“Cyrano Fernández” llega a las salas de cine

Cyrano Fernández, la más reciente película de Alberto Arvelo, finalmente será estrenada en Venezuela el próximo 29 de febrero. Esta historia, que toma un clásico universal y lo adapta a la realidad de un barrio caraqueño, viene cargada de amor, pasión y violencia. El papel protagónico es interpretado por Edgar Ramírez.

El resto del elenco lo integran Pastor Oviedo (Cristian), Jessika Grau (Roxana), Ximo Solano (López) y Rafael Uribe (Gaspar), quienes junto a productores y técnicos compartieron con los habitantes del barrio “San Miguel” de la Cota 905 en Caracas, locación principal de la película, durante las ocho semanas que duró el rodaje.
Esta versión del clásico Cyrano de Bergerac, del poeta y dramaturgo francés Edmond Rostand, es una co-producción venezolano-española, cuyo guión fue escrito por Arvelo, conservando la esencia del triángulo amoroso de la obra original y las características de su protagonista: un hombre resuelto, contradictorio e intenso, un antihéroe romántico y moderno.
Sin embargo, sus creadores hicieron especial énfasis en hacer un retrato fiel y sincero de la realidad que se vive en los barrios venezolanos, en donde según Alberto Arvelo, “se forja nuestra idiosincrasia y nuestra cultura”. Esto se ve reflejado no sólo en las imagenes y en la trama, sino también en aspectos como el sonido y la banda sonora, creada por el compositor venezolano Nascuy Linares y el maestro español Mario de Benito, a la que se suman canciones del artista colombiano Carlos Vives y de la agrupación venezolana de hip hop Tres Dueños.
Para el actor Edgar Ramírez, cuya ascendente carrera en Hollywood incluye títulos como Domino, The Bourne Ultimatum y próximamente Vantage Point; Cyrano Fernández “es un personaje con muchísimas contradicciones, tan asustado que es capaz de llevarse al mundo entero por delante con tal de controlar ese miedo. Es una suerte de luchador social que trata de cambiar las cosas en el barrio donde vive, pero a su manera”.
Arvelo y su interpretación de la realidad Reconocido y galardonado nacional e internacionalmente, Alberto Arvelo forma parte de una camada de guionistas y directores que están dando un nuevo rostro al cine nacional. Creador de piezas como Una casa con vista al mar, Una vida y dos mandados y el documental Tocar y luchar, inició junto a otros cineastas venezolanos, un concepto cinematográfico conocido como “Cine Átomo”, con la idea de hacer películas más humanas y profundas, con los componentes básicos de producción y bajo presupuesto.
Con Cyrano Fernández, el director busca entender el ritmo, el humor, la emoción y la sensibilidad de la gente en los barrios. “La película tiene los elementos fundamentales que conforman la vida cotidiana de un barrio, es decir, el amor, la pasión y la violencia”, acotó.
La película, que se presentó con éxito en la pasada edición del AFI Fest de Los Ángeles, se estrenará en las principales salas del país el viernes 29 de febrero. Previamente, como homenaje a los habitantes del Barrio San Miguel de la Cota 905, se realizará un pre-estreno, en el mismo lugar donde fue rodada la película.
Aquí les dejamos el trailer para que se animen a verla:

Fuente: Valencia

Escrito por Laura Gamundí

La película sigue su tour por festivales internacionales


La obra del cineasta Alberto Arvelo, protagonizada por Edgar Ramírez, ha sido seleccionada en importantes encuentros mundiales cinematográficos.
La película se exhibe actualmente en la XXXII edición del prestigioso Festival de Cine del Mundo de Montreal (www.ffm-montreal.org), evento que se extenderá hasta el próximo lunes 1° de septiembre, donde participan 35 filmes de España y Latinoamérica.



La cinta competirá igualmente en el Festival de Cine Biarritz (www.festivaldebiarritz.com), que se celebrará en Francia del 29 de septiembre al 5 de octubre.



Del 8 al 15 de octubre, Cyrano Fernández estará presente en el Festival de Cine Internacional de San Juan, en Puerto Rico, organizado por el Instituto de Cultura Puertoriqueña y del 14 al 21 de octubre participará en la tercera edición del Festival Internacional de Cine Latino, que se celebra en París www.parislatinofilmfestival.com y que aglutina los más prestigiosas películas de autor del continente Latinoaméricano, en co-producción con Europa.



Cyrano Fernández se presentó con éxito en la última edición del AFI Fest de Los Ángeles y en el Festival de Cine de Kuala Lampur (Malasia) obtuvo el premio a la Mejor Película Latinoamericana. Adicionalmente la cinta nacional se llevó dos galardones en la más reciente edición del Festival de Málaga (España): Premio al Mejor Actor en la sección Territorio Latinoamericano, otorgado a Edgar Ramírez por el papel de “Cyrano” y adicionalmente la película ganó el premio de la audiencia.



Finalmente, Cyrano Fernández también participará también en la edición 57 del Festival de Mannheim-Heidelberg (www.mannheim-filmfestival.com), que se celebrará en Düsseldorf (Alemania) del 6 al 16 de noviembre del presente año y en el Festival del Nuevo Cine latinoamericano que se realizará en La Habana (Cuba) del 2 al 12 de diciembre (www.habanafilmfestival.com).



La película, que lideró por semanas consecutivas la taquilla de nuestro país, completa así una extensa exhibición en diferentes eventos cinematográficos donde se reúne lo mejor del cine mundial.



En la página www.cyranofernandez.com , podemos ampliar la información técnica de la exitosa cinta del director venezolano Alberto Arvelo.

Yolanda Moreno, antología nacionalista

Ser la embajadora de la danza nacional y llevar el título de “la Bailarina del Pueblo Venezolano” es un mérito ganado a pulso por Yolanda Moreno.
Admirada hasta el orgullo, esta caraqueña se ufana, y con razón, de haber promovido en tres décadas de vida artística sones folclóricos. Vigor le sobra. Vestida de talento pluridimensional, ha dirigido cada ámbito de la respetada escuela Danzas Venezuela, desde donde ha diseñado coreografías, propagado conocimientos a cientos de alumnos provenientes de los cuatro puntos nacionales y, por si fuera poco, ha superado los obstáculos, para hacer suyos los más prestigiosos escenarios nacionales e internacionales.

Todo empezó cuando debía. A sus incipientes 13 años no era mucho lo que podía hacer, hasta que el poeta y escritor Manuel Rodríguez Cárdenas, su mentor y futuro esposo, atajó las potencialidades de una fulgurante gema que traspiraba talento nato cuando pisaba la tarima del Retablo de Maravillas: “Como toda muchacha, a esa edad lo que me interesaba era salir, bailar y recibir el aplauso… De no haber existido él, no estaría ahora aquí”, recuerda agradecida.

Convencida de que ha vivido para su don, es la responsable de animar lo que hoy se conoce como danza nacionalista, género “basado en el hecho folclórico sin imitarlo porque, al sacarlo de su entorno y llevarlo a un escenario, pierde su natural esencia tradicionalista”, explica Moreno. Los siete lustros dedicados al placer del ritmo la han consagrado, sin embargo, “para mí lo más importante es enseñarle a la juventud el inmenso caudal que tiene el venezolano con su música y costumbres”, confiesa.

Regentar este concepto y concederle eco universal, mediante la estandarización de su nomenclatura, le ha cedido la responsabilidad de asignar a cada paso un nombre que, a la postre, es difundido y reconocido en el mundo entero, lo que habla de un inmortal legado.
Pero ser la reina nacional en su ámbito tiene su inversión: noches en vela, dolores de cabeza, desesperanzas y divergencias de pareceres, torbellino que al final del camino vale la pena: “Me gusta cuando las danzas están completas y las muchachas bailan bonito. Eso me llena y hace feliz. Quiero que la herramienta que les doy les permita superarme, eso hace que el arte persista”, evalúa.
Entre los avatares de una vida armonizada por el zapateo vernáculo, recapitula comprometedores y, a la vez, honrosos momentos, inmortalizando en especial una presentación realizada en Moscú, Rusia: “Estábamos preparados para salir a las 7:30 de la noche, sin embargo debíamos esperar a que llegara la ministra de cultura. Cuando se cumplió la hora exacta, de repente se abrió la cortina y empezó a sonar la música. Tuvimos que programar todo otra vez y, aunque pensé que se trataba de una mala señal, a la final salió bien. Creo que Dios siempre me ha acompañado a todas partes”, reconoce.


Alegre y espontánea, humilde y respetuosa, pero por sobre todas las cosas firme como el acero, Moreno no da tregua a su quehacer: “La compañía cuenta con 35 integrantes y sobrevivimos porque luchamos como la mancha rebelde contra todas las cosas”.
Más de 500 coreografías engrosan el número de sus creaciones, destacándose por su complejidad “Chimbanguele: cuando San Benito llega al cielo”, “La tierra venezolana” y “En la sedienta Guajira”, experiencia obtenida gracias a sus arduas horas de estudio, lectura, investigación y, sin duda alguna, ejercicio. De estas faenas ha concientizado “que un gran bailarín nunca termina de aprender”.
Nutriendo almas apasionadas por este cosmos, con el apoyo de sus hijos Manuel Rodrigo y Fernán Gonzalvo, Yolanda Moreno resume su oficio: “Sacrificio, amor, belleza espiritual y angustia. La danza es como la vida, pero a veces más dura”.

Fuente: Cosmo Guayana

La Opera prima de Ignacio Castillo Cottin

Del género realismo mágico, esta producción venezolana cuenta con un elenco de primera entre los que resaltan, la española Carmen Maura, la mexicana Angélica Aragón, el brasileño Matheus Nachtergaele. Por Venezuela destacan Carolina Torres, Caridad Canelón, Jéssika Grau, Martin Peyrou, entre otros
La Virgen Negra pondrá a volar la imaginación a más de un espectador tras su llegada a las salas de cine el próximo 24 de Octubre de 2008. Este filme del género realismo mágico es la ópera prima del joven Ignacio Castillo Cottin y la primera producción de Pa’ los panas producciones en asociación con el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (Cnac).

Franklin (Julio Rodríguez), un niño de tan sólo 10 años, está a punto de darle su primer beso a la “negrita” (Geyli Rosales). Pero justo en ese momento especial, llega Manita (Carolina Torres) toda desesperada a interrumpirlos. Es que hace más de tres meses, que entre ella y su marido no pasa “nada de nada” y ésta peculiar desventura, se ha vuelto la comidilla del pueblo. Antes de darse por vencida, visita a una misteriosa mujer (Angélica Aragón) que le pide cambiar la virgen de la iglesia por una virgen negra. A espalda de todos y en complicidad con la fundadora del pueblo (Carmen Maura) la virgen negra se convierte en la nueva patrona, generándose en torno a ella una serie de ocurrentes e inimaginables situaciones.

La historia de esta película es contada a partir de la mirada de Franklin y se desarrolla en un poblado de la costa caribeña constituido por una inmigrante española, quien llegara tras la culminación de la guerra civil. Los habitantes de este “pueblo de negros”, como así se bautizara, son una gran familia sin importar su origen, ni color de piel y con un deseo en común: ser debidamente correspondidos en el amor.

Consiguiendo un elenco de primera

Precisamente, es el guión de La Virgen Negra lo que le abrió la puerta a Castillo Cottin para concretar la participación en su película de la actriz mexicana Angélica Aragón, el brasileño Matheus Mastergaele y con una de las musas de Almodóvar, la española Carmen Maura. Sus roles en el filme son: Maura es la inmigrante española que funda el pueblo costeño donde se desarrolla la historia. Aragón, es una misteriosa mujer que sugiere cambiar la virgen de la iglesia por una extraña virgen negra. Por su parte el actor brasilero, no sé sabe si es Doctor, Profesor o qué…pero lo que sí es cierto es que se llama Joao Pinto y delira por la maestra del pueblo.

Con respecto a los actores venezolanos, todos fueron seleccionados en casting, incluyendo a la reconocida Caridad Canelón quien interpreta a la mamá del principal enamorado de esta historia: Franklin. Jéssika Grau, es una bella maestra que anda dejando pretendientes por todos lados. Ni hablar de Barbarita, interpretado por Dayra Lambis, quien atrae a los que están “pasaditos en años”. Martin Peyrou es el guapo Velero, César Suárez interpreta a Virgilio, Francisco Díaz es el padre Isidoro. Completa el elenco principal la actriz de teatro Carolina Torres (Manita), el actor y director de teatro Rubén León (Ombligo), cuyos personajes tienen un problema íntimo muy notorio por todos los del pueblo y vital desencadenante de esta historia.

Cada uno de habitantes del “pueblo de negros”, busca complacer su corazoncito y los niños no están ajenos de este maravilloso sentimiento. Por ahí andará los pequeños actores, Julio Rodríguez (Franklin), Geily Rosales (la negrita), Yonaikel Burgillos (Churio) y Cinthya Cabrera (Blanquita) haciendo de las suyas para lograr sus sueños.

Ficha Artística principal: Carmen Maura es la Sra. Isabel (España), Angélica Aragón como Lurdita (México), Matheus Nachtergaele (Brasil) como el Dr. Joao Pinto. El Elenco venezolano está representado por: Carolina Torres como Manita, Rubén León es Ombligo, Francisco Díaz es el Cura Isidoro, Caridad Canelón es Leonor, César Suárez da vida a Virgilio, Jéssika Grau es Marlene, Dayra Lambis como Barbarita, José Luis Zuleta es Jairo, Martín Peyrou es Velero, entre otros. Los personajes infantiles son interpretados por: Julio Rodríguez como Franklin, Geily Rosales es La Negrita, Yonaikel Burguillos es Churio y Cinthya Cabrera es La Blanquita. Con la participación especial de Héctor Manrique y Mirtha Borges.

La creatividad de un joven realizador

Ignacio Castillo Cottin, escribió el guión a los 20 años, a los 24 años dirige La Virgen Negra en el año 2007 y en un lapso de aproximadamente de 8 meses ya tiene lista la copia definitiva para llevar a cabo el estreno comercial del filme. Esto lo destaca, como uno de los realizadores más jóvenes de esta nueva generación que, en tan corto tiempo, logra estrenar comercialmente su primer largometraje.

La idea de esta historia mágico religiosa, surge cuando su realizador y guionista asiste a una iglesia y ve a varios feligreses rezando en silencio. “Por ocio quizá, traté de imaginar qué estarían pidiendo esas personas en aquel momento y de inmediato pensé: ¿qué pasaría si todo lo que ellos están pidiendo, se hiciese realidad? Pues concluí: Sería un desastre!”, recuerda Castillo Cottin - quien escribió el guión de esta película mientras estudiaba en Los Ángeles, California (E.E.U.U.).

“Quizás soy muy joven comparado con otros realizadores, pero en este momento hay decenas de chamos en el mundo haciendo sus películas. A lo mejor en Venezuela y en estos últimos años, somos muy pocos los afortunados en asumir el compromiso de llevar a cabo una película de larga duración. Pero esto, más que una novedad, es para mí una enorme responsabilidad, que exige hacer todo lo posible para que el resultado sea el más óptimo y agradable al público”, afirma su director.

La Banda Sonora

La responsabilidad de la banda sonora de la película La Virgen Negra, recayó en el músico y compositor venezolano Elik Álvarez, quien desde hace algunos años vive en la ciudad de Los Ángeles, California. “Una vez que terminamos el primer corte de la película, estuvimos trabajando unos tres meses para ponernos de acuerdo con cada uno de los temas musicales del filme. El siguiente paso era grabar la música en serio”, explica su director Ignacio Castillo Cottin.

Pero ‘grabar la música en serio’, consistió en incluir a la Orquesta Sinfónica de la Juventud Simón Bolívar - la cual fue dirigida por el mismo compositor -, a Rafael “El Pollo" Brito en el cuatro y a la vocalista Lisbeth Scott en la banda sonora. Como vocalista, Scott ha participado en la banda sonora de 44 películas entre las que se mencionan: Las Crónicas de Narnia – El León, La Bruja y El Armario, Indiana Jones (2008), Déjà vu, Múnich, La Pasión de Cristo, Sinbad, Shrek, Shrek 2, Sexto Sentido, Atlantis, El Rey Escorpión, King Kong, entre muchas otras.

La música aún no estaba completa, si no se contaba con el sonido de las maracas ejecutado por el también valenciano Juan Ernesto Laya, mejor conocido como “El Paganini de las maracas”. Por su parte, el también venezolano Andrés Boulton participó como orquestador de la banda sonora musical de la película. La mezcla de la música se realizó en Fire House Recording Studios ubicado en Los Ángeles y luego se envió el material a Chile para su postproducción en Filmosonido.

Notas de producción:

•El rodaje de la película duró 6 semanas y las locaciones tuvieron lugar en el paradisíacas playas de Higuerote (Chirimena y Puerto Francés), en el casco histórico de Petare (Municipio Sucre, Edo. Miranda).

•El director Ignacio Castillo Cottin cuenta que, durante el proceso de casting de la película, la actriz Caridad Canelón le confesó que en sus cuarenta años de vida artística nunca había hecho un casting; a lo que éste le respondió: “pues muchas gracias, me siento honrado porque lo hiciste excelente.”

•Luego de ser seleccionados, los actores venezolanos participaron - por grupos - en un Taller de Actuación dirigido por William Cuao. El taller tuvo más énfasis en la preparación del elenco infantil.

•“En cuanto a los actores internacionales – explica el director de la película - conversamos mucho por teléfono sobre sus personajes. Sobre todo con Carmen quien estuvo siempre pendiente de todos los detalles alrededor de su personaje. Trabajar con ella fue genial, además le gustó mucho su personaje: ‘pues hombre que soy dueña de un pueblo’. Le encantaba y propuso cosas que eran geniales para la trama.”

•El actor brasilero Matheus Nachtergaele, ha participado en numerosas novelas brasileras transmitidas por Televen. Su personaje más recordado, es “Helinho”, el mejor amigo de Preta (Tais Araujo) en la telenovela titulada“El Color del Pecado” donde caracterizó de manera impecable y jocosa a un falso vidente y médium.

•El guión de la Virgen Negra fue premiado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), en la modalidad de Opera Prima durante la convocatoria de 2006.

•Este filme es producido por Pa’ los panas producciones y el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC).

•Duración: 88 min / Color / 35 mm / 1.85:1 más

Notas sobre la banda sonora:

•El compositor de la Banda sonora, Elik Álvarez se formó en Boston estudiando composición para bandas sonoras en el Berklee College of Music, donde se graduó Summa Cum Laude. Desde allí ha sido reconocido en diversas oportunidades, por sus composiciones en música para cine en Hollywood, para shows televisivos y afamados festivales.

•Las grabaciones de la música se hicieron por partes. Primero, la vocalización con Lisbeth Scott y el cuatro con Rafael “El Pollo” Brito en Los Ángeles. Luego, Álvarez viajó a Caracas con el fin de grabar y dirigir la Orquesta Sinfónica Juvenil Simón Bolívar en Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.

•Para brindar toques misteriosos a la musicalización del filme, el músico venezolano Andrés Boulton (orquestador), incluyó los siguientes instrumentos: Taikos, Waterphones, Whale Drum, Oil Drum, Gong y Vibráfono con arco.

•Si quiere escuchar algunas de los sountracks de otras películas donde la vocalista Lisbeth Scott ha participado, puede hacerlo a través de la página: www.lisbethscott.com

Ficha Técnica: Dirección, Guión y Producción: Ignacio Castillo Cottin Co-producción: Nathalie Sar – Shalom Producción Ejecutiva: Nathalie Sar-Shalom, Ignacio Castillo Cottin Dirección de Fotografía: Cezary Jaworski, Dirección de Arte: Diego Risquez Música Original: Elik Álvarez Edición: Danielle Fillios Supervisión de efectos especiales y colorización: Ismael Cabrera

Fuente:
Sinflash

Francesca Dugarte de puntillas al éxito

Con apenas 18 años, esta joven venezolana ha recorrido con sus zapatillas puestas las galas más afamadas del ballet internacional, haciéndola acreedora de grandes reconocimientos, Actualmente representa la única bailarina latinoamericana inscrita en una de las academias más importantes de ballet reconocida internacionalmente: la Escuela de Danza de la Scala de Milán.

Con el característico traje de bailarina, un tutú rojo y negro, sus zapatillas y un abanico de color oscuro, Francesca, se encontraba en horas de la tarde en el Teatro Municipal de Valencia, realizando los últimos ensayos para lo que sería su presentación de esa noche, en un evento llevado a cabo por la academia valenciana de danzas “Nueva Era del Ballet”, con motivo a su duodécimo aniversario.

Entre arabesques, assembles, attitudes, batteries y giros, todos ellos clásicos movimientos del ballet, Francesca repasa el Pas de Deux de Don Quijote, pieza en la que interpretaría esa noche el papel principal junto al también bailarín Antón Fajardo.

Pero no lo hace sola, a su lado se encuentra Nina Novak, quien ha sido su mentora y maestra de ballet durante catorce años de su vida. Cuando algo sale mal, basta con que Nina, con un carácter fuerte y exigente diga sus indicaciones para que comience de nuevo hasta que salga el movimiento de la forma más impecable posible.

Luego del ensayo Francesca se toma su tiempo para despojarse de su atuendo y opta por uno más cómodo. Con un conjunto deportivo negro y unas gigantes pantuflas con el diseño de una conocida figura de dibujos animados, baja las escalera del escenario disponiéndose a conceder la entrevista.

“Son para mantener mis pies calientes”, asegura Francesca, cuando le pregunto sobre sus peculiares “zapatos”. “La vida de la bailarina es muy sacrificada, nos salen ampollas, las uñas se encajan, se deforman los juanetes, puedes ver a una bailarina muy bella, pero le miras los pies y son un desastre. Es un sufrimiento porque estar en punta entre un yeso y el piso, no resulta nada fácil, pero ya con el tiempo te acostumbras”.

Aunque para ella, este hecho no es tan relevante en comparación a otras cosas que ha tenido que sacrificar, como por ejemplo el estar más tiempo alrededor de los suyos, “he sacrificado el tiempo que he podido estar con mi familia, no he estado con ellos tanto como quisiera, prácticamente no tienes vida social”, nos comenta.

Pero como todo esfuerzo tiene su recompensa, el producto de este arduo trabajo ha sido bien gratificante. La lista de premios que tiene en su haber son innumerables, lo que representa una verdadera hazaña, sobre todo cuando se compite en la cuna del ballet como lo es Europa: en el año 2005 quedó como finalista en una competencia llevada a cabo en Moscú, Rusia y resultó ganadora en el “International Dance Competition”, en Seúl, Korea. Para el 2006 salió favorecida con una Beca para la “John Cranko School” en Prix de Lausanne en Suiza. Ese mismo año obtuvo la medalla de plata en el “Arabesque Competition” en Rusia y en Estados Unidos fue finalista y ganadora del Jury Award en la “Competencia Internacional de Ballet”. En 2007 se alzó con la medalla de oro en la “Competencia internacional de Ballet Clásico” en Corea, nuevamente ganó el Jury Award, realizado en esa oportunidad en Shanghái, China y alcanzó el segundo lugar en el Youth America Grand Prix en Nueva York y una beca para la escuela de La Scala de Milán en Italia, donde actualmente recibe clases.

Bailarina por casualidad

Keka, como la llaman sus más allegados, nació en Caracas un 4 de agosto de 1989 y a la edad de 4 años trazó su destino cuando fue inscrita por recomendación del médico a practicar clases de ballet, “un traumatólogo mandó a mi madre a inscribirme en clases de ballet por problemas de la rodilla, nunca fue por voluntad propia, luego que me recuperé de la lesión, me sacaron de las clases, pero dije que quería quedarme”.


Desde pequeña sobresalió entre todas las chicas en la academia de ballet Clásico de Cámara dirigido por quien fue la primera bailarina del Ballet Rosa de Monte Carlo, la polaca Nina Novak y quien ha sido su tutora desde pequeña. La calidad interpretativa y la pulcra técnica de Francesca, producto de años de estudio la ha llevado a presentarse con piezas como “El Cisne Negro”, “El Cascanueces”, “Llamas de París”, “Don Quijote”, “El Lago de los Cisnes”, y muchas otras, en escenarios tanto nacional como internacionalmente, codeándose con las más grandes figuras de la danza.

“Decidí ser bailarina apenas a los 7 años, cuando fui a ver una pieza de “Romeo y Julieta” en el Teatro Teresa Carreño, simplemente me enamoré y dije que quería hacer lo mismo que ellas, me parecía una cosa espectacular todo lo que lograban expresar y transmitir con sus movimientos”, recuerda Francesca, quien asegura no saber si ése hubiese sido su destino de no ser por la lesión de rodilla.



Pero si hay algo que tiene en mente es que quiere llegar tan lejos como sea posible, “mi meta es ser Primera Bailarina”, es el sueño por el cual está trabajando, por ello actualmente tiene fijada su residencia en Italia, donde recibe clases en la prestigiosa escuela de la Scala de Milán, lo que es apenas la recta final de su fase preparatoria que comenzó cuando era muy pequeña. “Salí favorecida con una beca por un año para estar en esa escuela debido a un concurso en Nueva York. Ya terminé el año y luego ellos me invitaron a quedarme ya como alumna fija, lo que sería un hecho muy positivo para mi carrera, porque significa que voy a poder graduarme allí y se me abrirían muchas puertas a nivel mundial”, añade Francesca quien tiene como meta especializarse para audicionar en las profesionales compañías de ballet, sobre todo en el American Ballet Theater de Nueva York.

En la escuela recibe clases de 9 de la mañana a 5 de la tarde, de lunes a sábado, aparte de estudiar ballet clásico, recibe clases de danza contemporánea y neoclásica, la parte teórica, como historia del ballet, de la música y anatomía, entre otras.

En su tiempo libre va a clases de italiano o a su casa donde vive sola. A partir del mes de octubre tiene pensado comenzar una carrera universitaria en el turno nocturno, donde estudiará comunicación de artes impresas

-¿Qué se siente ser la primera latinoamericana en recibir clases en esa academia?

-Es muy divertido, porque los latinos somos muy diferentes a los europeos, aunque al principio me resultaba muy difícil porque no dominaba la lengua, no tenía amigos y no podía comunicarme con nadie, pero ya hablo italiano y me estoy adaptando poco a poco.

-¿Imaginaste alguna vez que ibas a llegar tan lejos?

-No (risas), cuando gané la medalla de oro me quedé paralizada en el escenario y no lo podía creer, sobre todo por estar rodeada de gente tan importante del mundo del ballet, gente muy famosa que normalmente uno ve en YouTube, no es alguien que uno ve todos los días, fue realmente estupendo. Todo esto que me ha pasado es indescriptible, aún no me lo creo.

-¿De todas las presentaciones que has tenido, hay una que te haya marcado?

-Sí, la primera vez que bailé en el Teresa Carreño, siempre tuve el deseo de bailar en ese teatro que es espectacular. Pero aparte de eso, todas las veces que me monto en un escenario es una experiencia diferente que nunca se me va a olvidar, es como un momento mágico.

-¿Has tenido alguna lesión haciendo ballet?

-Hace como dos meses me diagnosticaron una fractura por estrés en el peroné derecho y estuve parada por 3 semanas en vez de los 2 meses que me indicó el doctor, porque no aguanté más, pero ya se encuentra bien.

-¿Qué es lo más difícil de ser bailarina?

-La vida social es súper difícil, a menos que no estés alrededor de gente que haga lo mismo que tú, en Italia es diferente porque estoy con la gente del ballet, pero aquí era otra cosa. En el colegio nada que ver, iba a hacer los exámenes todas las semanas y ya. Aparte de eso hay que hacer dietas y las rutinas de entrenamiento en el gimnasio todos los días, debes ser muy disciplinado.

-Eres un ejemplo a seguir para muchas niñas que se están iniciando en este mundo, eso te exige trabajar más para hacerte cada día exigente contigo misma

-Cada vez que vengo a Venezuela siento que tengo que mostrar todo lo que he aprendido afuera, porque tal vez hay niñas que quieran llegar a hacer algo grande en el futuro y están buscando cosas así en el país, pero no se ven casi y es una lástima porque hay demasiado talento aquí, trato de aprender todo, para luego enseñarlo.

-¿Que les aconsejarías a esas niñas que están comenzando en el ballet?

-Es muy difícil la vida de la bailarina, pero hay que seguir adelante, puedes llorar muchas veces, te pueden sangrar los pies, te puede pasar de todo, pero de eso se trata, tienes que pasar por eso y que no sea obstáculo para que alcances tus metas.

-¿Hasta cuándo te ves como bailarina?

-Creo que toda mi vida, cuando tenga una edad considerable dejaré de bailar, pero aun así seguiré inmersa en este mundo.

Fuente:
Diario El Carabobeño

Julio Pacheco Rivas, cuatro décadas

A cuatro décadas de su primera exposición, el reconocido artista venezolano Julio Pacheco Rivas mostrará por primera vez el trabajo que viene realizando sobre papel desde hace un año en los talleres del TAGA, a través de una individual titulada “Negro y Blanco”.

Tahía Rivero



Un conjunto de ocho grabados y seis serigrafías en mediano formato, junto a cuatro obras de gran formato, realizadas en técnica digital, sobre acrílico y hierro, conforman esta muestra en la que el espectador podrá apreciar una nueva faceta en la creación de este artista, caracterizado por poseer un lenguaje y un estilo personal que lo identifica.
Su obra siempre ha reflejado una crítica a la modernidad mediante la representación de ciudades, monumentos y paisajes que expresan una aparente carencia de símbolos; mientras que en esta oportunidad, sus creaciones son protagonizadas por escaleras, mesas y cepillos de dientes, entre otros objetos de la cotidianidad, como una realidad cargada de simbologías, hacia donde parece haber desplazado su investigación el artista, según señala en el texto de presentación la curadora y crítico de arte Tahía Rivero.

“Formas que en su intrascendencia han adquirido el valor de la inmutabilidad y en las que, para conquistar sus posibilidades simbólicas, ha trastocado la escala, las dimensiones y ha negado la morfología de sus cuerpos, silueteándolos en negativo sobre un fondo positivo”, afirma Rivero.


Julio Pacheco Rivas posee una amplia trayectoria nacional e internacional de más de 40 años, durante la cual ha recibido diferentes premios y reconocimientos, entre los que figuran: Premio del Salón Nacional de Artes Plásticas de Venezuela, Premio Arturo Michelena, Premio de la Fundación Vitry sur Seine (Francia), entre otros. Sus obras han sido exhibidas en diversas salas y museos de Venezuela, Francia, Brasil, Italia, Cuba, Colombia y España, entre otros países, y han sido incluidas en colecciones públicas y privadas.

Realidad y memoria
Podríamos afirmar que la trayectoria artística de Julio Pacheco Rivas, marcada por una consecuente voluntad de trabajo, lo hace dueño de un lenguaje; un estilo personal que lo caracteriza y permite que identifiquemos su obra en cualquier momento de su desarrollo.
Desde los años ochenta, cuando entré en contacto con su trabajo, hasta principios de dos mil, Pacheco Rivas postulaba una crítica a la modernidad a través de la representación de ciudades, monumentos y paisajes que en su ironía, expresaban una aparente carencia de símbolos.

Ciudades desérticas de rigurosos trazados, monumentos en frágil equilibrio, paisajes urbanos que invadían el horizonte; todo realizado sin texturas ni disonancias cromáticas haciendo apenas énfasis en las volumetrías con tenues contrastes de colores.

Julio Pacheco Rivas
Nació en Caracas el 25 de julio de 1953. Se inicia en la pintura de manera autodidacta en la ciudad de San Cristóbal, estado Táchira, en donde vivió hasta los 16 años.

En 1969, radicado en Caracas, comienza a asistir al Taller de Arte Experimental que había fundado el maestro Víctor Valera.

En 1972, para complacer a sus padres, intenta sin resultado alguno seguir la carrera de derecho.

En 1974 es aceptado en el Salón Centro Plaza y obtiene en éste su primera recompensa. Después de exponer en varias colectivas realizadas en Caracas y ser aceptado en el Salón Arturo Michelena, de Valencia, se dirige a París, donde residirá por espacio de diez años. Entretanto, desde Francia, toma parte en exposiciones internacionales celebradas en Basilea, Londres, París y Mónaco.

En 1981 es incluido en la colectiva "Jóvenes artistas latinoamericanos", Hotel de Ville, París. En 1984 es seleccionado para competir por la bolsa de trabajo que se otorga en el Premio Eugenio Mendoza, en la sala de la fundación del mismo nombre.

En 1987 regresa a Venezuela y se residencia en Caracas, donde proseguirá su investigación, hasta hoy. Exposiciones individuales más importantes: Galería del BANAP, 1974; Galería Estudio Actual, 1976 y 1980; el Museo de Bellas presentó en 1992 una amplia exposición de su obra con el título de "Ciudad de los símbolos precarios".

En 1990 representa a Venezuela en la Bienal de Venecia. Ha obtenido, entre otras, las siguientes recompensas: Premio Andrés Pérez Mujica, Salón Arturo Michelena, Valencia; premio del jurado del XII Concurso Internacional de Arte Contemporáneo de Mónaco, 1980; premio único del Salón Anual de la Fundación Vitry-sur-Seine, para pintores menores de cuarenta años, Francia; primer premio de Pintura del I Salón Nacional de Artes Plásticas, 1988, al que concurre con su obra Compendium, un tríptico de ocho metros y medio de longitud.

Fuente: Anlitica

Los Melódicos: Ya son 50 años y 100 discos

¿Quién no se sabe, al menos, una canción de Los Melódicos? Ya son 50 años y 100 discos. Suficientes motivos para que la legendaria orquesta dé un concierto conmemorativo el próximo 19 de julio. Antes de subir el telón el maestro rememora momentos emblemáticos echando mano de sus temas favoritos

Hablar de Los Melódicos es hablar de buena parte de la historia del país. Y es que "la orquesta que impone el ritmo en Venezuela" -como reza su eslogan- fue fundada en 1958, el mismo año del derrocamiento de la dictadura de Marcos Pérez Jiménez, o lo que es lo mismo: el período que da inicio a la democracia criolla, razón suficiente para poner a la gente a cantar y bailar. Y así lo han hecho Los Melódicos durante cincuenta años.

Por Pablo Blanco.

Fotos: Natalia Brand y Rodolfo Beer

RENATO CAPRILES

Mucho que contar, mucho que cantar

¿El secreto para la lozanía musical de la que gozan? Disciplina con talento, poco licor y un desfile de beldades del ritmo que espabilan al más pintado. Que lo diga el maestro Renato Capriles, director y fundador de esta fiesta permanente, nativo del estado Carabobo y criado en La Pastora, Don Juan confeso y melómano por naturaleza. En estas líneas es él quien, a sus 76 años, rememora esas cinco décadas a través del recuerdo de sus canciones preferidas que van desde el mambo hasta el mismísimo reggaetón. Eso mientras se encuentra en promoción de El número 100, una producción compilatoria de éxitos de la banda, y antes de ofrecer un concierto conmemorativo, junto a sus 23 músicos, el próximo sábado 19 de julio en el Círculo Militar. Mucho que contar, mucho que cantar…

Mi novia de Naiguatá "es una guaracha que me compuso Billo para mi primer disco. Se la escribió a una enamorada que él tenía por allá. Para ese momento (1958) él estaba vetado por el Sindicato de Artistas. No asistió a los llamados que le hicieron a unas reuniones y lo vetaron de por vida. Yo le decía: 'Billo, tú eres culpable de lo que te pasó', porque él era, tú sabes, como un Dios, era Billo pues. El me decía: 'Es verdad, negro'. A todo el mundo le decía negro. Yo de muchacho iba a verlo a todas sus presentaciones. Recuerdo cuando lo conocí, justo antes de que comenzara uno de sus shows. Él estaba de espaldas al público arreglando unas partituras. Yo quería saludarlo y, accidentalmente, toqué el micrófono que estaba prendido. Él se volteó y me dijo: '¡Mira, carricito! ¿Por qué no metes el dedo en… '. Eso me impactó mucho, que mi ídolo me hubiera salido con aquella grosería. Después los dos recordamos ese momento entre risas. Pero lo que te decía es que cuando lo vetaron yo hice todo lo posible porque volviera a salir al mercado porque yo quería competir con una orquesta de su altura. Recuerdo cuando lo fui a visitar a El rincón de Billo, un bar que abrió en Sabana Grande, que era el único sitio donde podía tocar. Me abrazó y casi llora. Le propuse que le hiciera los arreglos a los temas de mi primer disco Estos son Los Melódicos. Por eso es que ese álbum fue un éxito. Finalmente, ese mismo año, unos seis meses después, se dio lo que yo quería: la Billo's Caracas Boys se convirtió en mi competencia de altura".


Así soy yo "fue el tema que marcó el debut de la cubana Emilita Dago, la primera mujer que cantaba en una orquesta en el país. Eso era comenzando los sesenta. Bueno, hay que aclarar que el maestro Luis Alfonso Larráiz, a quien también admiré e imité, contaba con la voz de una señora que se llama Elisa Soteldo, que no sé si la conoces, ella tiene una academia muy famosa. Pero la señora Soteldo cantaba una pieza y la mandaban a situarse detrás de los músicos, lo cual nunca me pareció correcto. Por eso no permití que eso ocurriera con Emilita. Imagínate que, antes de entrar a Los Melódicos, lo que ella cantaba era zarzuela, jamás había entonado un merengue ni una guaracha ni nada. Le di un cassette y le dije: 'apréndete estos números'. Y pasó muy poco tiempo hasta que la viéramos cantar el estribillo que dice: 'Si no me quieres, así soy yo'".
Ella baila el pompo,ella baila el pompo… "Así decía el coro de El Pompo, que es como un link entre los sesenta y los setenta. Esa canción hizo que anotáramos un récord mundial en la Feria de San Cristóbal. La repetimos 27 veces. Siempre hago la aclaratoria de que no fueron 27 veces completas. Sino cuatro veces todo el tema y el resto de las repeticiones eran del mambo final: 'tan, tan, tan, tan'. La gente siempre lo volvía a pedir y hasta contaba el número de repeticiones: '¡Van 15!', '¡van 16!', y así íbamos. Billo se molestaba cada vez que yo le hablaba de mis récords. Me decía: 'A ti lo que te gusta es un récord' (risas)".


Veneración "es otra de mis canciones favoritas. También es del repertorio de los setenta, pero todavía se toca. ¿Sabes cuál es? Esa que dice: 'Y si vas pal' Cobre, quiero que me traigas una virgencita de la Caridad'. Es un número cubano, original del Trío Matamoros. Yo buscaba tríos y cuartetos que ya habían pegado varias canciones para que me hicieran los arreglos de sus temas para orquesta. En eso debo decir que fui visionario, aunque suene jactancioso. ¿Mi vida personal? En ese momento era un desastre. Tenía dos novias, salía de la casa de una y me iba a buscar a la otra. Lamentablemente, las mujeres me costaron mis dos matrimonios. Es que ellas han sido mi único vicio, porque fíjate que yo ni tomo ni fumo. A mi segunda esposa, Carmen Teresa, a quien le decimos Cate, le compuse una canción que se llama Muchachita, porque la conocí cuando ella tenía, apenas, 16 años. Era una mujer muy hermosa, fue Miss Guárico. Actualmente sigo casado con ella, aunque estamos separados. ¿Divorciarme? ¿Para qué? Si me divorcio corro el peligro de querer casarme otra vez, a esta edad, con alguna loca por ahí (risas), qué va".


Ay, papachongo, dame un beso de cerezo "es el coro de Papachongo. Puedes poner que ese era como el 'himno' de Diveana. Ella pegó todo lo que cantó, su voz era tan versátil que daba para cantar todos los géneros que puedas imaginarte: el pasodoble Soy Castellana, los merengues Tus Ojos o Qué Rico… Aunque, ¿sabes qué? A mí gustaba ponerla a cantar boleros. La gente se enloquecía en los bailes cuando la escuchaba entonar uno que se llama Me dicen que te vas… ¡Qué cosa tan extraordinaria!, y con ese tamañito".
Tiene los ojos negros, como la noche oscura…, "ese es el comienzo de Diávolo, la carta de presentación de Liz (comienzos de los noventa). Estuvo siete años con nosotros. Ya al final estaba fastidiada de cantar Diávolo. Le decía al público: 'Yo tengo otras canciones del repertorio con las que también los puedo complacer' (risas). Es que, además, el show que armaban ella y los músicos con ese tema era sensacional. Uno de ellos llevaba puesta una capa negra y la envolvía adentro, cosa que no me gustaba mucho, porque podía estar abusando de esa pobre muchacha (risas). ¿Que si era mi pareja? Sí. Pero eso no es un secreto para nadie, vivió siete años en mi casa, así como Diveana vivió cuatro años aquí. Siempre se ha dicho que yo mantengo una relación amorosa con la vocalista de turno, cosa que, a veces, ha sido cierta y otras no. Pero con Liz sí hubo una relación. ¿Montarme con ella en tarima? Ahora es más difícil porque a ella le gusta más el show vistoso. Bueno, siempre le ha gustado hacer shows (risas)".



Se terminó "es el nombre de nuestro primer reggaetón. Ya antes había dicho, en una entrevista, que jamás tocaría algo con esa base rítmica. Pero como Los Melódicos es una orquesta que se reinventa y se adapta a los nuevos tiempos decidimos hacerlo. Eso sí, no es una copia de otro reggaetón, es un tema arreglado especialmente para orquesta por Daniel Espinoza y Omar Acedo de Calle Ciega. Lo interpreta nuestra nueva vocalista: Angie. ¡No! Con ella no tengo nada. ¡En serio! Tiene su novio, que, además, es muy amigo mío. Mejor así, tengo más tranquilidad espiritual. No, no creo que yo vaya a cambiar. Mi mentalidad con respecto a las mujeres siempre será la misma. Si veo alguna bonita, lo primero que le voy a preguntar es: 'Disculpa, ¿tú cantas?'".

El maestro José Antonio Abreu se alza con el Premio Glenn Gould

El distinguido maestro José Antonio Abreu, creador del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela que ha impresionado a personalidades del mundo entero, vuelve a ser reconocido por sus innegables logros. Esta vez se ha alzado con el prestigioso Premio Glenn Gould.

A pocos días de celebrarse el acto en el que la Fundación Festival Pucciniano le entregará al maestro Abreu el International Puccini Award, pautado para el 17 de febrero, se ha anunciado que el célebre venezolano recibirá otro premio internacional.
Esta vez se trata de un importante reconocimiento que es entregado por la Fundación Glenn Gould, creada en honor al distinguido pianista canadiense, cada tres años a un artista que haya hecho “una contribución excepcional a la música y a la difusión de la misma”.
Los cinco miembros del jurado encargado de tomar la decisión han destacado del maestro Abreu “su contribución a la creación de un renacimiento cultural en Venezuela, logrando a través de la música un gran impacto en una generación entera de jóvenes”, según se afirma en una nota de prensa difundida por la fundación.
José Antonio Abreu, de 68 años de edad, fue selecionado de manera unánime entre una larga lista de candidatos que fueron nominados por el público. El premio que le ha sido otorgado consiste en $ 50.000 en metálico, además de la oportunidad de seleccionar a un talentoso músico joven, de cualquier discliplina, quien recibirá a su vez un total de $ 10.000.
Ambos premios serán entregados en una recepción de gala, organizada por la Fundación Glenn Gould, en la ciudad de Toronto en el transcurso del presente año.


José Antonio Abreu: cosechando los frutos de años de trabajo El maestro venezolano nació en Valera, estado Trujillo, el 07 de mayo de 1939. Posee un PhD en Economía Petrolera, y es también educador, compositor y organista.
Fundó y dirigió la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, así como también la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil (1975) y la Fundación del Estado para el Sistema Nacional de Orquestas Infantiles y Juveniles (FESNOJIV), que hoy día es una exitosa red de orquestas infantiles, juveniles y coros que involucra a cerca de 250 mil jóvenes músicos y que se ha ganado las mejores críticas de músicos, directores de orquestas y educadores.
Durante la década de 1960, Abreu impartió la cátedra de Economía en distintas universidades. Luego, fue Diputado en el Congreso Nacional, y entre 1989 y 1995 se desempeñó en los cargos de Ministro de la Cultura y como Presidente del Consejo Nacional de la Cultura (Conac).
Tiene en su haber importantes reconocimientos, tales como el premio The Schwab Foundation for Social Entrepreneurship (Ginebra, Suiza); el Interamericano de Cultura en el campo de las Ciencias y las Artes Musicales “Gabriela Mistral” (OEA); el Premio UNICEF, por su dedicación a la infancia, y el Premio Don Juan Borbón de la Música, de España (2007). Abreu es además el único venezolano en haber merecido, en dos oportunidades (1966 y 1979), el Premio Nacional de Música de Venezuela.

Fuente: Valencia

Escrito por Laura Gamundí

Jueves 14 de Febrero de 2008

Telares Morera, seda exclusiva de Venezuela

En los Andes venezolanos, una pareja decidió en 1983 estudiar el proceso de creación de la Seda. Un apasionante trabajo que terminó por convertirse en su día a día. Tras una historia de mucho trabajo, paciencia y dedicación, nació Telares Morera, una sólida y reconocida empresa productora de esta suave tela en el país.
Con hilos de sacrificio y entrega, María Dávila y Eduardo Portillo, tejieron sus ilusiones y viajaron a España para conocer de cerca el proceso de crianza del gusano de seda. Este primer acercamiento motivó a la pareja, y su regreso a Venezuela estuvo acompañado de los primeros huevos del gusano de seda, con los que trabajaron y experimentaron la producción de esta tela durante aproximadamente 2 años.

El producto de esta prueba inicial, trajo consigo la decisión de viajar al Occidente del océano Pacífico e instalarse en China, cuna de la seda en el mundo, y a través de las conocidas "Rutas de la seda" acercarse en detalle al camino creativo de estos tejidos. Posteriormente y con la misma emoción y ansiedad de aprender, María y Eduardo viajaron a India, que por ser un país con un clima tropical, cuenta con un importante conocimiento textil y sericícola.

Sericultura

El proceso de sericultura en Venezuela se inicia a mediados del siglo XIX en la región de los Andes venezolanos del estado Mérida. Tras un avanzado estudio de las técnicas de sericultura y tejido de la seda, en 1989 se constituyó la empresa Veneseda ( Taller Morera), como un centro de producción e investigación de seda, y un lugar de enseñanza e intercambio para instituciones, sericultores, tejedores y artistas de distintos países del mundo.

El proceso...

Colocarse un chal, una bufanda o hacer el nudo de una fina corbata, es posible gracias a días y noches de trabajo agrícola, pecuario y textil. Así, con mayor complejidad de la que cualquier persona puede imaginar se elabora la seda.

Para lograr el hilo con el que posteriormente se teje la tela, es necesario dedicarse a la cría del gusano de seda, frágiles organismos que llegan a medir aproximadamente 10 centímetros y pesar 8 gramos cada uno, y que requieren cuidados muy especiales para lograr formarse como capullos. La temperatura ideal para su desarrollo es de 24 grados centígrados.

Para el mantenimiento de los gusanos de seda, María y Eduardo deben levantarse a las 4 de la mañana para ir a la "casa de cría", lugar donde viven, duermen y comen los gusanos, y a esa hora darles su primera ingesta. El alimento que nutre a los gusanos son las hojas de Morera, - de allí el nombre el nombre comercial del Taller-; dichas hojas también son cultivadas en los sembradíos de Veneseda.

Al amanecer, tanto María y Eduardo como los trabajadores de Taller Morera buscan la comida del día en la plantación de morera; deben ser hojas frescas y tiernas para garantizar un buen crecimiento y maduración de los gusanos.

Como chiquillos hambrientos, a las 10 de la mañana vuelven a comer y pasado un rato, los cambian, los limpian y los vuelven a alimentar. En total, los gusanos de seda comen al menos cuatro veces al día y, en ese proceso diario, se debe ser excesivamente cuidadoso con la ventilación del lugar, la asepsia, los olores, la luz y otros agentes externos que pueden afectar su desarrollo.

Durante tres semanas se completa el proceso de alimentación integral de los gusanos, para finalmente esperar el momento del encapullado en el que maduran y por sí solos comienzan a envolverse en su propio hilo.

En Taller Morera se crían 120 mil gusanos a la vez, varias veces al año. La relación es que 20 mil gusanos consumen 700 kilos de hojas netas de morera, y éstos producen unos 3 kilos de seda, con los que se elaboran algunas de las piezas que se comercializan constantemente.

Hilos de paciencia


Luego de recoger los capullos y procesarlos en agua caliente, se obtiene el hilo. No es un proceso rápido, al contrario, requiere mucho tiempo y aguante, pues a los pequeños botones hay que cocinarlos, cepillarlos y devanarlos hasta lograr tener el hilo en las manos; luego hay que volverlo a devanar, para así doblarlo, torcerlo, teñirlo y dejarlo listo para formar el telar.

"Nuestra producción es esencialmente para nuestros requerimientos de tejido. Cuánto hilo, depende de cuánto criemos. En un día podemos procesar 30 kilos de capullos que nos dan 1 kilo de hilo. El tejido... bueno, es otro mundo, paciencia, matemáticas y oficio", así define el proceso Eduardo Portillo, dueño de Veneseda, Taller Morera y creador nato de la seda.

Entrelazar hilos perpendicularmente es lo que comúnmente se conoce como el proceso de tejido, para ello, en Taller Morera se utilizan desde telares manuales sencillos, hasta telares manuales con unidades de diseño asistidas por computadora. Una vez que el hilo es montado en el telar, se forma la "urdimbre" o base para construir la trama y lograr asombrosos resultados.

Datos únicos

La tintura con la que se tiñe en el hilo en Taller Morera es completamente natural, provenientes de extractos de semillas, ramas, raíces, hojas y flores de diversas plantas y hasta de insectos como la cochinilla.

El nombre científico de los frágiles gusanos de la seda, es Bombyx mori L.

Taller Morera recibió el reconocimiento por parte de la UNESCO por su contribución a la creatividad en el ámbito del diseño y tejido de la seda.

Taller Morera organiza regularmente en sus instalaciones visitas guiadas, festivales y exposiciones.

En el proceso de creación de seda de Taller Morera, participan hasta 14 personas a la vez. En época de cría, este número varía de acuerdo a la cantidad de Gusanos de Seda que tengan en casa.



¿Dónde encontrarlos?

Veneseda / Taller Morera

Pedregosa Alta - Km. 3 Mérida. Venezuela

Dirección Postal: Edif. Don Carlos. Apto C. 2 Mérida 5101 Venezuela.


Fuente: Noti Tarde

Alexis Cárdenas, geológico

Antes de emprender una larga gira europea, este genial instrumentista marabino, residenciado en Francia, lanza al mercado Geológico su segundo trabajo en solitario en el que sigue revolucionando el violín latinoamericano

“Con un vocabulario violinístico inconfundible que sintetiza sus andanzas por el mundo tocando el repertorio clásico e improvisando con jazzistas de la talla de Richard Galliano, Alexis Cárdenas imprime nuevas direcciones al repertorio de los solistas venezolanos, con variantes altamente originales dictadas por la veteranía improvisatoria, su arrojo lúdico en el escenario y la experimentación transcultural, respectivamente”.
Así define el destacado compositor Paul Desenne, la riqueza del segundo CD como solista del extraordinario violinista zuliano residenciado en Francia, Alexis Cárdenas, quien este deleitará al público al interpretar los temas incluidos en GEOLÓGICO, nombre de su nueva producción discográfica.

En la vitalidad de su obra, compositores como Astor Piazzolla, Hermeto Pascoal, Richard Galliano, Nelson Cavaquinho y el arquetipal Espósito, pionero de la era gardeliana, todos ellos figuras consagradas de la música sin fronteras incluidos en este trabajo que también incluye piezas del argentino Luis Salinas y de los venezolanos Aquiles Báez, Manuel Yánez y Pradelio Hernández, entre otros.
Y es que en este trabajo, Cárdenas confirma pertenecer a una camada de músicos que han buscado proporcionar una identidad latinoamericana al violín, manteniendo los códigos universales del instrumento, para así garantizar su apreciación por el público de todo el orbe.
Talento sin fronteras
Alexis Cárdenas realizó estudios con máximos honores en la Julliard School of Music de Nueva York y en el Conservatorio Nacional Superior de Paris. En esta misma academia hizo su Postgrado (Tercer Ciclo). Ha destacado en numerosos concursos internacionales: Premio del Público en el Concurso Tibor Varga (Sion, Suiza), segundo premio en el Concurso Henry Szering (México), tercer premio del Concurso Kreisler (Viena, Austria), cuarto premio en el concurso Long-Thibaud (Paris, Francia) y recientemente, segundo premio en el Concurso de Montreal, en Canadá. Se ha presentado en Francia, Italia, España, Mónaco, Estados Unidos, América del Sur, Canadá, Singapur y Japón. Ha sido solista invitado de orquestas Filarmónica de Mónaco, Simón Bolívar de Venezuela, Sinfónica de Murcia y Sinfónica de Córdoba, en España, así como I Musici de Montreal.
Su primer disco como solista, “Ensamble Gurrufío presenta a Alexis Cárdenas”, lanzado en el año 2005, es una de las producciones más vendidas en el país en los últimos tiempos.



Alexis Cardenas (Pajarillo-Brahms)


Fuente:
Analitica

Mariana Rondón presente en el MUSEO NACIONAL DE CHINA

Desde el 10 de Junio al 03 de Julio se estará llevando en el Museo Nacional de Arte de China uno de los acontecimientos culturales más importante de los Juegos Olímpicos 2008 de Pekín. Sólo cuatro latinoamericanos expondrán su obra en el "Synthetic Times – Media Art China" entre la que se encuentra ésta cineasta y artista plástico venezolana.

Mariana Rondón, directora de "Postales de Leningrado" y codirectora de "A la medianoche y media", es ahora reconocida en su rol de artista plástico por su instalación "Llegaste con la brisa", seleccionada para ser expuesta en el Museo Nacional de Arte de China desde este 10 de Junio hasta el 03 de Julio, en uno de los eventos culturales más significativos durante los Juegos Olímpicos 2008 de Pekín.




Llegaste con la brisa, es el nombre de la obra de Rondón que en distintas versiones la ha mantenido ocupada desde hace ocho años. Se trata de un trabajo en el que mezcla tres maravillas: las pompas de jabón, el cine y la ingeniería genética. Con esta obra, Mariana Rondón siente que ha creado vida de verdad. Y no le falta razón. Ocho meses por ejemplo le tomó a ella y al equipo de ingenieros que le acompaña, desarrollar la formula especial que permite crear los particulares y efímeros úteros de jabón en los que viven sus creaciones. Pero además asegura que el robot creado para hacer las burbujas tiene a veces "comportamiento animal".




Rondón asegura que toda vida creada a partir de su instalación es también frágil, "todo depende de cosas etéreas, invisibles, de la humedad y el aire." Las burbujas de dos metros inyectadas de humo sobre las que se proyectan los seres creados por Mariana Rondón existen sólo por catorce segundos y a veces ni eso, porque al tratar de crear estos seres, "creas también su accidente".


Cineasta & Artista Plástico
Hay dos Mariana Rondón. Una es la cineasta, que la mayoría de nosotros conoce. La otra es una artista plástica con una obsesión: la de crear vida a través del arte electrónico. Esta segunda Mariana, que convive inevitablemente con la otra, está de plácemes estos días. Ha sido invitada junto con cuarenta y nueve artistas más – sólo cuatro de ellos latinoamericanos - al SYNTHETIC TIMES – Media Art China 2008 y se calcula que unas quince millones de personas verán la obra mientras esté expuesta.
¿Pero cómo llegó esta premiada cineasta a crear este laboratorio de vida? La historia tiene dos partes la primera es que al terminar y estrenar su primer largometraje " A la media noche y media", Rondón se propuso experimentar con su vocación de artista plástico; así que presentó una instalación para el IV Salón Pirelli de Jóvenes artistas y quedó seleccionada. Esta instalación llevaba por nombre "Y yo que la quise tanto" y era la puesta en escena de un crimen pasional que se contaba a sí mismo. Fue su primera experiencia como artista plástico y no le fue mal: Mención especial en el Pirelli y una invitación de la curadora María Helena Ramos a participar en la exposición Fragmento y universo (2002) organizada para un año después en los espacios de la Fundación Corp Group.

La segunda parte de la historia empieza aquí, cuando le escucha contar a un familiar de un amigo de ella que "los investigadores de los genes tenían laboratorios caseros en los que estaban tratando de crear seres mitológicos". En ese momento, Mariana Rondón quiso estudiar genética, pero ya era demasiado tarde. Pero, aún así ella no se conformó y con piezas de patines y bicicletas, la ayuda de algunos ingenieros y mucha dedicación creó la primera versión de Llegaste con la brisa.

Hacer esa primera versión de Llegaste como la brisa significó para Mariana Rondón "aprender a pensar desde otro lugar", por que le tocaba inventar algo que no existía en absoluto y le permitía trabajar también la imagen desde otro ámbito, al crear frente al espectador una experiencia en vivo.Para Mariana Rondón, el arte electrónico tiene mucho de magia, de alquimia, pues como aquellas primeras proyecciones de cine a fines del siglo diecinueve recuperan la sorpresa para el espectador del siglo XXI. La instalación Llegaste como la brisa ha sido expuesta en Caracas, Francia, México, y España. En éste último país obtuvo el premio Vida Artificial 8.0 otorgado por la Fundación Telefónica en 2006. Del 10 de junio al 3 de julio será expuesta en el Museo Nacional de Arte en China. La participación de Mariana Rondón es patrocinada por El Centro de Arte La Estancia - PDVSA.




Fuente: Nota de Prensa
Ninoska Dávila Cinemapress-x / Servicios Comunicacionales: +info: (0212) - 8804502 - 0414-2804064

FOTOS y VIDEO: http://www.flickr.com/photos/cinemapress
+ info sobre exposición en china: http://www.mediartchina.org/

Arístides Rojas, un gran divulgador científico

Naturalista, médico, historiador y periodista nace en caracas el 5 de Noviembre de 1826 Hijo de José María Rojas Ramos y de Dolores Espaillat, nativos de la Republica Dominicana que habían llegado a Venezuela huyendo de las conmociones que agitaban a su isla nativa. Su padre había sido administrador de la aduana de La Guaira, concejal y diputado al Congreso Nacional. Rojas asiste al colegio Independencia, donde tiene de compañeros a los hijos de José Antonio Páez y de Antonio Leocadio Guzmán y como maestro a Fermín Toro.

A los 18 años de edad, comienza sus estudios de filosofía en la Universidad Central de Venezuela. Bajo seudónimo, aparecen sus primeros artículos sobre aspectos costumbristas y de folklore, así como adaptaciones y traducciones del francés. En 1846, entra a estudiar medicina. Se gradúa en 1852, a los 26 años de edad y comienza a ejercer como médico rural en Escuque y Betijoque (Edo. Trujillo). En 1855, debe regresar bruscamente a Caracas, al morir su padre, víctima de la epidemia de cólera que azota a la capital durante ese año. Se encarga entonces de la editorial Rojas Hermanos y, con su hermano Marco Aurelio, publica una serie de Estudios científicos sobre las ciencias de la naturaleza. En 1857, sale de La Guaira hacia Estados Unidos y Francia. En París, perfecciona sus estudios en los campos de las ciencias naturales y médicas. Se interesa profundamente por la obra de Alejandro de Humboldt; desea regresar a Venezuela, pero los acontecimientos de la Guerra Federal lo obligan a radicarse en Puerto Rico, donde ejerce su profesión de médico, estudia y escribe. En 1864, regresa a Caracas. Bajo la influencia de los escritores franceses, hace tentativas para asociar la ciencia y la literatura; como exponente de esta concepción, publica

Miembro fundador y vicepresidente de la Sociedad de Ciencias Físicas y Naturales presidida por Adolfo Ernst (1867), Rojas presta su colaboración al movimiento científico encabezado por Ernst, difusor de las teorías darwinianas, aunque su propia fe cristiana no le permite compartir las ideas materialistas del sabio alemán. Pero no deja de reconocer la importancia que tiene este nuevo movimiento científico para el país. En colaboración con Manuel Díaz, publica Apuntes para el repertorio de plantas útiles de Venezuela (1866), orientando el estudio de las ciencias naturales hacia las aplicaciones productivas; propugna en esta publicación la creación de herbarios y jardines nacionales.

Actualiza la Geografía de Venezuela de Agustín Codazzi y la adapta para niños.
En el campo literario, funda la Sociedad de Bibliografía Americana. Publica artículos costumbristas bajo los seudónimos de Bibliófilo, Camilo de la Tour o Provincial y poesía, bajo el seudónimo de E. D'Aubry. A mediados de la década de 1870, después de enviudar de Emilia Ugarte, quien falleció cuando llevaban apenas un año de matrimonio, Rojas abandona el ejercicio de la profesión médica y se encierra a escribir. De 1875 hasta 1882, dirige las ediciones anuales del célebre Almanaque para todos editado por la empresa Rojas Hermanos. En 1876 publica Un libro en prosa: miscelánea de literatura, ciencia e historia, prologado por el poeta José Antonio Calcaño. Esta obra presenta una selección y clasificación de sus publicaciones hemerográficas.

La Academia de Ciencias Sociales premia en 1878, su obra Estudios indígenas, contribución a la historia antigua de Venezuela. Considera Rojas el conocimiento científico de las civilizaciones indígenas como el preámbulo necesario de todo estudio histórico de la nacionalidad.

En 1892, junto con Adolfo Ernst y otros colegas, prepara el material que conforma el pabellón de Venezuela en la Exposición Universal de Chicago. En esa oportunidad, se envían muestras botánicas y objetos de uso tradicional, históricos y de arte; el folleto que describe la exhibición contiene varios artículos de Rojas sobre Venezuela y sus recursos. A su muerte, deja inédita su obra Folklore venezolano (publicada en 1967), así como los demás tomos contratados de su obra histórica.

Murió en Caracas el 4 de marzo de 1894.
Arístides Rojas puede ser considerado como uno de los más destacados divulgadores científicos que ha tenido Venezuela y como el padre de la investigación científica de la historia nacional. Desde el 21 de septiembre de 1983 sus restos reposan en el Panteón Nacional.

Fuente: Magazine Digital

Eugenio Montejo, el ausente siempre presente

Ecuánime, humilde, amable, generoso, heredero de la gran tradición poética venezolana, firme en sus convicciones es lo que dicen sus colegas de Eugenio Montejo.

“Dura menos un hombre que una vela/ pero la tierra prefiere su lumbre/ para seguir el paso de los astros”, escribió en Muerte y memoria el poeta y ensayista venezolano Eugenio Montejo, quien falleció a los 70 años de edad en su país natal.

Sus versos cobran notoriedad a través del cine después de que el actor Sean Penn recitó en la película 21 gramos, dirigida por el mexicano Alejandro González Iñárritu, estos versos de Montejo: “La tierra giró para acercarnos, giró sobre sí misma y en nosotros, hasta juntarnos por fin en este sueño”.

CARMEN ROSA GÓMEZ
EL UNIVERSAL

Eugenio Montejo es uno de esos seres que nos hace privilegiados, porque aunque se vaya nos deja sus palabras. Y gracias a Dios dejó muchas, porque el vacío que su muerte abre es inmenso.

Se fue a morir a Carabobo, de cuya alma máter central era egresado. Lo hizo de forma silenciosa y reservada, como todos afirman que era él. Una muerte que sorprende por la premura con que la enfermedad quiso llevárselo.

Había llenado su bibliografía de unos versos que tienen la cualidad de no lucirle ajenos a quien los lee. Cosas, a veces simples, son protagonistas en los textos de Montejo, que fueron escritos con un lenguaje íntimo, cargado de sensaciones y de belleza.

A su hijo le escribió el poema Nana para Emilio: Duerme, hijo mío, en mi carne, en mis ojos,/ como dormiste antes que yo naciera,/ como dormimos durante tanto tiempo/ dentro de nuestros padres.

Este poeta, ensayista y diplomático, algo que más allá de un cargo ejercido parecía una de sus características, era un gran preocupado por el acontecer.

Tras recibir el Premio Internacional de Poesía y Ensayo Octavio Paz, en 2005, hizo reflexiones como la siguiente: "El hecho de que nada sepamos del futuro, salvo que debemos crearlo entre todos, aumenta la responsabilidad del artista. Su adhesión ética ha de estar del lado de la civilizada tolerancia y de parte del desarme tanto por fuera como por dentro del hombre".

Preso por la labor creadora de Fernando Pessoa, Montejo también se desdobló en heterónimos. Esa despersonalización lo llevó a convertirse en Blas Coll, Sergio Sandoval, Tomás Linden y Eduardo Polo. Quizá lo habitaban muchos más y no es de extrañar que hayan quedado por los rincones de su casa, en reposo, textos de estos autores esperando por el ojo riguroso del propio Montejo para ver la luz.

El guionista Guillermo Arriaga le hizo un favor a la historia al poner en boca de Sean Penn, en una escena de la película 21 gramos, unos versos de Montejo. Esas breves líneas allí, casi tan leves como los mismos 21 gramos del alma que se va, proyectaron la obra de este venezolano a personas que normalmente no se acercan a la poesía y que, sin embargo, se vieron tocadas por aquellas: La Tierra giró para acercarnos/ giró sobre sí misma y en nosotros,/ hasta juntarnos por fin en este sueño.

Ahora, que tras un giro más de la Tierra su voz se ha silenciado, hay que reencontrarse con Montejo en palabras como las que nos dejó en Los ausentes: Viajan conmigo mis amigos muertos./ A donde llego, van por todas partes,/ apresurados me siguen, me preceden (... )/ Muertos de nunca habernos muerto,/ de estar en algún tiempo, en algún parque,/ juntos y apartes, conformes, inconformes,/ mudos, charlando, con voces, sin voces,/ en verdad ya ni vivos ni muertos (... )/contentos de estar en la Tierra y de no estar en ella,/ en eternas tertulias donde, se hable o no se hable,/ todo queda para después o para antes,/ para cuando no sabíamos que después era entonces/ ni que nuestras sombras de pronto levitaban/ visibles e invisibles en el aire.

El poeta y ensayista venezolano, nacido en Caracas en 1938, se caracterizó por la rica gama textual y el gran dominio de las formas, constituyéndose en un gran representante de la poesía suramericana.
Publicó, entre otros, los libros: "Elegos" en 1967, "Muerte y memoria" en 1972, "Algunas palabras" en 1977, "Terredad" en 1978, "Trópico absoluto" en 1982, y "Alfabeto del mundo" en 1986. Es autor también de importantes ensayos, tales como, "La ventana oblicua" en 1974, "El taller blanco" en 1983, y "El cuaderno de Blas Coll" en 1981.
Entre sus más recientes trabajos se encuentra su participación como fundador de la revista "Azar Rey", co fundador de la Revista Poesía de la Universidad de Carabobo, que junto a la Universidad de los Andes le confirieron el doctorado Honoris Causa a este hombre de letras como un modesto homenaje a su trayectoria literaria.
También fungió como investigador en el Centro de Estudios Latinoamericanos "Rómulo Gallegos" (Caracas). Colaboró de manera cercana con gran cantidad de revistas nacionales y extranjeras, trayectoria que le valió el Premio Nacional de Literatura en el año 1998.

Toda una vida


Tránsito de vida. Nació en Caracas el 19 de octubre de 1938 y falleció el Valencia el 5 de junio de 2008.
Formación. Abogado (Universidad de Carabobo UC, 1968) y Sociología del Arte (Universidad de La Sorbona, París).
En la literatura. Coordinó los talleres literarios de la Casa de Rómulo Gallegos (Celarg). Director de Publicaciones de la UC. Director literario de Monte Ávila Editores. Cofundador de las revistas Poesía, Zona tórrida y Azar Rey.
Diplomático. Consejero cultural de la Cancillería, consejero cultural de la Embajada de Venezuela en Portugal y director de Relaciones Internacionales de la Cancillería.
Premios. Nacional de Literatura (1998) e Internacional Octavio Paz (2004).
Heterónimos. Sergio Sandoval, Eduardo Polo, Tomás Linder y Blas Coll.

Fuente: El Universal

José Manuel Briceño Guerrero, un apureño aspira al Nóbel de Literatura

El escritor venezolano José Manuel Briceño Guerrero ha pasado la mayor parte de sus 81 años buscando a Latinoamérica en las páginas de un libro. Primero como lector, y más tarde como filósofo y ensayista.

Su incesante indagación se ha traducido en importantes lauros como el Premio Nacional de Ensayo y el Premio Nacional de Literatura del Conac, así como un reconocimiento de la Unesco.
Ahora está postulado al Nóbel de Literatura.
Razones
Un grupo de académicos tenía varios años dándole vuelta a la idea de postular a Briceño Guerrero al máximo reconocimiento de las letras mundiales, posibilidad que se concretó esta semana, cuando la Universidad de Los Andes (ULA), la Universidad Nacional Experimental de Yaracuy (UNEY), la Universidad Nacional Experimental del Táchira (UNET), la Universidad Simón Bolívar (USB), la Universidad Nacional Abierta (UNA) y la Universidad de Pamplona formalizaron la nominación ante el Comité del Premio Nóbel de la Academia Sueca.
De acuerdo con la carta de postulación “su obra se distingue de la de otros por una permanente pluralidad de estilos y formas literarias de clara intención lúdica, mediante las cuales quebranta las hegemonías de los géneros literarios convencionales, en un esfuerzo por recuperar la palabra”.

Fuente: Diario Panorama

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Rodrigo Benavides: Instrucciones para fotografiar el llano venezolano

Rodrigo Benavides, quien actualmente expone su trabajo "La llanura improsulta"

La exposición "La llanura improsulta" reúne una selección de 151 imágenes tomadas durante una investigación desarrollada a lo largo de once años en cinco estados llaneros. Para el artista esta muestra aborda "el paisaje abierto conquistado en toda su dimensión por un cielo de ciento ochenta grados, que invita a ver la vida de una manera particular: el horizonte es, en sí mismo, el sentido; todo se supedita a él. Las altas temperaturas, la lluvia, las aves, las bestias, el fuego, las nubes, la tierra resquebrajada por la sequía y algunos símbolos que hablan de la presencia humana indican que el llano se hace sentir: es un lugar que estremece".

Rodrigo Benavides cursó estudios de fotografía en la Academia Punto Focal (Caracas, 1978). Desde 1979 hasta 1982 estudió en Londres, Inglaterra, gracias a una beca otorgada por el Photographic Training Centre. En 1985 estudió fotografía y artes plásticas en París, Francia, donde fue becado por el estado francés en I`Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Ese año viajó a Barcelona para recibir cursos y talleres de fotografía, a partir de los cuales consolidó su investigación autoral, decantando el uso de blanco y negro y el color como lenguajes específicos en la fotografía.

En 1988 regresó a Caracas, donde asumió el libre ejercicio de su profesión, y en 2003 creó el Núcleo Fotosensible, talleres de fotografía, espacio formativo que dirige desde entonces, al cual se puede acceder en la dirección http://www.fotosensible.org/





Fuentes: Analitica