena a salsa, a jazz, a Onda Nueva.
El más destacado percusionista venezolano de las últimas décadas murió este martes a los 74 años. Salió de su natal Villa de Cura, estado Aragua, a los 12 años, edad suficiente para tomar clases de batería. Ya a los quince estaba debutando en la orquesta de Manuel Ramos donde lo bautizaron como el Pavo, apodo que ahora se lleva a la eternidad.




El músico aragüeño, cuyo nombre de pila era Francisco Antonio Hernández Valarín, comenzó su carrera musical al tomar clases de batería con Germán Suárez, cuando tenía sólo 12 años.
A los 15 se unió a la orquesta de Manuel Ramos. Sus compañeros le asignaron un apodo por el que sería reconocido durante el resto de su vida: El Pavo Frank.

Para 1953 ya formaba parte la orquesta de Aldemaro Romero, y luego, en una carrera brillante, pudo acompañar a gigantes como Jesús ‘Chucho’ Sanoja, Luis Alfonso Larrain,Tito Puente, ‘El Rey del Timbal’; Dámaso Pérez Prado ‘El Rey del Mambo’; Mongo Santamaría, Machito, Dizzie Gillespie y Chick Corea, máximos exponentes del jazz latino
Fue un largo camino recorrido que tuvo su punto más alto en los años 70, con la Onda Nueva, estilo musical reconocido en todo el mundo y todavía vigente, cuyo corazón rítmico fue ideado y desarrollado por el Pavo Frank para Aldemaro Romero, quien la describió de esta manera: ‘la Onda Nueva no es otra cosa que la sustitución de una orquestación por otra. En vez de arpa, cuatro y maracas; piano, bajo y batería: el trío ideal para tocar música de jazz’. Ese inconfundible golpe de batería fue la creación inmortal del Pavo, su más célebre contribución artística.

Pero los años no perdonan y las enfermedades tampoco. Los últimos años el Pavo se vio forzado al retiro. Tres accidentes cerebrovasculares lo alejaron de las pailas. No pudo continuar caminando derecho porque perdió el equilibrio. Todo dificultó más su ya precaria existencia porque desde hacía mucho tiempo fue perdiendo la vista hasta quedar completamente ciego. Sus necesidades sin embargo estaban medianamente cubiertas porque era pensionado de Venezolana de Televisión, tenía su pensión del Seguro Social y recibía también una cantidad por haber sido declarado Patrimonio Viviente.

Imposible decir que dejó de tocar. Ahora es cuando la batería y el timbal del Pavo Frank sonarán en todo el mundo. Ahora es cuando esas pailas vibrarán con sabor y genialidad.



Hace tres años un grupo de amigos liderizado por Jacques Braunstein organizó un homenaje que se llamó “Un Abrazo para El Pavo” para recaudar fondos, debido a las graves afecciones de salud por las que estaba atravesando el músico, y además por su imposibilidad de seguir trabajando.

La vida del Pavo fue una larga carrera de trabajo, tesón y mucho esfuerzo que logró romper impedimentos físicos hasta llegar a convertirse en uno de los mejores percusionistas venezolanos.
La vida musical de Frank Hernández siempre ha estado vinculada al jazz, y al respecto cabe recordar sus actuaciones en conciertos de este género musical con artistas invitados de los Estados Unidos, a nuestro país, como Barney Keesel y John la Porta. En 1958 se traslada a la ciudad de Nueva York para lo cual contó con la ayuda del gran maestro Tito Puente.



Esta oportunidad le permite ampliar su técnica y experiencia en la batería y estudia con el maestro Henry Adler. En la ciudad de los rascacielos el Pavo actuó junto a Tito Puente y Pérez Prado, pero además pasa a formar parte de la banda de Mongo Santamaria.
Logra además, alternar con grandes del jazz como Frank Raul Grillo “Machito”, Dizzy Gillespie, Chick Corea, Hubert Laws, Jimmy Smith, y Arthur “Art” Blakey. Pero el roce internacional del “Rey del Timbal venezolano” no se quedó solamente en nuestro continente, viaja a Europa y en Londres actuó en el London Palladium, y junto a la Onda Nueva, actúa en París durante un mes en la Torre Eiffel, e igualmente en Atenas, Milano, Lugano, Ginebra, Estocolmo y Goteborg,
La vida del Pavo no se concretó solo a su trabajo como instrumentista sino que dedicó parte importante de su tiempo a participar como ponente, conferencista y colaborador en encuentros didácticos de músicos percusionistas. Durante años desempeñó una labor docente a través de distintos centros comunitarios de formación y capacitación del Area Metropolitana de Caracas, y desde 1996 hasta el año 2000, fue docente de percusión de niños de la calle. Tiene una publicación que se llama “El Ritmo de la Onda Nueva”, que es un método para batería, publicado en 1993 por la Asociación de Músicos Percusionistas.
Hay muchas cosas que se pudieran escribir sobre este músico nativo de Villa de Cura y que llegó a convertirse en el “Rey del Timbal venezolano”, la historia le pertenece, ahora es una leyenda.

Fuentes:


El pavo Frank
El pavo Frank Hernandez
El rey del timbal
Addio Frank El Pavo Hernandez


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miércoles, julio 29, 2009

Margot Benacerraf, la venezolana que filmó con Picasso

A sus 82 años, la cineasta Margot Benacerraf cuenta en primera persona lo que fue aquella mágica experiencia de realizar una película junto al pintor español, en 1953





“Aquella, fue la proyección más bella que he tenido en mi vida. Bajo las estrellas, en Vallauris, al sur de Francia…

“Proyectaban mi película Reverón a todos los ceramistas y Picasso se sentó mi lado. A medida que el filme avanzaba, él se mostraba muy interesado. De repente, me dio una palmada en la pierna y me dijo, en un español muy malo, medio catalán, medio francés:

-Mañana tú y yo hacemos una película, pero no sobre mí, sino conmigo.



-¿Pero cómo, don Pablo, si yo no tengo cámara? Además, usted sabe, eso hay que prepararlo...

-No te preocupes, yo te dije que iba a haber un aparato de proyección para pasar a Reverón y lo conseguí. Mañana te mando a buscar a las 11:00 de la mañana.

“Y al día siguiente, puntual, estaba su hijo Polo esperando por mí.”

“Entonces me llevan a la casa de Picasso, donde él era como un rey. ¡Cómo lo adulaban! ¡Era algo hasta horrible!

“El pintor tenía una montaña de regalos: capas de torero —porque a él le gustaban los toros?, varas de picador… muchos obsequios. ‘Yo creo que alguien me regaló una cámara, yo no sé… por ahí debe estar…?, dijo, y apareció una de 16 mm. Entonces, mandó a comprar película reversible, lo que ha sido una desgracia para mí porque no hay copia, no hay negativo.

“Yo me repetía: ‘Dios mío, yo sólo he trabajado con cámaras profesionales de 35 mm. ¿Cómo voy a resolver con una camarita de 16 mm? Estaba aterrada, pero ¿cómo le decía que no a don Pablo?


“Él era muy metódico y todos los días repetía lo mismo —yo me he dado cuenta de que los genios son así, lo mismo sucedía con Luis Buñuel—. Tenía las mismas costumbres, a las mismas horas, era obsesivo. Y una de las obsesiones de Picasso era que él, como a las 11:00 ó 12:00 de la mañana, me pasaba buscando por el hotelito donde yo estaba y bajábamos a la playa.

“Empezábamos a trabajar entre 1:00 y 3:00 de la tarde, cuando el Sol está así (verticalmente). Yo decía: ‘No va a salir nada?, ‘yo no tengo experiencia en 16 mm?. Sin embargo, eso no lo detuvo. De inmediato, él comenzaba a jugar. Inventaba cosas todos los días… Por eso me decía que era una película para divertirnos. A veces, se acercaba a los bañistas y usaba sus rodillas como lienzo. Pintaba sobre ellas… Era muy lindo ver todo el proceso creativo de Picasso. Filmábamos casi todos los días, menos los fines de semana porque eran los toros.



“A las 3:00 en punto nos íbamos a almorzar al restaurante Tetou, que era especialista en una sopa que hacían con langosta y pescado. A diario, cuando pasábamos delante del vivero de langostas con todas las pinzas hacia arriba, me decía: ‘¿Verdad que es como La batalla de Paolo Ucello? Y yo le decía, ‘Sí, don Pablo?.

“Total que después no lo dejaban comer tranquilo. Venían a pedirle cosas: ‘Mire, don Pablo, no tengo dinero?, entonces él les dibujaba una paloma y se las regalaba para que la vendieran. Por eso es que hay tantas obras de Picasso en todas partes.

“Él siempre andaba con su corte al lado: estaban Edouard Pignon, otro pintor; sus sobrinos; su mujer, Françoise Gilot, que después escribió el libro Mi vida con Picasso.

“Al cabo de un mes ya habíamos filmado una gran cantidad de cosas. Nos fuimos a Niza, a tres cuartos de hora de Cannes, a los famosos estudios de la Victorina, donde se hicieron muchas películas durante la guerra. Allí vimos el material. Picasso estaba fascinado. Entonces le comenté: ‘Tenemos que terminar la película. Yo la voy a llamar Diario de un verano en 1953? y le propuse hacer el final en cámara lenta”.

Lejos de Franco

“Tengo que recordar que yo estuve en la Facultad de Filosofía y Letras de la UCV con profesores republicanos españoles: personajes como Juan David García Bacca, Eugenio Imaz y José Bergamín, fueron mis maestros. Más que de una Facultad, se trataba de una escuela viva. Por eso siempre digo que soy el producto de los republicanos españoles en el exilio.

“Cuando me fui a París, en 1950, me llevé una cantidad de cartas para otros republicanos españoles allá. Yo las entregué e hice amistad con ellos en París. En el 51 filmo Reverón; en el 52 la película gana el Premio Internacional de Documentales de Arte; en el 53, recibe galardones en el Festival de Berlín y un crítico francés escribe grandes elogios en la revista Cahiers du Cinema… Fue impresionante, porque Reverón es un mediometraje que mereció página entera en todos los periódicos y revistas. La película fue catapultada e inauguró el primer cine de arte y ensayo de París, en los Campos Elíseos.

“Entonces, un buen día de verano, estos republicanos españoles que yo veía con frecuencia estaban apreciando el éxito que tenía Reverón en las salas de París, y una mañana me preguntaron: ‘¿Tú quieres ir al estudio de Picasso??. Yo les respondí: ‘¡Claro, como no, encantada!?.

“Un sábado por la mañana me llevaron al taller del pintor en la Rue des Grands-Augustins, donde pintó el Guernica. Todo lo que interesaba en París se reunía allí los sábados. Recuerdo que en esa oportunidad coincidí con el escritor Jean Cocteau.

“Picasso estaba allí entre sus cuadros y estos españoles que me llevaban de la mano le dijeron: ‘¿Tú ves a esta niña chiquitita que está aquí? Bueno, tiene una película bellísima que están pasando en París sobre un pintor extraordinario que se llama Armando Reverón?. Picasso comentó: ‘¡Claro, yo lo conocí!?… Mentira, no lo conocía, pero le interesó mucho la figura de Reverón cuando le contamos un poco acerca del personaje. Me dijo: ‘Yo me tengo que ir mañana al sur de Francia?, porque él estaba haciendo cerámica en ese momento y se iba a Vallauris, el pueblo de los ceramistas. ‘Tráeme la película y yo la veo allá?. Yo le agradecí porque pensé que era un gesto más de simpatía y no le hice caso.

“A la semana me llamó el secretario, Jaime Sabartés: ‘Mire, don Pablo está esperando que vaya con la película?. Yo le dije: ‘Es que Reverón necesita un proyector de 35 mm. ¿Cómo la van a pasar en Vallauris? Entonces me respondió: ‘Usted sabe cómo es Picasso allá, basta que él diga que quiere un proyector y ahí estará. No tiene sino que decirme la fecha y yo le mando el billete de tren. El hijo de Picasso la va a buscar a la estación?. Así que me fui con mis rollos de película y ropa para tres días… Me quedé casi tres meses.”



El adiós de Françoise

“En todo el sur de Francia, en verano, hacen muchas corridas de toros. Yo creo que fue en Arles donde vimos a Dominguín, que era un torero protegido de Picasso. Françoise, su mujer, no fue en esa oportunidad y cuando nosotros regresamos el domingo en la noche, encontramos la casa oscura, cerrada. Picasso entró y salió verdaderamente consternado: ‘Françoise se fue?. Le dejó una esquela —eso está en el libro de ella? que dice: ‘No se puede vivir con un genio?. Eso le afectó muchísimo a Picasso, sobre todo por los niños. Él quería mucho a Claudio y Paloma.

“Françoise quizás creyó que él iba a salir corriendo detrás de ella, pero estaban los amigos que lo rodearon… Y toda esa bellísima época que yo pasé, que es inolvidable para mí; todo ese encanto, esa magia, se rompió, porque él quedó muy mal.”

“El músico de mis películas, Guy Bernard, vivía cerca de Picasso y era muy amigo de él, porque además hizo la música de Guernica, la película.

“Me encontré sola en ese hotelito de Vallauris. Ya no era lo mismo. Ya no venían a buscarme a las 11:00 del día. Ya no bajaba a la playa… sentí que se rompió todo. Pues le dije a Guy Bernard, que estaba allí, ‘Yo me voy a París, no tiene sentido que yo me quede aquí todo el día sentada, esperando, para ver si continuamos y terminamos la película?. Guy me dijo: ‘Ten cuidado, mira que Picasso dice las cosas una sola vez. Si te vas, no vas a terminar la película… eso es a tu riesgo?.

“Picasso desapareció. Mucho tiempo después fueron a visitarlo Pablo Neruda, Miguel Otero Silva, Luis Buñuel, que era íntimo amigo de él… Nunca más recibió a nadie. Se encerró con la nueva mujer, Jacqueline, quien se convirtió luego en su viuda. Decía que no tenía tiempo ni para entrevistas, ni para nada, sólo para pintar, y cerró la puerta de la casa.

“La cosa quedó ahí. Me causó mucha tristeza no haber terminado la cinta. El material bruto que había era preciosísimo, porque eran todos esos chispazos de Picasso. Yo creo que era una cosa única porque nadie había hecho una película así, junto a él.

“Me dije: ‘Caramba, este registro es importante, no para mi consumo personal, sino como documento. En todas esas exposiciones de Picasso la gente podría verlo corriendo en la playa, jugando, buscando cosas…?.

“Esas latas de película se quedaron en casa de Picasso. Pero él comenzó a mudarse mucho… A las pocas personas que tenían acceso yo les preguntaba por éstas...

“Manuco Otero, periodista argentino, se hizo muy amigo de quien era fotógrafo de Picasso y de Jacqueline. Tuvo acceso al pintor. Él era muy amigo mío, entonces yo le decía: ‘Manuco, pregunta dónde están las películas. Que las donen al museo si no les hacen falta… Por más que sea, esos son momentos importantes de Picasso?. Y él me prometió que le iba a preguntar a Sabartés, que todavía era su secretario.

“El tiempo pasó. Yo me metí a hacer Araya, me vine para Venezuela… Picasso murió (1973), entonces Manuco quedó más amigo que nunca de su viuda. ‘Manuco, es el momento de que le digas a Jacqueline que no es para mí. Que se lo dé a la cinemateca francesa o al Louvre?. Él me dijo: ‘No te preocupes que haré lo posible por recuperar eso?. Con la mala suerte de que Jacqueline se suicidó. Y, entonces, Manuco fue a la última casa de Picasso: ‘Ya los rollos no están y no tengo contacto con los sucesores (hijos de Jacqueline en otro matrimonio)?.

La película desapareció. Todo lo que me queda son tres fotos de aquella experiencia. Tengo la esperanza de que algún día aparecerá”.
Con un ojo en el visor

Margot Benacerraf nació en Caracas el 14 de agosto de 1926. En 1947 egresa de la primera promoción de Filosofía y Letras de la Universidad Central de Venezuela. Con una obra de teatro, Creciente, obtuvo como premio una beca para estudiar teatro en la Universidad de Columbia, Estados Unidos. Entre 1950 y 1952 estudia Dirección Cinematográfica en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos de París, Francia.

A propósito del 50 aniversario de los premios en Cannes para Araya, unos especialistas estadounidenses restauraron la película, la presentaron en la más reciente edición de la Berlinale y ahora tendrá una proyección en Nueva York.

Fuente

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martes, julio 28, 2009

La Schola Cantorum de Venezuela tendrá una importante participación en el Festival Mostly Mozart 2009

Una Importante participación en el Lincoln Center for the Performing Arts, Nueva York, los acogerá y realizarán una serie de conciertos. La Schola tomará parte en el estreno neoyorquino de la ópera en dos actos compuesta por el estadounidense John Adams, A Flowering Tree, el 13, 14 y 16 de agosto, y ofrecerá un concierto a capella el 15 en la recién remozada Alice Tully Hall, del mismo Lincoln Center.

Además de un virtuoso Concierto coral dedicado a “Tradiciones, Colores y Ritmos” ofrece la Schola Cantorum de Venezuela antes de participar en el Festival Mostly Mozart, Lincoln Center en Nueva York



La edición 2009 del Festival Mostly Mozart se llevará a cabo entre el 28 de Julio y el 22 de Agosto. Es una serie de conciertos de verano que se celebra en las diferentes edificaciones del Lincoln Center en la Gran Manzana con el fin de rendir tributo a la vida y obra del compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart a través de la presentación de su trabajo y de obras inspiradas en las composiciones de este genial compositor austríaco.






La nueva dimensión del canto coral ‘a capella’ podrá apreciarse en este concierto lleno de virtuosismo, colores, ritmos y magia.




Como preludio de esta gira a Nueva York, la Schola Cantorum de Venezuela ofrecerá dos conciertos el 25 y 26 de julio en el Centro de Acción Social por la Música FESNOJIV y en la Sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño respectivamente, en que interpretarán el repertorio correspondiente a su presentación del 15 de agosto en Nueva York denominado “MAGIA Y COLORES DE LAS AMÉRICAS.”, que consiste en piezas corales seculares y música tradicional de destacados compositores de todo el continente, con especial énfasis en la música de compositores norteamericanos y venezolanos. Se realizarán varios estrenos nacionales y norteamericanos, entre ellos Obras de Grau (Venezuela), Murray Schaffer (Canadá), Eric Whitacre (USA) así como otras obras de Sojo, Ruiz, Castellanos, Bor, López Gavilán y Elliot Carter, en su año centenario.




Fuentes:
A través de Venezuela
Lincoln Center



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lunes, julio 27, 2009

Miguel Ángel Cegarra, un prodigio del violonchelo

El niño Miguel Ángel Cegarra tiene el mundo en sus manos gracias a su inigualable habilidad para tocar el cello. Con apenas 10 años de edad ya ha hecho historia para el medio musical venezolano, al convertirse en el primer niño en interpretar el concierto para cello y orquesta de Haydn. Este hecho lo ha puesto en el mapa mundial de la música clásica.





Miguel Ángel Cegarra a la conquista del mundo

El niño maravilla será dirigido por Gustavo Dudamel el 28 de julio
Su habilidad musical con el cello acaba de ser elogiada nada menos que por los maestros Frans Helmerson, Yo-Yo Ma y Arto Noras
Se trata del primer niño en todo el mundo en interpretar el concierto para Cello y Orquesta de Haydn cuando apenas tenía 9 años de edad

Es difícil imaginar que una criatura de tan sólo nueve años con mirada inocente y hablar pausado, sea un prodigioso as de la música clásica venezolana y que a tan corta edad esté catalogado por grandes maestros como uno de los mejores violoncellistas a nivel nacional.

Este niño genio ha cautivado a directores de la talla del maestro José Antonio Abreu, William Molia y su actual profesor Valmore Nieves.

El joven artista pertenece desde hace dos años al Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e infantiles de Venezuela. Su fuerte es el violoncello, instrumento que toca con pasión desde que tenía tres años.

Aún cuando sea difícil de creer, la madurez con la que se expresa deja asombrado a todos.

Miguelito, como se le conoce en el medio artístico, espera convertirse en el mejor violoncellista del mundo y no descarta la posibilidad de dirigir algún día la Orquesta Sinfónica de Venezuela.

Asiste al colegio como todo niño y actualmente cursa el cuarto grado en el Instituto Santa Fe de Caracas.



Hablan los grandes maestros

En el pasado mes de mayo, Miguel Ángel estuvo en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, España, donde recibió clases especiales por parte del maestro Frans Helmerson, músico de origen sueco quien es considerado como uno de los grandes exponentes del cello en todo el mundo. Tras compartir con Miguel Ángel, Helmerson expresó lo siguiente: “Miguel Ángel es un gran talento que toca con una inspiración y musicalidad natural”.

Otro gigante del cello quien ha elogiado la habilidad de Miguel Ángel Cegarra ha sido el emblemático y carismático Yo-Yo Ma, quien asombrado por el talento del niño durante una clase magistral que tuvo lugar el pasado mes de junio, expresó: “Estoy muy sorprendido por el dominio y la versatilidad con que ejecuta esta difícil obra para ser un niño (refiriéndose al Concierto en Do mayor de Haydn para cello). Miguel Ángel toca con gran expresión y musicalidad”.

Para Miguel Ángel es un sueño hecho realidad el ser dirigido por Gustavo Dudamel el próximo 28 de julio. El niño prepara muchas sorpresas para ese gran concierto. Para tener apenas 10 años ha afrontado los ensayos y sus clases de música con la disciplina y el profesionalismo de un adulto.

Hace poco, el propio Dudamel le hizo una prueba, donde lo evaluó con los mismos criterios con se evalúan a los adultos. El niño asombrosamente salió airoso del examen, pese a sus limitaciones de tamaño y desarrollo muscular. El maestro José Antonio Abreu también ha probado las habilidades del infante, expresando que se trata de un niño con un gran futuro.




¿Cómo te va en el colegio?
Me va muy bien, mis compañeros y mis profesores son muy buenos. La materia que más me cuesta es matemáticas (risas). Le dedico mucho tiempo a la música.

¿Tocas para tus compañeros?
Sí, a veces, les gusta mucho y siempre me preguntan cuándo tocaré otra vez.

¿Y eso cómo te hace sentir?
Muy bien porque siento que les gusta, además soy el único músico en mi clase.

¿Qué te gustaría ser cuando crezcas?
El mejor violoncellista del mundo

Este admirable músico infantil no titubeó al contestar las preguntas, que mientras más complejas se tornaban más fáciles eran para él responderlas.

¿Tus padres son músicos?
Sólo mi mamá que fue cellista. Gracias a ella es que me interesó este instrumento aunque he intentado con otros como piano y flauta, pero me quedé con el cello.

¿A qué edad comenzaste?
A los tres años.

¿A qué edad te presentaste por primera vez en concierto?
He participado en 17 mini conciertos, pero mi primera vez fue en el colegio Emil Friedman de Caracas, cuando tenía tres años, allí recibí clases con la profesora Zaida Gómez.

¿Qué significa Dudamel para ti?
Un ejemplo a seguir, un orgullo para Venezuela.

¿Si tuvieras mucho dinero qué harías?
Me compraría una casa y un cello nuevo.

¿Qué mensaje das a los padres si sus hijos quieren ser músicos?
A los padres que los apoyen y a los niños que sigan su sueño, algún día serán grandes músicos.

Padres orgullosos
Los padres de Miguelito manifiestan que el apoyo es fundamental. Karla Monsalve de Cegarra, asegura que su hijo es músico desde que estaba en el vientre.

“Yo desde que supe que estaba embarazada comencé a darle estímulos, le coloqué música clásica barroca y era muy cómico porque desde la barriga él respondía. Cuando le ponía Vivaldi comenzaba a darme patadas, realmente hermoso”, expresó entusiasmada.

Rafael Cegarra, padre de Miguelito asegura que no quería comprarle un cello a tan corta edad. “Son costosos y como todo niño se antoja de algo y después se aburre y lo deja, pero a mi hijo le apasionó tanto el instrumento que más nunca lo dejó. Es un orgullo para la familia”, dijo sonriente.

Por su parte el maestro Valmore Nieves explicó que desde que conoció a Miguelito supo que sería un gran músico.

“Es increíble la disciplina y la constancia con la que Miguelito asiste a sus clases y se dedica a la música. Estoy seguro que llegará muy lejos”, aseveró.

Miguel Angel Cegarra acotó que su maestro es como familia. Karla Monsalve agregó que los dos son muy unidos y lo reflejan todo el tiempo. “Se adoran”, afirmó.


Miguel Ángel Cegarra a la conquista del mundo

Miguelito vive la pasión por el Violoncello

Miguel Ángel Cegarra: Una estrella naciente del 2009






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sábado, julio 25, 2009

Francisco Bugallo y su juicio final

Con una instalación que fragmenta y recrea desde una perspectiva contemporánea el Juicio Final, fresco que inmortalizara Miguel Angel en la Capilla Sixtina, el artista venezolano Francisco Bugallo da por concluido un ciclo expresivo de más de 25 años de profunda e innovadora investigación sobre la pintura de otros siglos, e inaugura una exposición titulada “Al final…el juicio”
...óleo, clavos, cuchillos, quemaduras sobre madera, alfileres, papeles recortados, vidrios y espejos...




La muestra exhibe figuras fragmentadas de personajes extraídos de obras maestras del pasado, recreadas bajo la visión personal del artista en una instalación en la que se exhiben imágenes suspendidas en el tiempo y el espacio, dibujadas con diversos materiales como óleo, clavos, cuchillos, quemaduras sobre madera, alfileres, papeles recortados, vidrios y espejos.




Más de 30 obras de gran formato conforman esta exposición con la que Francisco Bugallo da por concluido un ciclo expresivo de profunda e innovadora investigación sobre la pintura de otros siglos, que a lo largo de 30 años de trayectoria artística lo ha llevado a una revisión desde su expresión artística, ante las angustiosas interrogantes de la humanidad y el ser, dando una nueva perspectiva a diversos íconos de la historia del arte a través de sus obras, tales como: su interpretación de la Mona Lisa en 1983; y su recreación de la Balsa de la Medusa de Géricault en la muestra Imagen y Semejanza, exhibida en el Maccsi en 1999 y conformada por un tablón, un gigantesco lienzo y 36 tablas de maderas pintadas, entre otras obras.
Ahora Bugallo cierra este ciclo exponiendo a esos personajes -ángeles, santos, elegidos y seres abandonados hacia la vida eterna, en el Juicio Final de Miguel Ángel- con una nueva óptica que supera el plano pictórico abordando el uso de materiales no convencionales, en la que "se obsequia nuevas libertades, aunque sea para sumergirse en un universo de dudas", como lo expresa Federica Palomero, curadora de éste, su último proyecto expositivo.






"Dibuja con clavos, o sólo con las perforaciones dejadas por los clavos, en un juego de positivo-negativo. Establece irónicas relaciones entre forma y contenido, como burlándose de los simbolismos disfrazados en las pinturas del pasado. Así es como San Sebastián está silueteado con perforaciones que evocan su martirio por flechas, mientras que San Bartolomé, que sufrió el martirio por despellejamiento, está rodeado de cuchillos de cocina....Negada y burlada, sustituida por objetos prosaicos, la pintura parece no darse por vencida en el arte de Francisco Bugallo. También ella resucita. En efecto, bien se pueden definir como "pictóricos" los claroscuros, los reflejos y las transparencias, las luces y sombras que resurgen entre lo material y lo inmaterial, entre la presencia y la sugerencia. Ya lo pictórico deja de ser propio de la pintura."

Mas sobre Bugallo

Pintor. En 1976 estudió en la Escuela de Artes Plásticas Arturo Michelena, Valencia, estado Carabobo. Dictó clases en la misma escuela entre 1979 y 1982. Participó en diversas exposiciones colectivas, entre las que se encuentran: Obras Maestras de América Latina en el siglo XX, Festival de Biarritz, Francia (1999); Arte en Venezuela, obras de la Colección, MACCSI (1998), Maestros latinoamericanos. 3 generaciones, Museo de Bellas Artes, Caracas; Hoyos, Cristo y Bugallo, Galería CAF (2003). Entre sus exposiciones individuales se mencionan: Francisco Bugallo. Imagen y semejanza, MACCSI (1999) y Francisco Bugallo, The Venezuelan Center Gallery, Nueva York, 1995. Ha obtenido los premios Arturo Michelena (1983); Salón Nacional de Artes Plásticas, sección Pintura, Museo de Bellas Artes de Caracas (1988) y III Premio en la I Bienal de Artes Visuales Chistian Dior, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (1989).


Fuentes:
Arte en la Red
Biografía
Revista Exclusiva

lunes, julio 20, 2009

Antonio Drija en el Circo Du Soleil

El seductor del circo. El venezolano se divierte mientras le da vida a " Gigoló" , papel que comparte con Señorita Extravaganza en el espectáculo Zumanity del Circo Du Soleil




Este bailarín conoció su internacionalización a los 40 años, cuando se sometió a una audición fuera de lo común

Son las 7:30 de la noche en el Hotel Casino New York-New York de Las Vegas. Todo está listo. Música, luces, bailarines, cantantes, contorsionistas. El corazón se acelera. Los cuerpos semidesnudos se agitan. Va a comenzar "Zumanity… El lado sensual del Cirque Du Soleil".

Y en él está Antonio Drija. El único venezolano integrante de la compañía canadiense que ha revolucionado al mundo del espectáculo, y el primer rostro que ve el público cuando comienza la función.

Para los más jóvenes el apellido Drija seguramente está asociado a otro nombre, al de Víctor, el actor de la serie juvenil Somos tú y yo. Pero este Drija, es su padre. Un bailarín y coreógrafo recurrente en casi todas las producciones musicales de los años 80 en el país.

Antonio Drija tiene 5 años en el Cirque Du Soleil. A los 40, hizo la primera prueba para ser parte de la agrupación. "Llegué al Cirque a través de tres exigentes audiciones en un período de 2 años". Explica desde la ciudad de Las Vegas.

La razón por la que fue escogido es muy sencilla: "Porque hacía falta un venezolano en El Cirque Du Soleil", bromea y luego continúa: "La verdad es que siento que estaba preparado para la oportunidad. Yo aporté lo que ellos estaban buscando".



Drija comenzó a los 15 años como bailarín en el programa de televisión Viva la Juventud. Hizo teatro, actuó en cine y durante varios años realizó coreografías junto a su ex esposa y madre de sus dos hijos, la bailarina y coreógrafa Anita Vivas.

Antes de ingresar al Cirque estaba radicado en Miami trabajando con artistas representados por Emilio Estefan.

En su infancia no recuerda haber visto "mucho circo" afirma, "pero sí recuerdo a Gaby, Fofo y Miliki". Los populares payasos de la década de los años 70 y que nada tienen que ver con el "zoológico humano" que conforma Zumanity. El montaje pensado para adultos del Cirque Du Soleil en el que Antonio participa con dos personajes.

Uno de ellos, y quien abre el espectáculo, fue creación de Drija "El Gigoló" que viene a ser el alter ego de Antonio. Desarrollo en escena muchas cosas que personalmente no me atrevo a hacer. Ha sido muy valioso investigar el comportamiento de un gigoló inspirado en el del venezolano". Explica el bailarín.

La puesta en escena de Zumanity recrea historias de la sexualidad entre los seres humanos, con la magia -entre acrobacias y bailes- características propias del Cirque Du Soleil. Es una producción estilo cabaret con un maestro de ceremonia vestido y maquillado como una "diva". Este personaje también es interpretado por Drija "El segundo papel que hago se llama Señorita Extravaganza, es un drag queen muy divertido y peculiar con todas las características de un animador".

UNO MÁS DEL CIRCO

Hoy no sólo es parte del espectáculo, ha encontrado más que "panas" -al mejor estilo venezolano- "compartir tanto y tantas vivencias con el elenco, definitivamente te hace familia. He hecho enorme amistad con muchos y en ocasiones lo que ha sido más duro es verlos partir".

Antonio ya es uno más del Cirque y su morada seguirá siendo Zumanity: "Me propusieron un personaje en otro show y no acepté, a pesar de que en agosto cumplo 5 años con el espectáculo. Disfruto mucho allí".

Con más de 30 años de carrera Drija se considera "más maduro como profesional y como persona" y agrega: "ahora, menos que nunca, le tengo miedo al ridículo".

Fuente: EL UNIVERSAL, edición 99 aniversario

miércoles, julio 15, 2009

Canelita Medina, 50 años de éxitos

Hablar de Canelita Medina es todo un orgullo, nuestra sonera celebra cinco décadas en la música con nuevo disco. Comparada con Celia Cruz, y por muchos superada, la señora de la salsa y el guaguancó vuelve a los escenarios para demostrar ó mejor dicho seguir demostrando que como ella nadie, que es única e irrepetible, sencillamente es una leyenda viviente de la música, que hoy nos regala una joya de colección.



José Gregorio Ortiz
Foto: Cortesía/Trina Medina Producciones


Canelita Medina, una de las soneras venezolanas más reconocidas y admiradas de todos los tiempos en nuestro país y fuera de nuestras fronteras, habló con nosotros acerca de sus planes, proyectos y actividades, para celebrar sus primeros 50 años de trayectoria musical. Un CD compilatorio de sus éxitos, es la manera más oportuna de celebrar este aniversario de antología.
¿Y qué mejor para celebrar cinco décadas de carrera, que lanzar al mercado un nuevo trabajo musical? El CD de nuestra estrella, nada más y nada menos que de la mano de su hija, la extraordinaria Trina Medina, ya está en el mercado. Canelita dice sentirse feliz y orgullosa de que sea ella la productora de este CD de colección, pero dejemos que sea la misma estrella, quien nos comente sus impresiones:
-¿Cómo se prepara para celebrar estos 50 años de vida artística?
-Ando en promoción, voy mucho a entrevistas, presentaciones en vivo, porque quiero que todos conozcan mi nuevo disco. Esta nueva producción quedó buenísima, y es un regalo a para todas esas personas que a lo largo de estas cinco décadas me han acompañado, con sus aplausos y su amor. Además viene otro CD con temas inéditos, donde le daré oportunidad a jóvenes talentos de proyectarse.
¿De quién será la producción de ese próximo trabajo discográfico?
-También lo está realizando Trina mi hija. Aún estamos haciendo el recopilatorio de los temas, que son inéditos, pero ella es quien está detrás de todo esto. Me siento muy orgullosa de eso, y feliz de seguir brindando mi arte, a todas esas personas que siguen mi trayectoria.
-Los jóvenes talentos de la música se unen a Canelita
-Consciente de lo importante que es en esta carrera actualizarse “Oxigenarse” la diva negra, le abrió las posibilidades a nuevos talentos de la composición, tanto nacionales, como internacionales, a tener una participación en su nuevo discompacto.
-En cuanto al contenido de este álbum ¿habrá sorpresas?
-Claro…lo más interesante, es que han venido muchachos desde Puerto Rico y de Puerto Ordaz (Edo. Bolívar) a traerme su trabajo, sus letras… yo los he tomado en cuenta, porque tienen ideas buenas y talento. Me llama mucho la atención como los jóvenes se interesan por la música vieja, por hacer música de verdad. Ellos tendrán una participación importante en mi nuevo disco.
-¿Quién es Canelita Medina?
-Rogelia Medina, nombre de pila, nació en La Guaira, Venezuela, el 6 de marzo de 1939. En 1957 comenzó a cantar con la Sonora Caracas, y permaneció allí por 7 años. Con esta agrupación, realizó su primera grabación titulada "Canelita", pseudónimo que después adoptaría artísticamente. Estuvo también con "Los Megatones de Lucho" y en "Los Caribe", de Víctor Piñero. También formó parte de las "Estrellas Latinas" de La Guaira. La intérprete de "Besos Brujos", expresa sentirse en perfecto estado de salud, y confiesa que en sus ratos libres realiza manualidades, tanto en tela como en madera.

Habla la madre de la hija
Orgullosa y llena de felicidad habla sobre su hija la popular y querida Trina Medina, la reina del son, no oculta su admiración hacia ella, y como buena madre se pierde en elogios merecidos hacia quien fue bautizada como “La voz negra de Venezuela”. Las dos sencillamente fueron talladas en madera fina.
“Trina fue gestada durante mis comienzos en la música, cuando yo cantaba en la Sonora Caracas. Mi esposo, Alfredo Sojo, era el pianista de la banda. Mi barriga fue creciendo en un escenario, trabajé hasta los siete meses de embarazo. Y al nacer ella escuchaba lo que yo escuchaba: la cubana Celeste Mendoza, la Sonora Matancera y, por supuesto, Celia Cruz. Desde chiquita fue muy seria, como ahora, y siempre fue excelente estudiante. Lo malo es que en la casa no agarraba ni una escoba –ríe- Siempre le aconsejé que si se iba a dedicar a la música sacara también otra carrera porque aquí en el país el ambiente de los cantantes de salsa es a veces muy ‘relajado’, un día estás arriba y otro abajo. Me enteré de que quería cantar cuando me lo hizo saber un tercero: ‘¡Canelita: Trina está cantando en una pizzería!’. Total que ahora sabe más de música que yo. Lo más hermoso que he aprendido de ella es la valentía; siempre he sido una mujer muy tímida y ella me ha enseñado a ser más osada. Me ha dado mucho valor.




Detalles de la producción
Comparada por los conocedores del género, con la grande de Cuba Celia Cruz, y muchas veces superada en los comentarios que coinciden en afirmar, que la nuestra tiene madera ¡Y de la fina! Canelita nos regala un CD de colección, donde se muestra inmensa en todo el esplendor de su infinito talento.
Titulo de la producción: Canelita Medina, en Vivo 50 años de vida artística
Canciones que incluye: Besos Brujos, El que se va no hace falta, Tanto y Tanto, Quiéreme, Besos Salvajes, Yo no escondo a mi Abuelita, El Cangrejo no tiene na, La Ruñidera, Soy Canela, El Son de mi Nación, Rosas Rojas, La Alborada, Una noche de Francia, Coco Seco, Esa no es ná.

Fuente



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jueves, julio 02, 2009

J&J Gourmet productos artesanales de sabores venezolanos

En Santa Cruz, Estado Aragua donde 4 muchachos que tenían coincidencias en su nombre, pues se llaman José, decidieron emprender la empresa de los productos deshidratados J&J Gourmet, como solución para aprovechar tradicionales productos del campo. Esta técnica, que consiste en la perdida del agua por el calor, no disminuye las propiedades nutricionales de los productos frescos y lo que hace en si, es alargar la duración sin la aplicación de aditivos químicos, solo sal o azúcar para su conservación y manteniendo.



Ají Dulce, Pimentón, Albahaca, Cilantro, Ajo, Tomate, Champiñón y Alcaparra, son parte de lo que encontramos en el mercado con esta marca.

Son muchos los beneficiados además del consumidor, en primer lugar los productores del campo porque permite un rápido proceso de acopio y conservación de las cosechas en la planta, asegurándoles el arrime de los frutos y vegetales, al tiempo que le disminuye los riesgo de pérdida por merma y deterioro. La venta oportuna, dado el carácter estacional de su recolección y perecedero de los frutos es controlada, traduciendo en ingresos adicionales para los productores y la posibilidad de aumentar el volumen de producción.
Esto, es como una cadena, un engranaje donde cada elemento es fundamental del siguiente y de su resultado final.

Su proceso de elaboración es sencillo: una selección del producto maduro en buen estado de conservación, que es lavado varias veces para eliminar sucios e impurezas, luego se corta en trozos los cuales dependen del producto a procesar, se desinfecta, y se coloca en bandejas que son introducidas en las màquinas de deshidratación por un periodo aproximado de 24 a 36 horas. Luego, viene su empaquetamiento, almacenaje y distribución.

Actualmente, la empresa esta en etapa experimental de otros productos.
Nos cuentan la aceptación que han tenido, ya que el producto es de larga duración, no necesita refrigeración, no tienen merma, la manipulación es fácil sin necesidad del uso de instrumentos de corte, no deja olores fuetes en las manos ya que la manipulación es básica, no contiene aditivos químicos, concentran el sabor, son puros y lo mas importante, significa un ahorro al consumidor porque muchas veces solemos perder en la nevera parte de estos productos.

El consumidor tiene otra oportunidad de consumo sano, duradero y rápido.
Las personas con dietas especiales que consumen sin sal les parece de maravilla por sus características y además no les produce efectos secundarios. (Mareos, dolor de cabeza, malestar estomacal, etc.)

Los productos están ubicados en gran parte de Caracas, Los Altos Mirandinos, Maracay, Maturín, El tigre, Pto. Ordaz, Cd. Ojeda y Maracaibo, en supermercados grandes y pequeños, abastos, fruterías, queseras, carnicerías.

PRODUCTOS DESHIDRATADOS
J&J Gourmet
Tlf. 0424-311 1626 José Montesinos.

Fuente

Su página web



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miércoles, julio 01, 2009

Caracas Metamorfosis, Gran Premio del Jurado de 2008Culturas

"¿Qué pasaría si se pudiese viajar en el tiempo? ¿Como se sentiría que de repente, estando parados en una esquina, pasaran 50, 60 o más años ante nuestros ojos en un soplido? ¿Qué vería y escucharía este espectador desprevenido?

Siempre me gusto especular sobre esta idea. ¿Que pasaría si uno se duerme y despierta 10, 20 o 30 años después? Me fascina el cuento de Rip van Winkle. Me encanta la novela de H. G. Wells y también la película original que ví por primera vez cuando tenía 6 años de edad. Este es un pequeño experimento en humilde homenaje a todos estos autores y leyendas. Y a la Caracas que quisimos y que el paso del tiempo nos arrebató."
Fernando Adolfo París Hernández y Marilyn Birchfield


 
El Ministerio de Cultura de España ha entregado los premios 2008Culturas, un proyecto desarrollado íntegramente en Internet con motivo del Año Europeo del Diálogo Intercultural y creado con el objetivo de generar una plataforma que permita y facilite la comunicación, el intercambio de experiencias y el diálogo entre las distintas culturas.



Sus autores: Fernando A. París y Marilyn Birchfield plasmaron en este video la transformación de la ciudad capital de Venezuela a lo largo de los años, y sirve como denuncia de lo poco que nos hemos preocupado por conservar nuestro legado arquitectónico.





El trabajo, desarrollado en su totalidad en internet, intenta plasmar las transformaciones que ha sufrido la capital venezolana. Muchas de las fotos ya habían circulado por correo electrónico de manera individual y seguramente las reconocerán, pero nadie las había contrastado como hicieron los autores de la obra. Es un paseo visual agradable, angustioso y frustrante a la vez cuando constatamos nuestra sempiterna falta de política urbanística (por no decir total y absoluta ausencia del más mínimo atisbo de idea sobre algo remotamente parecido a un concepto de ciudad).





Fuentes:
TribunaLatina

Premio a la metamorfosis de imágenes


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